HIGH FI✌E: Agosto / Setembro

 Cinco filmes assistidos nos dois meses que merecem destaque:

"Despedida em Las Vegas" de Mike Figgis

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"O Esquadrão Suicida" de James Gunn

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"O Quinto Set" de Quentin Reynaud

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"Pig" de Michael Sarnoski

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"Um Ninho para Dois" de Theodore Melfi

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PL►Y: O Quinto Set

 

Lutz: tensão no set e fora dele. 

Minha relação com o tênis é um tanto engraçada. Não costumo acompanhar jogos ou campeonatos, mas costumo ficar interessado em filmes que retratam protagonistas ligados ao esporte. A minha mais recente descoberta foi este O Quinto Set, filme francês em cartaz na Netflix e que conta sua história com tanta perspicácia que eu até pensei que se tratava de uma história real. Aqui o protagonista é Thomas Edison (Alex Lutz), que desde a infância foi um atleta promissor, mas aos poucos as dificuldades conduziram as expectativas para baixo - e as três cirurgias no joelho não ajudaram a concretizar todos os planos que tinha em mente. Depois de mais de dezesseis anos afastado das competições, Thomas está casado com uma ex-tenista (Ana Girardot), tem um filho pequeno e ensina crianças e adolescentes a praticar o esporte. Aos 37 anos, Thomas resolve voltar para as quadras. No entanto, quando está diante do público, o que está em jogo é mais do que a técnica e as estratégias, mas vários pontos da sua trajetória. A começar pela mãe (e patroa) dona do clube em que treina seus alunos, ela sempre teve relação direta com o interesse do rapaz pelo esporte (e vivida com a fleuma costumeira de Kristin Scott Thomas) e um tanto de influência sobre o peso que começou a ter sobre os seus joelhos ombros e, não menos importante, é o efeito deste retorno sobre seu casamento, uma vez que Eve também tem seus planos e sabe o preço que a dedicação aos esportes cobra dos envolvidos. Este é  segundo filme do diretor Quentin Reynaud, e ele demonstra saber que é fundamental criar uma abordagem dinâmica das partidas que aparecem no filme e, principalmente, que os conflitos psicológicos do protagonista são capazes de dar um tempero especial quando a contagem dos sets começa. Não por acaso, conforme Thomas avança na competição, a sua relevância dá sinais de retorno enquanto a mídia faz questão de esfregar o passado em sua cara (enquanto a família prefere ressaltar a situação do presente mesmo). Reynaud faz um filme que consegue chegar no osso do seu personagem principal, especialmente pelo excelente trabalho de Alex Lutz (que já passou dos quarenta e está longe de ser um ator dos mais celebrados na França), que firma-se como um dos sujeitos mais interessantes da cinematografia francesa (ele me chamou atenção em Guy/2018, que lhe rendeu o César de Melhor ator e que vale a pena ser garimpado por aí). Com seu rosto envelhecido, postura rebelde e os olhos sempre transbordando a cobiça mesclada ao medo da derrota, seu atleta se torna bastante envolvente nas batalhas que tem pela frente. Suas parceiras de cena também estão muito bem em papéis que nas mãos de outras atrizes renderiam bem menos do que elas conseguem fazer por aqui. Embalado com uma trilha sonora tensa (muitas vezes constituída de ruídos) e uma fotografia banhada de luz, O Quinto Set é um ótimo filme, seja para quem curte o esporte ou para quem se interessa por filmes que sabem trabalhar o drama como se fosse um verdadeiro suspense psicológico.

O Quinto Set (Cinquième Set / França - 2020) de Quentin Reynaud com Alex Lutz, Ana Girardot, Kristin Scott Thomas, Jürgen Briand, Damien Gouy e Quentin Reynaud. ☻☻☻☻ 

PL►Y: Voyagers

 

Lilly e Tye: missão espacial em risco. 

