HIGH FI✌E: Junho

 Cinco filmes assistidos no mês que merecem destaque: 

 

"A Mulher Rei" de Gina-Prince Bythewood

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"Colectiv" de Alexander Nanau

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"Maurice" de James Ivory

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"O Capitão" de ´Robert Schwentke

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"Sinônimos" de Nadav Lapid

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4EVER: Alan Arkin

26 de março de 1934 ✰ 29 de junho de 2023

Nascido em Nova York, Alan Wolf Arkin começou a trabalhar no cinema em 1957, mas seu primeiro papel era tão pequeno que sequer foi creditado. No seu segundo trabalho ele ganhou destaque e recebeu sua primeira indicação ao Oscar de melhor ator por Os Russos Estão Chegando! (1966), o que o tornou membro do seleto grupo de atores indicados por seu primeiro papel de protagonista no cinema. Ele concorreu ao Oscar de melhor ator mais uma vez em Por que tem que ser Assim? (1969). Mas apesar de ter feito vários filmes desde então (incluindo o brasileiro O que é Isso Companheiro?/1997), a Academia lembrou dele novamente somente com Pequena Miss Sunshine (2006) que lhe rendeu a estatueta de coadjuvante pelo papel do vovô nada convencional. Ele foi lembrado mais uma vez por seu trabalho no premiado Argo (2012) em que vivia um dos produtores da farsa em que gira o filme. Ao longo da carreira, Arkin também se tornou cantor, compositor e professor querido de seus alunos das aulas de improvisação, sendo muito reconhecido por seu bom humor, característica que pudemos acompanhar em seu elogiado trabalho na série O Método Kominsky (2018-2021). Arkin faleceu em decorrência de problemas cardiológicos. 

PL►Y: O Pacto

 

Salim e Jake: gratidão no campo de batalha.

Durante a Guerra do Afeganistão, o General John Kinley (Jake Gyllenhaal) começa a trabalhar com o intérprete afegão Ahmed (Dar Salim), com quem inicia uma relação desconfiada em serviço. É na convivência que um ganha a confiança do outro e Kinley nem imagina que depois de um ataque sua vida dependerá da obstinação de Ahmed em mantê-lo com vida. A ideia de O Pacto soa bem simples, mas cede lugar a um debate interessante na política de guerra americana durante seus anos no Afeganistão, uma vez que a grande maioria dos tradutores locais contratados para o trabalho foram deixados para trás e suas vidas, assim como de seus familiares foram colocadas em risco quando o talibã tomou novamente o poder. O filme de Guy Ritchie retrata esta situação claramente em seu último ato, apresentando nos anteriores a forma como estas pessoas colocaram em risco suas vidas pelo exército do Tio Sam e depois foram deixados à própria sorte nas mãos do inimigo. Considerados traidores e indignos, não fica difícil entender o que o destino reservou para aqueles que foram pegos. Segundo o filme 300 foram assassinados junto aos seus familiares e milhares estão escondidos até hoje com suas vidas em risco. Este contexto histórico deixa o filme ainda mais interessante, mais até do que perceber que Ritchie deixou suas firulas de lado e mostra que sabe filmar feito gente grande numa narrativa de guerra competente, que tem lá seus momentos de humor em diálogos afiados, mas que sabe como construir tensão e desenvolver seus personagens principais. Se Jake Gyllenhaal está nos altos dos créditos e não decepciona, o destaque fica por conta de Dar Salim, na pele de Ahmed que aparece desde o primeiro minuto em conflito com o trabalho que adotou para conseguir condições dignas de vida para sua família. Mais do que um pacto existente entre os dois personagens, se instaura uma gratidão entre um e outro que paira sobre tudo o que acontece no desfecho da história. Filmado de forma que a poeira parece entrar nos olhos de quem assiste, o filme apresenta um Guy Ritchie mais consciente do que colabora com a história e não apenas com a vontade de soar descolado. A cena final da represa demonstra bem como ele aprendeu a fazer cenas de ação envolventes sem precisar apelar para gracinhas na edição. Quem também aparece no filme é Antony Starr (o famigerado Capitão Pátria de The Boys) que ficou a cara do Bradley Cooper usando barba. Os fãs do gênero vão adorar.  

O Pacto (The Covenant / Reino Unido - Espanha - EUA) de Guy Ritchie com Jake Gyllenhaal, Dar Salim, Emily Beecham, Jonny Lee Miller, Christian Ochoa Lavernia, Bobby Schofield, Antony Starr, Alexander Ludwig e Rhys Yates. ☻☻☻

PL►Y: O Capitão

 

Milan, Max e Frederick: o poder da farda. 

Willi Herrold (Max Hubacher) é um soldado desertor, o que o torna um criminoso de guerra. Longe de seu grupo, ele vaga por uma Alemanha inóspita em busca de comida. Com frio e caçado pelo exército, sua vida não tem muita perspectiva no cenário da Segunda Guerra Mundial, mas suas circunstâncias mudam quando encontra o uniforme de um oficial nazista dentro de um carro. Ele veste a roupa e parece ter resolvido o problema do frio aterrador que o cerca, mas ao ser encontrado pelo soldado perdido Freytag (Milan Peschel), que o confunde com um Capitão nazista, Herrold percebe que pode deixar de ser um desertor, basta melhorar a postura e ter uma fala firme para que sua roupa faça o resto e se torne uma personalidade imponente no ambiente em que se inserir. Freytag é apenas o primeiro a seguir o falso capitão, aos poucos, o protagonista começa a ser seguido por um grupo de soldados rebeldes que tornam sua presença ainda mais ameaçadora. Logo ele estará em uma base militar massacrando criminosos de guerra, como ele mesmo, apenas pelo gosto que o poder proporciona à sua pessoa desprezível. Colabora muito para isso que a Alemanha esteja prestes a perder a Guerra e o ódio generalizado esteja cada vez mais presente. Quando tudo parece perdido, a presença de uma autoridade sem nada a perder é o suficiente para alimentar as atitudes mais desumanas de quem está ao seu redor. Esta é a trama de O Capitão, filme de Robert Schwentke (que passou um tempo fazendo filmes de ação em Hollywood, sendo o mais bem sucedido o bem humorado RED de 2010), aqui ele ousa mostrar a segunda Guerra Mundial sobre uma perspectiva diferente. Existe aqui algo que já vimos em O Leitor/2008 sobre a obediência cega às ordens mais escabrosas, mas existe mais ainda do apresentado por  Oliver Hirschbiegel em Das Experiment (2001) em que as roupas dos passam a ditar a postura dos personagens. De certa forma, O Capitão vira esta última referência do avesso, uma vez que as atitudes do personagem vai de encontro ao que vários outros desejam fazer, mas precisavam de uma autoridade para legitimar seus desejos de barbárie. Nos momentos mais nefastos, o fiel Freytag se torna uma espécie de contraponto à crescente de horror dos atos praticados por Herrold. Talvez por parecer algo tão absurdo o filme invista num humor sinistro em vários momentos, especialmente em seu último ato que beira o surreal quando o Capitão e seus seguidores partem para a cidade e o filme se entrega aos seus momentos mais delirantes. Schwentke também assina o roteiro que é baseado em uma história real e o seu final deixa claro como a realidade pode realmente ser mais assustadora que a ficção. Filmado em preto e branco ressaltando a seriedade da história, O Capitão é um filme sobre o passado que remete diretamente ao presente e, talvez por isso mesmo, assuste ainda mais. Em cartaz no Prime Video, este é o melhor filme do cineasta e, embora tenha ficado de fora das grandes premiações, é uma obra que merece atenção. 

O Capitão (Der Hauptmann/Alemanha - França - Polônia/2017) de Robert Schwentke  com Max Hubacher, Milan Peschel, Frederick Lau, Max Thommes, Alexander Fehling e Bernd Hölscher. ☻☻☻☻  

Pódio: Viola Davis

Bronze: a esposa devotada. 