Afetado ainda pela pandemia, Voyagers chegou aos cinemas numa época de bilheterias minguadas, mas bem que merecia um pouco mais de atenção. Não que o novo longa de Neil Burger esteja destinado a se tornar um clássico, mas pelo menos o filme toca em alguns temas bastante atuais com verniz de ficção-científica. O longa gira em torno de um grupo de jovens que está destinado a viajar pelo espaço para colonizar um novo planeta. Concebidos e educados para serem astronautas desde pequenos, eles estão cientes de sua missão ao crescerem em uma nave espacial junto ao mentor designado para a missão, o atencioso Richard (Collin Farrell). No entanto, a chegada da adolescência e seus hormônios são sempre capazes de gerar problemas... a começar quando dois amigos tripulantes Christopher (Tye Sheridan) e Zac (Fionn Whitehead) começam a desconfiar de uma substância identificada em seus organismos, a qual, logo descobrem que é utilizada para, digamos, inibir alguns traços de personalidade que possam ser prejudiciais para a missão que possuem. Assim, Chris e Zac param de ingerir a substância em começam a mudar o comportamento. A primeira mudança se relaciona com o interesse sexual pelas garotas a bordo. Se antes os sexos conviviam com a maior naturalidade, agora, a libido começa a aflorar e, com poucos adultos por perto, você pode imaginar o que acontece - ou pelo menos imagina, já que o filme é bastante pudico neste aspecto (ainda que no Brasil tenha recebido o acréscimo de Instinto e Desejo no título e um pôster sugestivo com Tye e Lilly-Rose Depp, a filha de Johnny Depp com Vanessa Paradis). Zac se torna cada vez mais agressivo e se em determinado momento o bom moço Christopher é eleito líder do grupo, seu colega de viagem sabe exatamente o que fazer para mexer com o imaginário dos demais e instalar um processo de paranoia perante uma "ameaça alienígena" que diz estar a bordo. Esta ameaça alienígena logo se torna motivação para segregação, exclusão e até execuções. O que era para ser uma missão espacial se torna uma alegoria sobre a humanidade e a dificuldade que possui de perceber quando perde as estribeiras. Voyagers tem uma bela ideia nas mãos para o cenário político-social atual, mas poderia ser um tantinho mais provocador nas questões que aborda. Sobretudo no desfecho simplista (que provocou um riso nervoso pela solução dos problemas ser exatamente o que deu errado anteriormente), mas para o roteirista Neil Burger fazer outra tentativa pode funcionar perante os personagens voláteis que tem nas mãos. No fundo ele é mais do que um otimista (é um iludido mesmo). Ainda que não explore plenamente suas possibilidades enquanto ficção-científica e alegoria política, Voyagers toca em questões interessantes - mesmo que não saiba muito bem como lidar com elas. 

 

Voyagers - Instinto e Desejo (Voyagers - EUA/2020) de Neil Burger com Tye Sheridan, Fionn Whitehead, Lilly-Rose Depp, Colin Farrell, Chanté Adams, Madison Hu, Archie Ranaux, Wern Lee e April Grace. ☻☻☻

NªTV: Missa da Meia-Noite

 

Hamish (ao centro): manipulando a verdade. 

Todo ano, um padre já idoso e calejado viaja para Jerusalém graças à contribuição de seus fieis. É verdade que ele não anda muito bem de saúde, mas de forma geral, a sua comunidade também já viveu momentos melhores, afinal, a paróquia fica na Ilha Crocket, uma ilha isolada a cinquenta quilômetros de qualquer lugar que possui pouco mais de cem habitantes. Com boa parte da economia local sendo ao redor da pesca, a cidade ainda não se recuperou de um vazamento de óleo e as complicações posteriores que transforma, aos poucos, a ilha em uma cidade fantasma. Parece que todo mundo que tem a chance de sair de lá, o faz assim que possível. O resultado são pessoas que sentem saudades de quem partiu ou dos bons tempos daquela comunidade. Se a ilha tem sua cota de tragédias, os jovens de lá tentam dar um jeito de se divertir, na maioria das vezes, escondidos dos pais - geralmente indo para outra parte da ilha habitada por dezenas de gatos (que serão fundamentais para o início das situações estranhas no local). Nada demais acontece na Ilha Crocket, pelo menos até a chegada de um jovem padre substituto que ficará por lá até que o veterano se recupere de uma enfermidade contraída na viagem. O jovem Padre Paul (Hamish Linklater) provocará uma verdadeira revolução no local, que acaba de receber de volta um dos seus filhos pródigos, Riley Flynn (Zach Gilford), que depois de passar um tempo preso por conta de um grave acidente, ele retorna para viver com os pais (e fique atento aos pôsteres de filmes presentes no quarto dele). No primeiro episódio conhecemos melhor os personagens, vemos a ameaça de uma tempestade e um visitante misterioso... a partir daí, coisas muito estranhas começam a acontecer, mas são incorporadas a uma interpretação religiosa equivocada pela maioria dos personagens - especialmente por Bev Keane (Samantha Sloan), mulher que tem uma leitura muito particular sobre os textos religiosos. Seria bastante empobrecedor imaginar que Missa da Meia-Noite é sobre religião, na verdade o testo lida com algo bem mais complexo, que é a interpretação do que se vê, afinal, em vários momentos o real cede espaço para interpretações subjetivas sobre o que está acontecendo, muitas vezes, com base em distorções para que determinados objetivos sejam alcançados. Assim, o comportamento de manada, o desprezo a tudo que é dissonante e a histeria coletiva, aos poucos ganha espaço e o que se vê é o apocalipse (nome do último episódio da série). Criado e dirigido por Mike Flanagan, arrisco dizer que esta é sua obra mais complexa e uma espécie de redenção para o diretor que depois do sucesso absoluto de A Maldição da Residência Hill (2018), não obteve o mesmo sucesso com o filme horroroso Doutor Sono (2019) e a série A Maldição da Mansão Bly (2020). Missa da Meia-Noite consegue fazer do terror um artifício dramático poderoso, valorizado ainda mais por um elenco que sabe exatamente o que fazer. O tom é melancólico e pessimista, mas deixa uma pequena dose de esperança no episódio final. E pode aguardar indicações a prêmios para Samantha Sloan, que compõe uma beata insuportável e, especialmente, Hamish Linklater que cria um personagem bem distante dos personagens simpáticos que interpretou até aqui (quem lembra do irmão de As Aventuras de Christine irá se surpreender) e que torna os sentimentos da plateia em torno dele bastante ambíguos. Criada enquanto minissérie, arrisco dizer que este grande acerto da Netflix aparecerá em várias listas de melhores produções do ano. 

Missa da Meia-Noite (Midnight Mass / EUA -2021) de Mike Flanagan com Hamish Linklater, Zach Gilford, Kate Siegel, Kristin Lehman, Samantha Sloan, Rahul Kohli, Anabeth Gish, Henry Thomas, Alex Essoe, Michael Trucco e Annarah Cymone. ☻☻☻☻☻

PL►Y: Um Ninho para Dois

 

Chris e Melissa: ninho a ser reconstruído. 

Quando Um Ninho Para Dois começa vemos o casal  Lilly (Melissa McCarthy) e Jack (Chris O'Dowd) pintando a parede do quarto da pequena filha de ambos,  Katie, que os observa enquanto os dois conversam sobre o que ela será quando crescer. Confesso que pensei que era um filme sobre um casal que tentava engravidar em que o filme começava pelo final, mas nos minutos seguintes eu descobri que era o oposto. Logo depois desta cena nós percebemos que algo mudou na vida do casal que está melancólico em lugares separados, tentando conversar e superar a morte da menina. Se Lilly ainda tenta trabalhar no supermercado e cuidar da casa, para Jack restou internar-se num centro de tratamento psiquiátrico depois que tomou atitudes drásticas após a perda. Ah, claro, conforme uma das tomadas iniciais deixa claro, a narrativa sobre a vida do casal se mistura a de um estorninho, um passarinho bastante territorialista que resolveu fazer ninho no quintal de Lilly - e não hesita em atacá-la sempre que ela aparece no quintal. Parece uma mistura estranha, mas poucos diretores conseguiriam orquestra-la de forma convincente como Theodore Melfi, diretor do premiado Estrelas Além do Tempo (2016) e que antes  trabalhou com Melissa em Um Santo Vizinho (2014). Melfi está em seu quarto longa-metragem e consegue equilibrar, com rara maestria drama e comédia numa mesma produção. Pois é, embora o filme seja sobre algo tão doloroso quanto o luto, o diretor consegue envernizar sua narrativa com doses de humor que evitam que o filme se torne um mar de lágrimas. Colabora muito para que a trama funcione, a presença de Melissa, que é conhecida por suas comédias escrachadas, mas que demonstra ser uma atriz de respeito quando se entrega a papéis mais dramáticos. Aqui ela dá conta  de uma personagem que não consegue seguir em frente depois da tragédia pessoal que vivenciou ao lado do esposo, mas é seu parceiro de cena, Chris O'Dowd que apresenta o trabalho mais comovente como o pai deprimido oscilando entre a tristeza, a raiva na desorientação mais humana do filme. Para juntar os cacos do relacionamento fragilizado, os dois contarão com a ajuda inusitada de um veterinário e ex-psicanalista (Kevin Kline) que irá tentar mostrar para ambos que não temos controle sobre tudo que acontece na vida e que, na maioria das vezes, as explicações para o acontecimentos são inexistentes. No meio de tudo isso, temos um passarinho enfezado que faz Lilly ponderar sobre raiva e fragilidade da vida. É um filme bastante simpático e eficiente que lida com uma temática bastante complicada e consegue construir uma narrativa agradável de assistir, mesmo que tenha alguns momentos sombrios pelo caminho. 