3º Um Limite Entre Nós (2016) Viola Davis ganhou sua primeira estatueta no Oscar por seu trabalho neste filme dirigido e estrelado por Denzel Washington. Ela vive a esposa de um trabalhador da década de 1950 que entra em conflitos com ela na condução da família. Viola e Denzel repetem aqui os papéis que os premiaram no teatro e enquanto ele faz uma performance mais teatral, ela opta por um caminho mais comedido e emocional. Ambos foram indicados ao Oscar e o filme também entrou no páreo de melhor filme e roteiro (adaptado pelo próprio autor da peça, August Wilson). Embora tenha minhas ressalvas com o tom impresso pelo diretor, é indiscutível que Viola está magnífica. 

Prata: a empregada antirracista. 

2º Histórias Cruzadas (2008) Viola diz se arrepender de ter feito este papel por conta da narrativa com que os afro-americanos são representados como subalternos e dependentes de um salvador branco. Compreendo as críticas da atriz, mas isso não impede que possamos desfrutar de um trabalho emocionante da intérprete como Aibileen Clark na época da luta pelos direitos civis. Aqui a personagem tem a oportunidade de dizer tudo que tem vontade à agora crescida menina da qual era babá - e que agora se tornou jornalista (eu ainda acho que foi Aibileen que salvou a garota de ser uma racista cretina). Viola brilha à frente de um elenco estelar e nos emociona ao nos fazer pensar como o racismo é realmente uma nojeira. A atriz recebeu aqui sua primeira indicação ao Oscar de melhor atriz e quase o levou para casa. 

Ouro: a mamãe rouba-cena. 

1º Dúvida (2008) A atriz só precisou de oito minutos em cena para chamar atenção do mundo inteiro no papel de Srª Miller, a mãe do aluno que é suspeita de ser vítima de abuso neste filme de John Patrick Shanley. Seu diálogo com a freira vivida por Meryl Streep rompe paradigmas e deixa não apenas a freira boquiaberta como o público também. Virando do avesso a proposta do filme, temos a impressão que ela sabe mais do que diz e surpreende com sua reação. O trabalho colocou a atriz em outro patamar e lhe rendeu sua primeira indicação ao Oscar de coadjuvante. A partir daí, Viola recebeu outras três indicações e se tornou a atriz afro-americana mais indicada na história do Oscar (e acho que em breve ela fará história novamente ao se tornar a primeira a receber duas ou três estatuetas de atuação). 

PL►Y: A Mulher Rei

Viola e sua turma: guerreiras de respeito. 

Em cartaz no HBOMax após fazer sucesso nos cinemas, era esperado que A Mulher Rei caísse nas graças do Oscar e recebesse algumas indicações pelo seu misto de filme de drama e épico de ação, afinal de contas, não é todo ano que temos a oportunidade de ver uma produção estrelada por um elenco majoritariamente de mulheres negras com uma produção deste quilate. Viola Davis produziu o filme e fez questão de deixar espaço para que outras estrelas do elenco também brilhassem na telona, mas, embora aparecesse em outras premiações da temporada de ouro, o longa foi completamente esquecido pela Academia. Baseado em uma história real ambientada em 1920 no reino africano Daomé, atual Denim, o filme conta a história de Nanisca (Viola), membro da etnia Fons e responsável por treinar as guerreiras Agojie, um exército composto apenas por mulheres que defendem os interesses do Rei Ghezo (John Boyega). Apesar de serem fieis ao rei, existe um certo conflito entre Nanisca e seu líder, uma vez que ela ainda tenta convencê-lo a não vender seu povo como escravo para os europeus. O comércio escravagista também é o motivo de uma verdadeira guerra com o império Oyo, que vende seus prisioneiros de outros povos para o mercado europeu e cobiça cada vez mais a população de Daomé, as guerreiras, inclusive. Entre cenas de batalhas também conhecemos a história da jovem Nawi (a excelente Thuso Mdebo da minissérie Underground Railroad), que se recusou a casar a mando do pai e foi mandada para o treinamento das Agojie. A força da menina chama atenção de Nanisca, mas é a vibrante Izogie (uma luminosa Lashana Lynch) que se torna sua mentora. A trajetória de Nawi serve para conhecermos o treino intenso das guerreiras, mas também serve para dar ao filme toques de romance (quando seu caminho cruza com o brasileiro mestiço vivido por Jordan Bolger) e drama quando segredos de seu passado vem à tona. A diretora Gina-Prince Bythewood  se esforça para manter o ritmo entre as cenas de ação empolgantes e os momentos mais intimistas da história, alcançando um resultado equilibrado que lhe valeu indicações ao BAFTA e ao Critics Choice Awards. O elenco vigoroso, ao lado da produção caprichada, prende a atenção do público e nos faz entender como a história fascinante dessas mulheres inspirou a criação das Dora Milaje do Reino de Wakanda nos quadrinhos do Pantera Negra. Atrevo dizer que o filme se tornará um clássico. 

A Mulher Rei (The Woman King/EUA-2022) de Gina-Prince Bythewood com Viola Davis, Thuso Mdebo, Lashana Lynch, Sheila Atim, John Boyega, Jordan Bolger, Hero Fiennes Tiffin e Jayme Lawson. ☻☻☻☻ 

PL►Y: Elemento de Um Crime

 

Elphick: memórias de um crime. 

Se Lars von Trier é hoje um dos diretores mais controversos do cinema, em sua época de estudante na Escola Dinamarquesa de Cinema a situação não era muito diferente. Ele se tornou reconhecido por seu jeito questionador que incomodava muitos dos seus professores. Avesso a seguir às regras, Trier desafiava a estética imposta em seus curta-metragens e começou a ser considerado um artista pretensioso e arrogante desde então. Reza a lenda que foi por conta dessa percepção sobre o seu trabalho que adotou "von" em seu nome. O cineasta já demonstrava que estava em busca de uma linguagem única em seu primeiro longa-metragem, Elemento de Um Crime que completará quarenta anos em 2024 e que pode ser assistido na MUBI. Se o cineasta bebe na fonte dos filmes noir na construção de sua história, em sua estética ele apresenta um estilo próprio com a fotografia em tons gastos de amarelo e vermelho, uma luz que ressalta os vidros embaçados, as paredes úmidas e a sujeira local. As ambientações sempre soam decadentes, sórdidas e abandonadas. Não existe o glamour visto em filmes clássicos do gênero, pelo contrário, tudo soa infernal. Este neonoir conta a história do policial Fisher (Michael Elphik) que chega ao Cairo após conduzir uma investigação sobre um serial killer na Europa. Ele não lembra muito bem sobre o que houve e procura ajuda de um terapeuta para que através da hipnose possa recuperar suas memórias. Suas lembranças se mostram um verdadeiro quebra-cabeças envolvendo outros policiais, vítimas, suspeitos e aquela que acredita ser amante do assassino, uma prostituta chamada Kim (Me Me Lai), com quem acaba se envolvendo. Se o roteiro é um tanto truncado ao desenvolver a história com base na percepção do personagem, por outro lado, Trier estava disposto a demonstrar tudo o que sabia fazer com uma câmera na mão. De cenas em slow motion, ao uso de ângulos inventivos, o diretor parece estar mais preocupado com a forma do que com o conteúdo de sua trama. Por conta disso o filme chamou pouca atenção no Festival de Cannes e foi praticamente ignorado pelo público. Hoje o filme é visto como a primeira obra de sua primeira trilogia, a Velho Continente (composta ainda pelos seguintes Epidemic/1987 e Europa/1991) em que o diretor experimenta recursos tecnicamente elaborados para retratar a decadência da Europa. O mais interessante de Elemento do Crime é perceber aspectos que mais tarde retornariam às obras do provocador cineasta. 

Elemento de Um Crime (Forbrydelsens Element / Dinamarca - 1984) de Lars von Trier com Michael Elphick, Esmond Knight, Me Me Lai, Jerold Wells, János Herskó e Stig Larsson. ☻☻

NªTV: Black Mirror - 6ª Temporada

 

Hartnett e Paul: nem tão Black Mirror assim. 