Um Ninho para Dois (The Starling / EUA-2021) de Theodore Melfi com Melissa McCarthy, Chris O'Dowd, Kevin Kline, Timothy Olyphant, Skylar Gisondo, Rosalind Chao e Laura Harrier. ☻☻☻☻

#FDS Nicolas Cage: Pig

Cage e sua amiga: na mira do Oscar?

Um homem (Nicolas Cage) vive isolado no meio da floresta com sua porquinha de estimação e parece estar bastante a vontade com isso. Mais do que um bicho de estimação, a suína está relacionada diretamente com sua fonte de sustento, já que os dois saem para catar trufas, aquela fungo que na verdade é uma iguaria rara (e caríssima). Aquele homem solitário vende sua colheita de trudas para um rapaz (Alex Wolff) que lida com o fornecimento deste produto raro para restaurantes refinados. A relação entre os dois personagens fica por isso mesmo, já que o misterioso caçador de trufas não gosta de conversar e sabemos muito pouco sobre ele até que sua preciosa companheira seja sequestrada de forma violenta e sem maiores explicações. Começa assim a busca pelo bicho em meio a fornecedores e compradores de trufas. É preciso dizer que a trufa é um verdadeiro tesouro culinário, de forma que existe um custo altíssimo até que ela esteja pronta para ser consumida (especialmente na contratação de pessoas neste processo) e, o fato da porquinha ser tão eficiente na sua tarefa, torna-se a explicação para que ela tenha sido levada. No entanto, na busca por ela, descobrimos a história deste homem que há anos preferiu ficar isolado no meio do mato, oferecendo a Nicolas Cage a chance de desenvolver seu melhor personagem em muito tempo (ao ponto de começarem a especularem suas chances no Oscar do ano que vem). Pode parecer exagero, mas muitos críticos apontam este como sendo o melhor trabalho do ator, que faz tempo não tinha a oportunidade de desenvolver tantas camadas em um personagem. Acho que não vale dizer maiores detalhes da trama, mas é bastante curioso como o diretor Michael Sarnoski nos apresenta um mundo (incluindo seu submundo) bastante particular em que o protagonista transita com desenvoltura graças à interpretação de Cage. Embora o roteiro tenha diálogos incisivos, são nos silêncios e expressões bastante intimistas que o ator apresenta uma interpretação impressionante, com momentos de força, vulnerabilidade e desespero. Confesso que chorei em alguns momentos na busca do personagem por sua colega de trabalho, especialmente pelo laço de amizade entre os dois que se torna bastante palpável para o espectador. Acho que aqui temos o exemplo de um papel que somente Nicolas Cage poderia interpretar e dar credibilidade após sua experiência em viver personagens estranhos em todo tipo de produção. O trabalho pode até não lhe render indicações a prêmios, mas lembra ao público e produtores o grande ator que ele ainda é. Aos 57 anos, com um Oscar na estante (por Despedida em Las Vegas/1995 que abriu este #FDS) e longe de grandes produções há algum tempo, Nicolas pode usar a credibilidade que ainda lhe resta para alavancar carreiras de cineastas promissores como Michael Sarnoski (que também assina o roteiro ao lado de Vanessa Block), estreante em longa-metragem, que criou um filme aparentemente simples, mas que não teme em criar uma narrativa lenta, mas cheia de surpresas para o espectador. 

Pig (EUA-2021) de Michael Sarnoski com Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, Julia Bray e Cassandra Violet. ☻☻☻☻

#FDS Nicolas Cage: A Sacada

Nicolas e Elijah: assalto às avessas.