Consagrada como uma das séries mais geniais da última década, a quinta temporada de Black Mirror já deixava claro que seus melhores anos haviam ficado paras trás. Quatro anos depois, a sexta temporada se mostra melhor do que a anterior, mas com algumas surpresas que deixam o público com a pulga atrás da orelha. Esse texto é mais do que a tentativa de uma crítica, mas uma reflexão sobre o que o programa tem a nos oferecer em seus últimos cinco episódios. A série se consagrou ao contar histórias sombrias da interação entre o ser humano e a tecnologia, o que tornava o programa tão assustador era a sensação de que aquelas situações realmente poderiam acontecer em um futuro próximo, algo que gerou o bordão "isso é tão Black Mirror" quando algo semelhante ao que vimos na série acontecer na vida real (como a eleição de Trump ou as fake news ditando desavenças pelo mundo). Acontece que após o primeiro episódio da nova temporada, a série parece se voltar agora para o passado da tecnologia. Joan é Péssima abre a temporada com a história de uma mulher que vê sua vida se tornar série de um serviço de Streaming, a Streamberry (que faz questão de não disfarçar sua inspiração na Netflix). Ela não faz a mínima ideia de como seu dia se torna um episódio diário na plataforma e a coisa só complica quando liberdades narrativas tornam sua personalidade ainda mais desprezível. A ideia está bem sintonizada com o legado da série, especialmente quando envolve imagens geradas por inteligência artificial, direito de imagem e como as imagens passam a ditar nossa percepção da realidade. Embora o humor faça tudo ficar menos sombrio do que deveria, a crescente de absurdo deixa a sensação de que só este episódio já vale mais que a quinta temporada inteira. O segundo episódio, Loch Henry, conta a história de um casal de cineastas que (Samuel Blenkin e Myha'la Herrold) resolve visitar a cidade natal de um deles, mas se tinham uma ideia para uma produção, agora eles decidem investigar crimes escabrosos que aconteceram na região. O episódio nem tenta disfarçar uma crítica aos programas sobre criminosos que não se preocupam com as pessoas que sofreram pelo caminho. Soa como uma crítica até à Netflix (mais uma vez representada pela Streamberry), mas também à forma como consumimos essas produções além do hábito de filmar tudo em uma espécie de fetiche. Aqui o hábito não é representado pelo uso do celular, mas por fitas VHS que remontam nosso apego à tecnologia como uma extensão de nossa vida, especialmente da memória (ainda que apareça aqui de forma sórdida). O passado também é o foco do terceiro episódio, Beyond the Sea se passa em 1969 com dois astronautas (Aaron Paul e o sumido Josh Hartnett) estão no espaço e participam do experimento com uma nova tecnologia, que transfere a consciência de cada um deles para uma réplica que permanece com a família na Terra. No entanto, a humanidade estaria preparada para lidar com isso? Como é um episódio de Black Mirror, a resposta você já imagina. Se o personagem de Rory Culkin (esquisito mais uma vez) demonstra uma raiz anti-tecnológica, o foco recai mesmo sobre a guinada do episódio que se torna cada vez mais previsível. Os rumos dados à promissora premissa evidencia que Charles Brooker já está cansado do formato de seu programa. Eis que então surgem os dois episódios finais inspirados em filmes de terror. Mazey Day mostra uma celebridade que cresceu perseguida por paparazzis. A guinada do episódio pode ser interpretada como alguém que se enfurece com a perseguição da mídia, dando rumos inusitados ao episódio mas nada que se compare ao último episódio. Apresentado pelo selo Red Mirror, Demônio 79 se torna um verdadeiro enigma para quem associa a série ao uso da tecnologia. O episódio apresenta uma assistente de vendas (Anjana Vasan) que passa a receber ordens de um demônio para evitar o apocalipse, assim, ela precisa assassinar três pessoas para evitar o fim do mundo. O episódio ganha toda uma estética dos anos 1970 e um tom que mistura comédia e terror que nos faz procurar o que tudo aquilo tem a ver com a série. Eu imaginei que fosse a ideia de uma tecnologia bem primitiva com aquele talismã registrando a missão realizada, mas tem uma relação com a abrangência que a mídia oferece à pessoas deploráveis (personificada por um político cheio de más intenções). O capítulo oferece até um vislumbre do clássico episódio Metal Head para ilustrar todo o mal que aquele sujeito representa. No entanto, o considerei totalmente deslocado, mas nos oferece o que podemos esperar da série daqui por diante: uma obra descaracterizada em sua proposta inicial. Não tenho problemas que Brooker tenha outras ideias a serem trabalhadas, mas se Black Mirror virar  Red Mirror, imagino que seria apenas a perda de uma obra original que não demonstra mais o fôlego que tinha antes. Talvez fosse mais fácil encontrar novos roteiristas para o programa. 

Black Mirror - 6ª Temporada (EUA - Reino Unido / 2023) de Charlie Brooker com Annie Murphy, Salma Hayek, Michael Cera, Samuel Blenkin, John Hannah, Aaron Paul, Josh Hartnett, Kate Mara, Rory Culkin, Zazie Beetz, Anjana Vasan e Paapa Essiedu. ☻☻☻ 

Na Tela: The Flash

 

Ezra: com o passado não se brinca. 

É um tanto inevitável tecer algum parecer sobre The Flash, assim como também é inevitável perceber a sensação de que o filme chega aos cinemas na hora errada. O longa começou a ser pensado logo depois que Liga da Justiça começou a ser produzido. Desde então, já aconteceu tanta coisa que todo mundo sabe que a Warner/DC já pressionou o botão de reset nos filmes do universo da DC nos cinemas, agora com James Gunn à frente. Caso houvesse chegado aos cinemas no tempo em que lhe era cogitado, provavelmente o filme daria novo fôlego aos heróis do controverso Liga da Justiça, mas agora, o clima só aumenta a melancolia do filme dirigido por Andy Muschietti. O filme é levemente inspirado na clássica trama da histórica HQ Flashpoint, mas faz alterações para preencher de emoção o que poderia ser apenas um exercício sombrio. Na trama, o alter-ego do herói, Barry Allen (Ezra Miller), está prestes a ver o pai (Ron Livingston no papel que antes era de Billy Crudup) ir a julgamento pelo assassinato da esposa (Maribel Verdú). Desde pequeno, Barry afirma que o pai é inocente, mas a ausência de provas a favor dele só complicaram as coisas por mais de uma década. Lembrando do passado, Barry pensa que a alteração de uma pequena ida ao supermercado poderia ter evitado toda aquela situação e resolve voltar ao passado pra salvar sua mãe e, de quebra, o pai também. Sabemos que alterar o passado pode ter graves consequências e Barry acaba presenciando este efeito colateral num multiverso, onde não apenas o futuro foi alterado, mas o passado também. Assim, ele não apenas salva os seus pais, como também se depara com ele mesmo mais jovem (e um tanto bobalhão por não ter que lidar com uma tragédia em sua vida). Acontece que Barry acaba retornando para o dia em que a Terra foi ameaçada pelo General Zod (Michael Shannon), fato que estabeleceu o marco inicial da fase Zack Snyder na DC com Homem de Aço (2013). O rapaz então procura juntar a Liga da Justiça para evitar o pior, mas, acaba descobrindo que aquele mundo é bastante diferente. Só para ficar no que o trailer revela, o Batman já se aposentou (vivido novamente por Michael Keaton) e ninguém conhece o Superman. Dito isso, vale dizer que Andy Muschietti faz um bom filme com várias participações especiais e homenagens à história da DC Comics na TV e no cinema, deixando o filme com um estofo emocional mais interessante do que muita coisa que vemos por aí. A ideia do Flash salvar a mãe deixa o filme com um apelo universal, assim como sua determinação revela duas faces de uma mesma moeda no desfecho. O destaque total do filme é Ezra Miller, que teve uma fase em sua vida pessoal bastante complicada, mas aqui prova mais uma vez que é um ator bastante talentoso, capaz de dar conta de um personagem com dois perfis completamente diferentes em uma mesma cena. Só espero que o garoto coloque a cabeça no lugar e nos presenteie com muitos filmes bons no futuro. Ele é seguido de perto pela espanhola Maribel Verdú, que está ótima em cena e Michael Keaton, que reassume o manto do Batman mais uma vez (e realmente merecia mais um filme solo, mas a ideia foi cancelada depois que a bilheteria de Flash não alcançou o esperado). Cheio de surpresas o filme também é bastante beneficiado por um roteiro redondinho que sabe exatamente para onde está indo. No entanto, o maior problema da produção não são os efeitos especiais criticados, mas o período de transição em que foi lançado. 