Diante da enxurrada de filmes que Nicolas Cage lança todos os anos, fica até difícil acompanhar tudo o que ele anda fazendo. É verdade que a maioria não vale grande coisa, mas de vez em quando ele tem a sorte de um roteiro bacana e um diretor desconhecido esforçado cruzarem seu caminho. Quando esta mistura acontece, o que temos é um filme como A Sacada dos irmãos Alex e Benjamin Brewer - este assinando o roteiro ao lado de Adam Hirsh, sim, eu sei... você nunca ouviu falar de nenhum dos três. Embora o filme não tenha cara de sucesso de bilheteria ou de ganhador de prêmios internacionais, o longa traz novidades para o já manjado filme de assalto. Traindo as convenções e virando do avesso alguns elementos deste tipo de filme, pode se dizer que ele consegue surpreender e, o mais importante, consegue imprimir tensão genuína durante toda a narrativa (afinal você não faz a miníma ideia do que pode acontecer com os personagens principais). A diferença perante outros filmes do gênero aparece logo no início, quando percebemos que os protagonistas são dois policiais, Stone (Nicolas Cage) e Waters (Elijah Wood), de gerações e tipos de vida completamente diferentes que por acaso trabalham juntos no Departamento de Polícia de Los Angeles. Os dois acabam se deparando com um caso de tráfico de drogas que movimenta muito dinheiro na cidade. No entanto, pelo rumo das investigações, os dois resolvem não fazer o trabalho que lhes é devido, mas encontrar onde o dinheiro está escondido e ficar com ele. Não espere aqui uma história explicadinha e um plano mirabolante que funciona, A Sacada vai pelo caminho oposto do que você imagina. A começar pelos imprevistos que encontram no caminho (incluindo a personagem sem nome vivida pela cantora Sky Ferreira) e uma sucessão de acontecimentos que se complicam cada vez mais um plano aparentemente simples. A imprevisibilidade cria uma eficiente atmosfera de mistério que permanece até depois da cena final. Os Irmãos Brewer demonstram qualidades na construção das cenas, com belos movimentos de câmera, uso de luzes diferentes na ambientação claustrofóbica da história e tiveram a sorte de contar com uma química inesperada entre Nicolas e Elijah, principalmente quando precisam confrontar o olhar insano de um com os grandes olhos inocentes do outro. No fim das contas o filme é  sobre confiança e as consequências de quando ela é quebrada. Quando o filme termina, eu fiquei imaginando um final alternativo se o desfecho do policial Stone fosse diferente, seria mais convencional, mas com certeza o impacto seria bem menor sob a plateia que costuma ficar perplexa pela forma com que os Brewer (que possuem mais experiência dirigindo clipes com Justin Bieber) conduzem sua história jogando fora as convenções do gênero. Por incrível que pareça, A Sacada é um filme corajoso. 

A Sacada (The Trust / EUA- 2014) de Alex e Benjamin Brewer com Nicolas Cage, Elijah Wood, Sky Ferreira, Eric Heister, Steven Williams, Alexandria Lee e Jerry Lewis.☻☻☻ 

#FDS Nicolas Cage: Despedida em Las Vegas

Shue e Cage: triste história de amor. 

Em entrevista recente o ator Nicolas Cage declarou que não pretende parar de fazer filmes, pelo contrário, pretende atuar até o fim da vida. Como nos últimos anos o ator tem aceitado todos os convites que chegam à sua mesa, o que lhe garante uma média de seis filmes por ano - e a grande maioria deles é de qualidade bastante questionável - a declaração de Cage virou motivo de chacota para muita gente (que considerou a afirmação uma espécie de ameaça). Existe de fato um motivo para Cage fazer todo tipo de filme, afinal, ele contraiu uma dívida enorme por não saber administrar sua fortuna e tudo se agravou com problemas fiscais... enfim, o melhor de tudo é que Cage leva a situação na brincadeira e chama atenção para produções que sem a presença dele passariam em branco. Nesse fim de semana resolvi lembrar ao público que Cage ainda é talentoso e possui alguns filmes que merecem ser lembrados, começando por Despedida em Las Vegas, produção que lhe rendeu vários prêmios, incluindo o Oscar de Melhor Ator. Dirigido por Mike Figgis o filme conta a história de Ben Sanderson (Cage), roteirista de Hollywood que perdeu seu emprego, carreira e todo o resto devido a problemas com o álcool. O divórcio e as circunstâncias que o fizeram perder a guarda do filho também se tornaram motivos para que se entregasse cada vez mais à bebida. Sem ver muita motivação para continuar a viver, ele vai para Las Vegas com a intenção de beber até a morte. Diante do inferno astral que atravessa, a tarefa suicida parece ser fácil de ser executada, até que ele conhece Sera (Elizabeth Shue, linda, talentosa e merecidamente indicada ao Oscar de Melhor Atriz pelo papel), uma prostituta de luxo que também tem suas cota de dramas pessoais, mas que passa a fazer companhia para Sam. Trata-se de uma das histórias de amor mais bonitas e tristes que o cinema já ousou contar, até mesmo porque joga com a percepção da plateia de que o amor é capaz de transformar aquelas vidas e salva-las da ruína, esmo que o diretor Mike Figgis faça questão de deixar claro que esta não é uma história de amor comum e, portanto, o final feliz pode nunca se concretizar. Decorado com momentos idílicos e outros bastante sombrios sobre a rotina do casal, conta muito a favor o tom melancólico embalando a química perfeita de Nicolas e Elizabeth que estão perfeitos em cena, num encaixe verdadeiramente perfeito entre seus personagens - e resta a plateia torcer para redenção de ambos e se emocionar durante a sessão. Para fazer o filme do jeitinho que imaginou, Figgis fugiu dos grandes estúdios (foi parara na United Artists de Robert Altman) e teve a sorte de Nicolas Cage acertar o papel principal, o que rendeu grande projeção ao longa. O resultado foram 32 prêmios e quatro indicações ao Oscar: diretor, roteiro, atriz e ator (único convertido em estatueta). O tempo revelou o filme como a obra-prima de Mike Figgis e somente em 2003, a Academia lembrou novamente de Nicolas Cage por sua atuação, no excelente Adaptação de Spike Jonze. Vale conferir os dois filmes, especialmente se você já esqueceu como Nicolas Cage é realmente um bom ator. 

Despedida em Las Vegas (Leaving Las Vegas / EUA - 1995) de Mike Figgis com Nicolas Cage, Elizabeth Shue, Julian Sands, Steven Weber e Richard Lewis. ☻☻☻☻

PL►Y: Cinderela

Camila e Nicholas: Cinderela empoderada. 

Relutei um pouco para escrever sobre a nova versão de Cinderela que entrou em cartaz no Prime Video, não tanto pelo filme, mas por ter lido muito do que eu gostaria de dizer em diversas críticas que saíram por aí. No entanto, vou tentar fazer algo diferente. Vou começar pela pergunta que me veio à cabeça sobre a necessidade de criar mais uma versão da história da menina órfã maltratada pela madrasta que se casa com um príncipe encantado e vive feliz para sempre. Acho que não precisa dizer que a animação Cinderela (1950) da Disney é o grande clássico cinematográfico baseado na obra dos Irmãos Grimm e que em 2015 recebeu até uma versão live action fiel ao clássico do estúdio. Por outro lado a insistência de vez por outra alguém investir em uma releitura mexe com meu imaginário... talvez o fantasma de outro clássico, o Complexo de Cinderela de Colette Dowling (lançado há exatos quarenta anos) também esteja no inconsciente de quem deseja transformar a história mais palatável para o discurso de empoderamento feminino do século XXI. Andy Tennant já tentava fazer isso com ajuda de Drew Barrymore em Para Sempre Cinderela (1998), mas lembro que muita gente não entendeu a postura destemida da mocinha e o fato do príncipe encantado não ser propriamente bonito (e nem vou mencionar o que a Carla Perez fez em Cinderela Baiana no mesmo ano). Agora é a vez da diretora Kay Cannon dar sua modernizada na história com o apelo de ter a cantora Camila Cabello à frente do elenco. Aqui, Cinderela, ou melhor, Ella sonha em ser reconhecida pelos seus dotes de estilista e costureira, mas é ridicularizada sempre que menciona que gostaria de ter seu próprio negócio - afinal, naquele tempo somente aos homens era permitido abrir um comércio. A ideia é execrada pela madrasta (Idina Menzel) e  a vizinhança. Este é apenas um dos detalhes que fazem com que Cinderela lance um olhar diferente sobre a conhecida história. Aqui o príncipe Robert (Nicholas Galitzine) não leva muito a sério herdar o  trono o pai (Pierce Brosnan) e a Rainha (Minnie  Driver) é capaz de declarar sua insatisfação com a postura do marido, especialmente quando ignora totalmente as ideias da princesa Gwen (Tallulah Greive) para melhorias no reino. Por todo o filme existe um comentário aqui e ali que não dá a mínima para o contexto histórico da história, mas que preenche com graça o roteiro da ideia que a produção tem em mente. O problema  é que nenhum destes comentários soa muito original, marcando a reprodução de um discurso que se tornou cada vez mais comum para um longa trivial que deseja ser politizado e inovador. Levando em conta que nem todo o filme empoderado pode ser Thelma & Louise (1991) ou Bela Vingança (2020), o filme até cumpre seus objetivos voltados para o público infanto-juvenil. Neste ponto, Camila Cabello (que eu conhecia somente pela parceria com Shawn Mendes no hit Señorita) cumpre seu papel sem problemas, afinal, chama a atenção do púbico alvo para a produção e tem presença bastante carismática como a mocinha que vai ao baile com um sapatinho de cristal nada confortável (presente do fado madrinho descolado vivido por Billy Porter - cujo único defeito é aparecer pouco). Ironicamente o maior problema da mocinha são os momentos de cantoria. O filme mistura canções inéditas e outras manjadas, mas padece da terrível mania de abusar do autotune (que deixa todo mundo cantando igual com voz de robô com medo de desafinar) que somada à pouca inspiração nos números musicais criam um problema para a produção ao lado do final previsível. Enfim, serve para passar o tempo. Particularmente achei esta estreia de Camila Cabello no cinema bastante promissora e prevejo sua presença em novos filmes em breve.