The Flash (EUA-2023) de Andy Muschetti com Ezra Miller, Michael Keaton, Maribel Verdú, Ron Livingston, Sasha Calle, Ben Affleck, Jeremy Irons, Gal Gadot, Kiersey Clemons, Michael Shannon e Jason Momoa. ☻☻☻☻ 

CICLO DIVERSIDADESXL: Felizes Juntos

 

Leslie e Tony: relação de altos e baixos. 

Ho (Leslie Cheung) e Lai (Tony Leung) sairam de Hong Kong para tentar uma vida melhor na Argentina, mal o filme começa e os dois já estão separados seguindo caminhos diferentes. Lai está trabalhando em um bar de tango quando reencontra seu ex-namorado com outro homem. Na verdade, a cada dia, Ho costuma ir para aquele bar com um acompanhante diferente. ao que tudo indica as coisas não ficaram bem resolvidas no rompimento de ambos, mas o destino irá ceder a ambos uma chance de reconsiderar a história que viveram juntos. Distante de suas famílias e sem amigos na terra estrangeira, os dois não possuem pessoas de confiança para contar quando precisam e, quando Ho precisa de ajuda, é para casa de Lai que ele retorna para ter os cuidados necessários. É visível que ainda há atração entre os dois, mas ciente de tudo o que aconteceu e tudo o que ainda pode acontecer, Lai resiste às investidas do ex-companheiro. O diretor chinês Wong Kar-Wai faz filmes com uma linguagem muito própria. Seu estilo costuma seguir um ritmo bastante peculiar e aqui conta com um estilo ainda mais fragmentado entre as memórias e narrativas de seus personagens. A fotografia é uma atração à parte com cores, tons e filtros que tornam o filme belo visualmente, embora a grande maioria de seus cenários não seja nada glamourosa. A maior parte do filme se passa na casa de Lai, uma quitinete sem muito espaço e que torna inevitável a convivência próxima com Ho. A tensão sexual entre os dois transborda daquele lugar, mas quando os dois estão em atrito parecem dois seres engaiolados angustiados com a atmosfera claustrofóbica que aquele espaço desperta. Existe um pouco de humor entre os dois, mas o sentimento que prevalece é uma certa melancolia por um romance quebrado que não consegue juntar novamente seus pedaços. Sobre os sentimentos entre os dois existe uma necessidade quase de sobrevivência sobre aquele amor, já que existe um forte sentimento de solidão em torno de ambos. Quando surge um outro personagem importante na história, Chang (Chang Chen) existe a promessa de mudança na vida de Tai, mas Wong Kar-Wai prefere explorar os sentimentos de forma muito mais sutil e platônica até o desfecho (um enorme contraponto com a cena em preto e branco que abre o filme). Pela delicadeza com que compõe os sentimentos complexos envolvidos aqui, o diretor levou para casa o prêmio de melhor diretor no Festival de Cannes. Felizes Juntos é o sexto filme do cineasta e está entre os mais românticos que já realizou, acho que só fica atrás do inebriante Amor à  Flor da Pele (2000). 

Felizes Juntos (Chun gwong cha sit/ Hong Kong - Coreia do Sul - Japão / 1997) de Wong Kar-Wai com Tony Leung, Leslie Cheung e Chang Chen. ☻☻☻☻

CICLO DIVERSIDADESXL: Sweetheart

Nell e Ella: romance de verão. 

AJ (Nell Barlow) foi praticamente arrastada para passar as férias no litoral com sua família. Seu humor ácido e um tanto agressivo deixa isso bem claro enquanto narra o filme. Sua mãe (Jo Hartley) parece animada em passar um tempo com as três filhas. Se a pequena Dayna (Tabitha Baron) acha tudo legal, a filha mais velha (Sophia Di Martino) está prestes a ter o primeiro bebê com o companheiro (Samuel Anderson) que também vai na viagem. No entanto, AJ queria mesmo era ficar com o pai, que desde a separação não faz muita questão de estar por perto das mulheres de sua vida. No meio de tanto desinteresse, AJ conhece uma salva-vidas de piscina, Isla (Ella-Rae Smith), que mesmo com o cheiro de cloro, ela considera a coisa mais interessante daquele lugar. Ao que tudo indica não é novidade para ninguém que AJ é lésbica e, o que torna o filme da diretora Marley Morrison tão interessante é justamente o fato da família parecer aceitar a adolescente como ela é, embora, de vez em quando, comentem que ela deveria dar um jeito no cabelo e usar roupas que a escondam menos. Aparentemente AJ não está nem aí para isso, mas suas atitudes e falas apontam para um certo desconforto em tudo o que está ao seu redor, o que só indica que ela não é tão diferente das outras adolescentes quanto imagina. Ela é muito inteligente ( a argumentação dela contra a teoria da Terra plana é digna de nota e ela não tem vergonha de admitir que aprendeu tudo aquilo quando ela mesma era terraplanista e foi convencida de que estava errada), mas isso não impede que seja insegura e não saiba muito bem como agir quando está interessada por alguém. Ela se sente bem mais segura quando imagina que a salva-vidas nunca lhe dará bola, mas quando percebe que tem chances reais de que algo aconteça a coisa só piora. Ela fica tão confusa de finalmente conseguir o que deseja que mete os pés pelas mãos ao flertar com um garoto da região, Elvis (Spike Fearn) igualmente inseguro e sem saber o que fazer. Sweetheart é um filme de romance de verão, mas consegue ser atraente pela forma como observa seus jovens personagens como pessoas ainda em construção e , por isso mesmo, soam tão verdadeiros. Se Nell Barlow está ótima na pele da protagonista (premiada como artista revelação no British Independent Film Awards) é  Jo Hartley que amplia a sensação de que a menina ainda precisa aprender que amar também inclui baixar a guarda e deixar ser amada. Na pele da mãe doida para acertar sua relação com a filha, Jo também demonstra que os adultos tem inseguranças e, que por vezes, cabe apenas à AJ aprender a lidar com suas emoções e a dos outros. 

Sweetheart (Reino Unido/2021) de Marley Morrison com Nell Barlow, Jo Hartley, Ella Rae-Smith, Sophia Di Martino, Samuel Anderson, Tabitha Baron, Stephan Cenydd e Spike Fearn. ☻☻☻☻

CICLO DIVERSIDADESXL: Faca no Coração

Vanessa e Nicolas: os pornôs gays dos anos 1970 como alvo de um serial killer. 

Anne Parèze (Vanessa Paradis) é uma produtora de filmes eróticos gays no final dos anos 1970. Ela está em crise com o final do relacionamento com Loïs (Kate Moran), que também é montadora de seus filmes. Como se não bastasse este problema pessoal, os atores de seus filmes começam a ser assassinados sem maiores explicações. Embora o caso seja investigado pela polícia, ninguém parece dar muita importância para o que está acontecendo, mas toda a situação acaba afetando a produção dos filmes de Anne, já que os atores começam a se recusar a participar de suas obras. Para lidar com a crise, a produtora resolve fazer um filme que é uma paródia sobre toda aquela situação, que acaba se tornando um filme dentro do filme, mas que é conduzido de forma um tanto absurda. Falando em absurdo, Faca no Coração não é um filme a ser levado muito a sério em sua fusão de filme gay com slasher movie. Embora a mistura sirva para falar de forma estilosa sobre a homofobia, Yann Gonzalez não tem pudores ao construir um pastiche cinematográfico, embora também soe como uma homenagem (um tanto debochada) sobre a indústria de filmes pornôs gay underground dos anos 1970. Se por um lado os filmes de Anne bebem diretamente na fonte de fantasias e fetiches de seu público, por outro lado, os crimes se apropriam da mesma fonte para acoplar morte ao desejo gay. É impossível não imaginar quem é o assassino da história a partir do espectro de alguém que não consegue lidar com seus próprios desejos despertados em torno dos filmes de Anne. O filme sabe muito bem como misturar cenas coloridas e outras sombrias, além de contar com um trilha sonora esperta do grupo M83 para criar a atmosfera necessária para momentos festivos e outros nem tanto. Talvez por não desenvolver os personagens que gravitam em torno de Anne, cabe à Vanessa Paradis carregar o filme nas costas com uma atuação forte que nos faz entender de onde sai as ideias para as produções da personagem. Indicado à Palma de Ouro em Cannes, o longa é o segundo filme de Yann Gonzalez (antes ele realizou Os Encontros da Meia-Noite/2013) que demonstra, mais uma vez, um estilo provocador que não agrada todos os públicos, mas quem embarcar no estilo delirante de sua obra pode se surpreender com o talento do moço. 