Cinderela (EUA - 2021) de Kay Cannon com Camila Cabello, Nicholas Galitzine, Pierce Brosnan, Indina Menzel, Minnie Driver e Billy Porter. ☻☻☻

PL►Y: Meu Ano em NovaYork

 

Sigourney (ao centro): roubando a cena. 

Houve grande estranhamento quando My Salinger Year foi escolhido como filme de abertura do Festival de Berlim do ano passado (quando a pandemia ainda era apenas uma ameaça). Após ver o filme, boa parte dos presentes se perguntaram o motivo de uma produção tão simples ocupar um lugar de tanto prestígio em um dos festivais mais importantes do mundo. Existem algumas características que podem explicar perfeitamente todo este destaque. A primeira é que o filme tem a sempre bem-vinda Sigourney Weaver em papel de destaque, a segunda é que a direção fica por conta do canadense Phillippe Falardeau (responsável pelo ótimo O Que Traz Boas Novas/2011 filme indicado ao Oscar de filme estrangeiro em 2012 e que entrou na minha lista de filmes favoritos de 2013 ao ser lançado no Brasil), a terceira é que o filme envolve (ainda que só para dar um charme) o nome do recluso escritor J.D. Sallinger e a quarta é que o filme é agradável de assistir. A Netflix ficou atenta a estes detalhes e incorporou o filme ao seu catálogo que sempre carece de bons filmes em cartaz. Batizado por aqui com o título genérico de Meu Ano em Nova York, a história gira em torno de Joanna (Margaret Qualley), aspirante à escritora que consegue emprego em um escritório de agentes literários. O escritório é administrado pela experiente Margaret (Sigourney Weaver) que atribui à moça a tarefa de destruir as cartas de fãs endereçadas a um dos clientes mais célebres da agência: Jerome David Salinger - o famoso JD Salinger, autor do cultuado O Apanhador no Campo de Centeio (lançado originalmente em 1951).  Salinger vive recluso, não recebe ligações, não oferece entrevistas, não recebe cartas de fãs, não publica nada há tempos e isso não impede que de vez em quando, ao fazer contato com a agência que o representa, troque alguns diálogos com a jovem que sonha em ser escritora. O filme faz questão de tornar Salinger num personagem quase mítico, mas que oferece alguma simpatia (o que talvez não seja suficiente para satisfazer seus fãs que se aventurem a ver o filme), já que o que vemos a maior parte do tempo é Joanna em seus dilemas de destruir as cartas de pessoas, que assim como ela, veem a literatura como uma inspiração (basta ver a forma como ela mesma se comporta ao se deparar com escritores que admira). Além do ofício de Joanna, o filme tem várias cenas dedicadas às conversas (pouco inspiradas) dela com os amigos, momentos sobre o relacionamento dela com o novo namorado e um certo incômodo da jovem ao ver como a chefe trata a literatura como um negócio. O filme não é muito mais do que isso, mas é bem feitinho e conta com algumas curiosidades - como a estética anacrônica dos figurinos e alguns cenários (o que me deu até um choque ao ver um computador preto chegando na agência e ouvir o hit Connection do Elastica tocando numa festa... sim, o filme se passa na segunda metade dos anos 1990!!!), além disso tem aqueles momentos em que o filme quebra o realismo da narrativa (o que poderia acontecer mais vezes). Se Qualley não faz nada comprometedor no papel principal, é Sigourney que chama mais atenção em um papel que cita (ainda que indiretamente) sua personagem em Uma Secretária de Futuro (1988) de Mike Nichols (se você não viu, veja!). Quando o filme termina (sem maiores surpresas), a vontade é ver a veterana atriz (que completará em outubro seus 72 anos de vida) em novas produções. 