Faca no Coração ( Un couteau dans le coeur / França - México - Suíça / 2018) de Yan Gonzalez com Vanessa Paradis, Nicolas Maury, Kate Moran, Jonathan Genet, Félix Maritaud, Khaled Alouach e Noé Hernández.  ☻☻☻

CICLO DIVERSIDADESXL: Nighthawks

 

Turton e Robertson: marco do cinema inglês. 

Nascido em 1948 em Londres na Inglaterra, o cineasta Ron Peck, entre curtas e trabalhos para a televisão, realizou apenas quatro longa-metragens exibidos no cinema. O primeiro e o último eram obras de ficção, os outros dois eram documentários e tinham relação com sua estreia na direção para o cinema. Sobre os documentários, um deles leva o nome do artista Edward Hopper (1981) , que parece ser sua inspiração para o título de Nighthawks (nome da obra mais famosa do artista) o outro era sobre como foi filmar seu primeiro longa em uma sociedade inglesa ainda marcada pelo conservadorismo. Peck faleceu em 2022 e sempre deixou claro como foi difícil ser um homem gay e ter os anos de sua carreira como cineasta perpassada pela contracultura dos anos 1970, recém saída da descriminalização de relacionamentos entre o mesmo sexo em seu país na década de 1960 e logo em seguida se deparar com a AIDS e a ressaca dos anos 1990. Peck revisita sua história e a feitura de seu longa de estreia em Strip Jack Naked (1991), documentário que fez muita gente se interessar por aquele que passou a ser considerado por muitos como o primeiro grande filme gay do cinema inglês. Lançado em 1978, filmado e lançado de forma independente, Peck procura fazer um registro sobre as mudanças quanto à liberdade que os homossexuais começavam a experimentar no país. A trama gira em torno da rotina de Jim (Ken Robertson), que trabalha como professor de Geografia durante o dia e à noite procura parceiros em uma boate gay. No entanto, Jim sempre planeja mais do que apenas sexo, mas um relacionamento. Sua vida amorosa se concentra em suas investidas e os rumos que acabam tomando, o envolvendo num verdadeiro emaranhado  de encontros que não deixam claras as intenções envolvidas. Se por um lado, existe toda a animação de estar num clube com parceiros em potencial, por outro, temos um pouco de frustração e ansiedade do protagonista de dar um passo além rumo às expectativas de encontrar um parceiro fixo. Hoje este ponto rende debates acalorados quanto a sociedade heteronormativa, mas em Nighthawks existe a ideia de insatisfação perante o que Jim vivencia em sua busca por companhia e afeição, o resultado é um retrato sobre a dificuldade de estabelecer laços afetivos que se torna perspicaz até hoje. Outro ponto que merece destaque é o fato do protagonista contar sobre sua vida sexual para poucos conhecidos no trabalho, ainda que saiba que não será mais preso por ser gay, ele desconfia dos problemas que pode ter caso descubram que tem interesse por outros homens. Não por acaso, perto do desfecho do filme, ele é sabatinado por seus alunos com várias perguntas desconfortáveis e ofensivas, chegando a ser ele mesmo repreendido por isso (acredito que Ron Peck não imaginava que quase meio século depois ainda estaríamos lidando com homofobia). Vale destacar o trabalho do escocês Ken Robertson como Jim, sua atuação introspectiva dá conta de todos os conflitos do personagem o tornando extremamente humano, não por acaso, muitas vezes a câmera se aproxima dos seu olhar e podemos perceber exatamente o que se passa em sua mente. Aspectos como a trilha sonora (sem sucessos da época, mas com uma única composição datada que se repete à exaustão) e as ambientações internas deixam claro as limitações de orçamento que Peck tinha que lidar durante as filmagens. No entanto, embora muita gente possa considerar o filme chato e arrastado, ele cumpre a intenção de ser um retrato sobre as mudanças vividas por um homossexual urbano ao final dos anos 1970. 

Nighthawks (Reino Unido - 1978) de Ron Peck com Ken Robertson, Tony Westrope, Rachel Nicholas James, Stuart Turton, Clive Peters e Robert Merrick. ☻☻☻

CICLO DIVERSIDADESXL: Maurice

 

James e Hugh: amor às escondidas. 

Nos anos 1910, o jovem Maurice Hall (James Wilby) vai estudar na renomada Universidade de Cambridge. Sua família enxerga nisso a chance do rapaz finalmente colocar a vida nos eixos, encontrar um bom emprego e constituir uma família. Maurice realmente parece almejar todas essas coisas e seguir os rumos de uma vida convencional, pelo menos até se tornar amigo de Clive Durham (Hugh Grant), um rapaz que parece conhecer melhor suas vontades. Quando Clive declara seu amor por Maurice, o rapaz não sabe como reagir. O rejeita por algum tempo, mas depois, os dois viverão um romance que atravessará vários anos em segredo, já que na Inglaterra, era crime fazer sexo com uma pessoa do mesmo gênero na Inglaterra, ainda que fosse consensual, até o final dos anos 1960. Serem descobertos seria não apenas um escândalo, mas também algo que comprometeria para sempre a vida social de ambos. Se Maurice começa a aceitar cada vez mais os sentimentos que nutre pelo parceiro, Clive começa a reavaliar cada vez mais os riscos que corre, sendo capaz de tomar decisões que afetarão para sempre a vida de ambos. Maurice é a adaptação de James Ivory (diretor do ótimo Vestígios do Dia/1993 e  roteirista oscarizado por Me Chame Pelo seu Nome/2017) para o clássico de E.M. Foster, o filme torna-se ainda mais interessante se você conhece o estilo "quadradinho" do cinema de Ivory. Adepto de uma linguagem convencional, com reconstituição de época feita no capricho e fotografia exuberantes, acho que o cineasta nunca mais conseguiu disfarçar sob esta estética um conteúdo tão subversivo. Devemos lembrar que o filme foi lançado em 1987 e filmes mainstream sobre personagens gays ainda eram vistos com desconfiança (ou seria rejeição?) do grande público, Ivory acrescenta aqui não apenas alguns beijos como também cenas de nudez frontal masculina. O filme lhe valeu o Leão de Ouro no Festival de Veneza, além dos prêmios de melhor trilha sonora (que é por vezes fantasmagórica) e melhor ator para a dupla Grant e Wilby. De fato os atores são um destaque a parte pela naturalidade com que retratam a atração entre os dois personagens, especialmente nas partes mais sutis dos conflitos entre o desejo e a repressão vivida por ambos. Ivory capricha nos detalhes, sejam toques ou olhares, deixando nas entrelinhas sensações que vão da insegurança, passando pela culpa, ciúme e a frustração. Talvez a tarefa mais difícil tenha ficado para Wilby que tem o sofrimento provocado pela inadequação de Maurice mais evidente diante da câmera. No entanto, seria crueldade não ressaltar o trabalho de Rupert Graves como o empregado Alec Sccuder que acena para Maurice como a oportunidade de um final feliz ao mesmo tempo que pode ser sua perdição completa. Com duas horas e vinte minutos de duração, Maurice se tornou um clássico do cinema LGBTQIA+ e, não por acaso, apareceu no Oscar somente na categoria de melhor figurino. James Ivory deve ter ficado surpreso, já que seu filme anterior, Uma Janela Para o Amor/1985 (já em parceria com o produtor Ismail Merchant e a roteirista Ruth Prawer Jhabvala) havia sido lembrado em cinco categorias, incluindo filme e direção. Acho que a Academia não estava preparada para uma produção desse quilate. Maurice era realmente um filme à frente do seu tempo. 

Maurice (Reino Unido/1987) de James Ivory com James Wilby, Hugh Grant, Rupert Graves, Simon Callow, Denholm Elliott, Barry Foster, Phoebe Nicholls, Mark Tandy e Ben Kingsley. ☻☻☻☻

4EVER: Treat Williams

1º de dezembro de 1951 ✰  12 de junho de 2023

Richard Treat Williams nasceu em Connecticut em uma família com ancestrais importantes na política da História dos Estados Unidos. No entanto, o jovem Richard não pensou em entrar para a política, desde a adolescência estava disposto a se tornar ator, chegando a protagonizar ao mesmo tempo um musical, uma comédia e uma obra de Shakespeare nos tempos de escola. Paralelo ao interesse pela atuação, o rapaz se formou como piloto e instrutor para pilotos de aviões e helicópteros. O ator estreou no cinema em 1976 e após alguns papéis pequenos, participou do clássico musical Hair (1979) de Milos Forman, papel que lhe rendeu uma indicação ao Globo de Ouro de ator revelação. Dali em diante recebeu convites para papéis mais importantes, como o clássico Era Uma vez na América (1984) de Sergio Leone. Treat foi indicado ao Globo de Ouro pelos trabalhos em O Príncipe da Cidade (1981) e a versão televisiva de Um Bonde chamado Desejo (1985). Com vários trabalhos em séries (entre elas, Everwood e Chicago Fire) cinema e teatro, o ator também se tornou autor de livros infantis e também dirigiu um filme para a televisão (Texan/1994). Embora fosse membro da Academia votante do Oscar desde 2004, Treat nunca foi indicado ao prêmio. O ator faleceu em decorrência de um acidente de moto. 

CICLO DIVERSIDADESXL: Os Cinco Diabos

Adèle: entendendo o passado. 

O casamento de Joanne (Adèle Exarchopoulos) e Jimmy (Moustapha Mbengue) parece ter vivido dias melhores quando os dois surgem na tela. Talvez aquela paixão dos primeiros anos tenha ficado para trás, ao menos a pequena Vicky (Sally Dramé) traz algum movimento para a casa de seus pais. A menina gosta de acompanhar a mãe nas aulas de natação ou quando Joanne vai treinar nado em um lago das redondezas. Nas horas vagas, Vicky gosta de guardar coisas em potes com líquidos variados, em experiências que são motivadas mais pela curiosidade do que qualquer outra coisa. Quando Julia (Swala Emati), a irmã de Jimmy, anuncia uma visita, o marasmo daquela casa começa a dar origem a conflitos, uma vez que Joanne deixa claro que não gosta da presença da cunhada. O motivo da pendenga das duas faz parte do segredo que move Os Cinco Diabos, longa de estreia de Léa Mysius que brinca com suspense, fantasia e viagens no tempo em torno da história de amor de duas mulheres, que quando jovens começaram a trabalhar juntas num grupo de ginástica olímpica, mas a coisa desandou por conta de uma tragédia no ginásio da cidade. Aquele acontecimento também marcou para sempre Nadine (Daphne Patakia), amiga de Joanne e ex-namorada de Jimmy, que traz mais do que marcas em sua aparência, mas de ressentimentos também. Se por um lado Léa Mysius faz bem em não complicar os elementos fantásticos de seu roteiro, por outro, ela acaba deixando tudo um pouco óbvio para os espectadores mais escolados - que desde a primeira cena de volta ao passado, já começam a entender o que pode ter acontecido no passado de Julia.  O que o filme faz melhor é sobrepor o peso dos estigmas e preconceitos sobre os seus personagens, este aspecto até parecer de forma mais explícita no racismo sofrido por Vicky em sua escola repleta de crianças brancas, mas ganha outros contornos quando Julia está no centro da história. No presente, só a sua presença, já incomoda os demais personagens, existe o peso de um ato impensado do passado, mas também a mistura de olhares receosos de sua loucura, desejo e, porque não, de sua própria cor entre os outros habitantes. Ela é tida como a estranha que tira a vida de todos do eixo, que altera toda a normalidade da cidadezinha e, não por acaso, se confronta sempre com o efeito colateral de sua atitude derradeira em silêncio. Embora a personagem misture sentimentos distintos, ao retornar, ela aparentemente aceita o que pensam sobre ela, numa espécie de expiação por sua culpa. Não por acaso, é possível presenciar a forma luminosa como Joanne contempla uma explicação para tudo o que antes parecia absurdo e sentimentos que parecia tão sem sentido, voltam a dar sinais de vida. Os Cinco Diabos escorrega aqui e ali e por vezes se arrasta na narrativa, mas acerta quando busca caminhos diferentes para a história de amor entre duas mulheres e o efeito do perdão em suas vidas. 

Os Cinco Diabos (Les Cinq Diables / França - 2022) de Léa Mysius com Adèle Exarchopoulos, Swala Emati, Sally Dramé, Moustapha Mbengue, Daphne Patakia e Hugo Dillon. ☻☻☻

CICLO DIVERSIDADESXL: Mais que Amigos

MacFarlane e Eichner: opostos que se atraem. 

De vez em quando o cinemão do Tio Sam tenta emplacar uma comédia romântica com protagonistas homossexuais. Na grande maioria das vezes a coisa desanda porque fica tudo meio sem sal como uma produção comum do gênero. O conservadorismo de Hollywood deve achar que basta colocar duas pessoas do mesmo sexo trocando alguns beijinhos para que sinta-se realmente inclusiva. Ano passado a expectativa de criar uma comédia-romântica gay de sucesso caiu nas costas de Bros, chamado por aqui de Mais que Amigos, a ideia era bastante ambiciosa: cativar não apenas o público LGBTQIA+ mas também o público hétero em busca de novidades. O sucesso infelizmente não veio (custou 22 milhões de dólares e arrecadou apenas 14 milhões ao redor do mundo), mas a aceitação da crítica (com direito à uma preciosa indicação a Melhor Comédia no Critic's Choice Awards) demonstra que a fórmula gerou boa química, especialmente pelo trabalho de Billy Eichner  e Luke MacFarlane. Eichner vive Bob, que enfrenta dificuldades de manter um relacionamento duradouro. O problema é que os encontros por aplicativo não são mais satisfatórios para ele e os encontros com os amigos parecem ressaltar o quanto todos conseguiram se ajeitar na vida, menos ele. A vida profissional até que vai bem com o convite para administrar o Museu de História Queer de Nova York, embora ele não faça a menos ideia de como direcionar as coisas. Como bom intelectual, Bobby tem mania de problematizar tudo, seus pretendentes, os clichês e ele mesmo. É quando tenta relaxar em uma boate gay que ele conhece o fortão Aaron (Luke MacFarlane), obviamente que ele começa a imaginar que Aaron é um cabeça de vento que só pensa em esculpir o corpão no crossfit, mas os dois se tornam cada vez mais próximos e um interesse inevitável começa a surgir entre os dois. Porém, se os opostos realmente se atraem, existe também a necessidade de um compreender melhor a personalidade do outro, já que Bobby adora falar e Aaron é bem mais calado e travado discreto, além disso, Bobby começa a perceber-se mais inseguro do que imaginava. O texto de Eichner e o diretor Nicholas Stoller começa a engrenar aos poucos, mas quando flui é um verdadeiro emaranhado de piadas bem sacadas sobre aplicativos, estereótipos, rótulos, discussões de gênero, tapas, beijos e tudo mais que aparecer pela frente. Stoller é um craque em comédias que se equilibram no fio da navalha, foi assim com Ressaca de Amor (2008) e Vizinhos (2014), aqui não é diferente ao lidar com um tipo de humor que adora rir de si mesmo. Eichner e Macfarlane estão mais do que convincentes como um casal que tenta se acertar tropeçando em suas diferenças e realiza até um final deliciosamente brega com musiquinha e tudo. Em cartaz no TelecinePlay o filme é uma boa comédia que merece ser descoberta em nome de risadas despretensiosas, além disso, serve para divertir quem está cansado de ver casais gays sofrenteo ao comer o pão que a sociedade heteronormativa amassou. 

Mais que Amigos (Bross / EUA -2022) de Nicholas Stoller com Billy Eichner, Luke MacFarlane, Jim Rash, Miss Lawrence, TS Madison, Dot Marie-Jones, Guillermo Diaz e Debra Messing. ☻☻☻☻

Na Tela: Homem-Aranha através do Aranhaverso

  

Mighel e Miles: conflitos pela segurança do multiverso. 

Não há novidade alguma em dizer que Homem-Aranha no Aranhaverso (2019) se tornou um marco na história da animação. Ao romper de vez com o design um tanto padronizado de contornos fofinhos em cenário límpidos de Hollywood, o filme era um verdadeiro jorro de criatividade visual que combinava diversas técnicas de animação em um espetáculo visual que lhe valeu o Oscar de Melhor Animação. Para além disso, foi a primeira vez que as plateias se depararam com o conceito de multiverso na telona e, sendo feita de forma tão eficiente, o resultado foi um sucesso de escala mundial. Vale destacar que introduzir Miles Morales no universo cinematográfico também foi um acerto, além de ter origem negra e latina, o menino causa identificação imediata nas plateias por sua pouca idade e imensa vontade de acertar com as grandes responsabilidades que seus poderes trazem para sua vida. Quem viu a primeira aventura de Miles no cinema, sabe que ele contou com a ajuda de  Homens-Aranhas de outros universos, entre eles Spider Gwen, Spider-Noir e o próprio Peter Parker que andava meio desiludido com o fim do seu casamento. Se antes a aventura mostrava novas características de antigos conhecidos, agora com Através do Aranhaverso, segunda parte de uma trilogia planejada pela SONY, conhecemos um grupo ainda maior de Homens-Aranhas que estão dispostos a consertar alguns efeitos colaterais que atravessar multiversos podem causar. No centro de tudo isso, existe a saudade que Miles sente de Gwen e a dificuldade de relacionamento com o pai, prestes a se tornar Capitão de polícia e que não consegue entender como o seu filho pode ter se tornado alguém tão, digamos, distraído. Sim, Miles tem problemas para conciliar sua vida de adolescente e de protetor da vizinhança e a coisa só complica quando ele descobre que existe um vilão com poderes estranhos na vizinhança: o Mancha. Capaz de atravessar o emaranhado do universo, o Mancha é um dos efeitos colaterais dos acontecimentos do primeiro filme e se torna uma ameaça para todos os universos. Na primeira olhada, parece que uma Sociedade formada por Homens-Aranhas de vários universos liderada por Mighel O'Hara, o herói de 2099, está disposta a impedir o estranho vilão, mas na verdade o objetivo da tal sociedade é muito maior. Miles Morales não faz a mínima ideia do que o espera, mas pelo menos ele se depara com um visual ainda mais elaborado que o de sua aventura anterior (sim, isso é possível!) enquanto precisa provar seu valor de forma definitiva. Aqui existem ainda mais estilos diferentes de animação e compõem um emaranhado ainda mais complexo para a aventura. Spider Gwen também recebe mais destaque por aqui e deve ter ainda mais na nova aventura anunciada para o ano que vem, só fico imaginando o que será feito para superar o visual do que vemos aqui.  Se existe um problema com o filme é que ele avança um pouco mais do que deveria e deixa o seu desfecho em aberto com um gancho para a terceira parte da aventura, algo que pega a plateia de surpresa quando começam a aparecer os créditos finais. 

Homem-Aranha Através do Aranhaverso (Spider-Man across the Spider-verse/ EUA - 2023) de Joaquim Dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson com vozes de Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Oscar Isaac, Issa Rae, Jake Johnson, Karan Soni, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry, Luna Lauren Velez e Mahershala Ali. ☻☻☻☻

NªTV: Barry - Temporada Final

 

Hader: brilhante forma de reformular uma carreira. 

Eu sei que estou atrasado, mas demorei para ver o último episódio de Barry que faz algumas semanas já foi ao ar pela HBO e está disponível no streaming desde então. Desde então ouvi algumas reclamações sobre o salto temporal que a última temporada fez para apresentar o desfecho das desventuras do assassino profissional que passa a ser aluno de uma escola de teatro meio que por acaso. Quem acompanha a série sabe que o salto temporal já era anunciado desde as primeiras temporadas, ainda que a ideia tenha sido deixada de lado nos últimos anos (coloque uma pandemia no meio disso tudo e o esquecimento é mais do que justificável). O fato é que Barry chegou em sua quarta e última temporada como um verdadeiro triunfo de Bill Hader, um ótimo ator que geralmente ficava restrito a pequenos papéis cômicos (provavelmente por seu envolvimento com o Saturday Night Live), mas cuja carreira deve seguir novos rumos daqui para frente (basta lembrar que é dele a melhor atuação em It - Capítulo 2). Desde que Barry estreou, Hader ganhou vários prêmios e seu trabalho na direção de alguns episódios também valem uma menção honrosa pela forma como constrói a tensão entre o cômico e o trágico nas confusões em que seu personagem se envolve. Com a clara intenção de deixar um final redondinho para os personagens, a quarta e última temporada tinha um enorme problema pela frente: a estupenda terceira temporada da série. No último ano foram tantos acontecimentos surpreendentes em torno de Barry ser desmascarado que a última cena deixou suspensa a respiração da plateia. Com um ponto de partida desses, o início da temporada é até previsível, restando aos roteiristas fazerem o que é possível com as peças que estão em torno do protagonista. São em torno de Hank (Anthony Carrigan) que ocorrem os acontecimentos mais marcantes da temporada, dando cores mais tristes ao personagem, enquanto Fuches (Stephen Root) se torna um vilão com sede de sangue. Já Gene Cousineau (Henry Winkler) ainda tenta reerguer sua carreira com os cacos que catou pelo caminho. O salto temporal também serve  para Sarah Goldberg dar nuances diferentes à geralmente antipática Sally Reed, mas, principalmente, produzir um desfecho digno da indústria do entretenimento sedenta por heróis de filmes de ação enquadrados em uma divisão maniqueísta de mocinhos e bandidos. Barry, a série, sempre foi o oposto desta proposta simplista e o que fica após todas as trapalhadas assassinas do protagonista é o registro do total oposto do que ele era. Trata-se de um toque irônico que só ressalta a genialidade de Hader. Ainda que esta temporada derradeira não tenha o impacto da anterior, Barry merece entrar para a história como uma das melhores séries do século XXI. 

Barry - Temporada Final (EUA - 2023) de Bill Hader com Bill Hader, Sarah Goldberg, Henry Winkler, Anthony Carrigan, Stephen Root e Michael Irby. ☻☻☻☻

PL►Y: As Ceifadeiras

 

Brent e Alex: o outro feito espelho. 

Ambientado na África do Sul, o filme nos apresenta Janno (Brent Vermeulen), um adolescente que cresceu na região de Free State, um reduto de minoria étnica branca denominada Afrikaans. A rotina da localidade é essencialmente agrícola e ditada pelo conservadorismo. A masculinidade pautada pela força fica bastante evidente pela presença de Jan (Mornée Visser), o pai de Janno e a religiosidade é representada pela fé de Marie (Jualiana Venter), a mãe,  que percebe a vida como um conjunto de provas que irão lhe reservar um lugar no paraíso. A rotina da família, que é ainda composta por meninas pequenas, se divide entre o trabalho nas plantações, orações e igreja. A situação muda quando Marie e Jan acolhem Pieter (Alek van Dyk) que estava em situação de vulnerabilidade social acentuada. Ele não conheceu os pais, se tornou usuário de drogas e sofria situações inimagináveis quando vivia nas ruas. Existe um alto contraste entre os dois jovens rapazes da casa. Janno é bastante sensível, dotado de responsabilidades e uma certa melancolia. Pieter é rebelde, arredio e com uma certa dificuldade em aceitar regras. No entanto, Marie percebe no filho um cúmplice na transformação que a vida do novo membro da família pode ter e lhe pede ajuda sempre que possível. Conforme os dois meninos se aproximam, um percebe no outro traços que revelam que eles possuem mais coisas em comum do que imaginam. As Ceifadeiras marca a estreia do sul-africano Etienne Kallos na direção de longa-metragens e ganhou destaque no Festival de Cannes na mostra Un Certain Regard que o colocou na lista de concorrentes à Camera D'Or destinada aos cineastas estreantes. Desenvolvido de forma lenta e contemplativa, o filme sugere aqui e ali a forma como os dois adolescentes lidam com a sua história pessoal e a sexualidade. Este último aspecto gerou polêmica no lançamento do filme. Se a sexualidade de Janno se torna sufocada pela religiosidade de sua comunidade, a de Pieter revela-se de forma muito mais agressiva, por vezes pelo viés de situações em que é jovem demais para perceber o quanto é explorado. Existe aqui um peso da fé muito grande sobre os personagens, não apenas sobre os dois meninos, mas sobre os pais, o que só amplia a força de algumas verdades quando reveladas. É um longa que se desenvolve aos poucos, com bela fotografia e bom trabalho de seus atores, sobretudo de Brent Vermeulen em um personagem bastante introspectivo e que o jovem ator encontra a exata medida de suas emoções. Curiosamente, no terceiro ato uma sensação de fraternidade emerge da narrativa e torna o filme ainda mais doloroso.

As Ceifadeiras (Die Stropers/África do Sul - França - Grécia - Polônia / 2018) de Etienne Kallos com Brent Vermeulen, Alek van Dyk, Juliana Venter, Mornée Visser, Erica Wessels e Danny Keogh. ☻☻☻☻

.Doc: Colectiv

 

Camelia Roiu: marcas de uma tragédia. 

Em 2015 houve um incêndio em uma casa de shows na Romenia, a Colectiv. Uma banda fazia seu show de despedida para uma casa lotada e efeitos de pirotecnia mal sucedidos provocaram o fogo que se alastrou rapidamente. Alguns fãs que registravam o show com o celular gravaram aquele momento assustador. O pânico. Os gritos. A fuga desordenada de pessoas (um desses registros aparece em Colectiv) filme romeno que concorreu ao Oscar de melhor documentário e melhor filme em língua estrangeira no Oscar de 2020. No incêndio faleceram 27 pessoas e 180 sofreram ferimentos e queimaduras. Estes últimos foram encaminhados para um hospital cuja especialidade era cuidar de vítimas de queimaduras. Parecia tudo resolvido. No entanto, passadas algumas semanas, dezenas de pacientes faleceram de infecção hospitalar, entre elas, pessoas que não foram sinalizadas com queimaduras graves. As coletivas de imprensa das autoridades não fazia muito mais do que se desculparem com as famílias pelas perdas e ressaltarem medidas que seriam tomadas. Não satisfeitos um grupo de jornalistas queriam entender o que aconteceu no hospital e ao se depararem com o argumento de que havia uma superbactéria existente na Europa, os jornalistas se depararam com uma outra realidade. Uma muito mais cruel e inacreditável, uma vez que ela poderia ter sido evitada. O filme de Alexander Nanau se desenvolve em ritmo investigativo invejável e apura as situações que se seguiram a partir da matéria publicada pelo jornal. Das justificativas frágeis das autoridades, passando por descobertas revoltantes sobre envolvimento entre empresas e profissionais que se preocupavam mais em ter vantagens do que realizar seu trabalho. No meio de tanta confusão aparece um novo ministro da saúde que passa a ser acompanhado pela produção e se as suas boas intenções parecem legítimas, ele se depara com um sistema  que não está disposto a mudar. É então que o jogo político se revela e demonstra como é fácil ser seduzido por retóricas que dizem o oposto do que aparentam. Em cartaz na HBOMax, Colectiv é um documentário fascinante por conseguir captar algo que pode acontecer em qualquer lugar, mas se torna ainda melhor pelo tom impresso por Nanau que o transforma em um filme tão complexo que parece ser uma dramatização de um fato real, dada a forma como os fatos se desencadeiam e trazem novas nuances para a narrativa dos acontecimentos. É um daqueles casos em que a realidade é tão complexa que supera a ficção. Entre jornalistas, políticos, vítimas e médicos, Colectiv cria um painel surpreendente e caminha para um desfecho em que o final feliz parece cada vez mais distante. Infelizmente o Oscar não veio, mas o filme merece atenção não apenas pela situação que resgata, mas pela forma como é construído.

Colectiv (Romênia - Luxemburgo - Alemanha / 2019) de Alexander Nanau com Razvan Lutac, Mirela Neag, Camelia Roiu, Florin Secureanu, Catalin Tolontan e Vlad Voiculescu. ☻☻☻☻

PL►Y: Sinônimos

 

Quentin e Mercier: imigração e crise de identidade. 

Yoav (Tom Mercier) é um jovem israelense que foge para Paris para alcançar uma vida melhor distante de sua nacionalidade. Em sua primeira noite por lá, ele resolve tomar banho no apartamento vazio em um prédio bem localizado na capital francesa, mas acaba tendo suas roupas roubadas. Sem saber o que fazer, ele tenta pedir ajuda e acaba encontrado pelo casal formado pelo escritor Emile (Quentin Domaire) e Caroline (Louise Chevillotte). Os dois levam o rapaz nu quase congelado para o apartamento de ambos e tentam ajudá-lo. Desde o início Yoav conta várias de suas histórias sobre sua relação com a família, o exército e seu país em narrativas envolventes mas que não tardam a revelar elementos um tanto fantasiosos. Se Yoav está seduzido pela chance de ter ajuda para ficar na França, por sua vez, Emile está visivelmente fascinado pelo rapaz e o presenteia com várias roupas que não usa. São camisas, calças, sobretudos e sapatos que conferem ao rapaz uma embalagem capaz de não parecer um imigrante naquele país. Ao que tudo indica, o jovem israelense não quer ser visto como um imigrante, ele pretende se tornar um jovem francês e para isso, tenta decorar durante todo o filme as palavras que estão em um dicionário franco-afegão que o acompanha a todo lugar, embora, Caroline perceba que nem sempre ele utilize e pronuncie as palavras de forma adequada. Atento aos problemas enfrentados por um imigrante  na França, o rapaz viverá momentos dramáticos e cômicos, muitas vezes ao mesmo tempo. Ganhador do Urso de Ouro de melhor filme no Festival de Berlim, Sinônimos de Nadav Lapid é atraente principalmente pelo frescor impresso a um tema que costuma ser tratado de forma um tanto repetitiva no cinema. A trajetória de Yoav segue de forma imprevisível, às vezes apelando para toques um tanto surreais (como seu encontro com militantes, a cena da embaixada ou as aulas para ser um autêntico francês), realistas (quando encontra um trabalho como modelo que apenas deseja explorar o fetiche que um jovem imigrante pode despertar) e catárticos (quando sua vontade de ser francês sai dos eixos), sorte que Tom Mercier merece todos os elogios por seu trabalho no filme, a desenvoltura como se expõe diante da câmera é invejável, conseguindo alcançar notas tragicômicas surpreendentes nos conflitos do personagem. Sua performance magnética torna fácil compreender a tensão sexual que se estabelece desde o início com Emile e Caroline, além da forma como as intenções do personagem desmontam rumo ao desfecho. Lapid compõe esta jornada entre cenas frenéticas e outras que exalam melancolia, emoldurado por uma fotografia que privilegia o amarelo e uma certa ironia em torno do fascínio que ter um "imigrante de estimação" possa provocar em seus anfitriões. Algo me diz que o israelense Nadav Lapid, nascido em Tel Aviv sabia exatamente o que Yoav sentia enquanto escrevia cada detalhe do roteiro. 

Sinônimos (Synonymes / França - Israel - Alemanha / 2019) de Nadav Lapid com Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillotte, Uria Hayik, Olivier Loustau, Yehuda Almagor e Gal Amitai. ☻☻☻☻