Meu Ano em Nova York (My Salinger Year / Canadá - Irlanda / 2021) de Phillippe Falardeau com Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Colm Feore, Brían F. O'Byrne e Théodore Pellerin. ☻☻☻

Pódio: Murray Bartlett

Bronze: o amigo conselheiro.

3º Looking (2014-2015) Nascido na Austrália em 1971,  Murray Bartlett alcançou o reconhecimento com seus papéis em séries de televisão. O resultado na terra natal carimbaram seu passaporte para convites para atuar nos EUA e as oportunidades que surgiram com a aparência de galã não impediram que ele saísse do armário e fizesse disso parte da identidade de seu trabalho. Em tempos de cobrança de representatividade LGBTQIA+ o ator ganhou destaque nesta série da HBO em que vive Dom, um garçom na faixa dos quarenta anos que sente que a vida está um tanto estagnada - o que não impede que seja um tanto paternal com seus amigos. A série ousada durou duas temporadas e rendeu um filme, tudo produzido pela HBO. 

Prata: o namorado calejado. 

2º Crônicas de São Francisco (2019) Bartlett foi responsável por encarnar um personagem gay antológico na história da televisão americana. Ele foi o terceiro ator a interpretar Michael Tolliver na série baseada na obra de Armistead Maupin. Lançada inicialmente em 1993, a série teve temporada recente produzida pela Netflix em que Michael aparece mais maduro e calejado pelas mudanças que vivenciou. Após ter sobrevivido à desilusões amorosas e ao advento da AIDS, aqui ele tem alguns conflitos ao se relacionar com um rapaz algumas décadas mais jovem e que, por vezes, revisita algumas situações vivenciadas pelo personagem em outras temporadas. Um trabalho notável. 

Ouro: o gerente esforçado. 

1º The White Lotus (2021) Embora já tenha declarado que considera que atores possam ser escalados  para todo tipo de papel, desde que gays e héteros tenham chances igualitárias na indústria (o que sabe ser algo bem distante da realidade), o australiano ganhou outro papel gay marcante em sua carreira. Na pele do gerente Armond que administra (suando frio) o luxuoso hotel no Havaí, sua homossexualidade é só um detalhe perante as desventuras do personagem. Perseguido por um hóspede milionário insuportável, o ator sempre chama atenção quando está em cena e fez muita gente ficar chocada no último episódio (seja pela cena escatológica que realiza ou pelo maior SPOILER da temporada). Com tantos sucessos na telinha, só falta o cinema reconhecer o seu talento. 

NªTV: The White Lotus

 

O elenco de White Lotus: grande acerto da temporada.

Sei que o último episódio de Whithe Lotus já foi ao ar faz um tempinho, mas eu estava devendo um post sobre esta brisa de frescor (ainda que ácido) lançado pela HBO em 2021. O programa  conta com um grupo de personagens que tem em comum estar passando uma temporada em um hotel luxuoso no Havaí que dá título à produção. Estão lá o casal em lua de mel, a ricaça que precisa aprender a lidar com suas inseguranças, o casal de férias que a matriarca workaholica não consegue desligar do trabalho, duas amigas que dominam todo o discurso politicamente correto atual (mas é incapaz de realizar uma gentileza com quem quer que seja) e, obviamente, estão os funcionários, entre eles uma mulher prestes a dar à luz, uma massagista dedicada e o gerente que faz o possível para manter a harmonia no local. Aparentemente a ideia do criador Mike White (que assina o texto e dirige os seis episódios) era povoar o paraíso com um grupo de pessoas que vivem uma espécie de inferno astral, afinal, a jovem jornalista que acaba de se casar (Alessandra Daddario) começa a perceber que seu ricaço encantado (Jake Lacy) está bem longe de ser o príncipe que ela imaginava, especialmente quando ele inventa uma pendenga com o gerente do hotel (vivido com gosto por Murray Bartlett) diante da suspeita de que trocaram o quarto para o qual tinham feito reserva. Se a milionária Tanya (Jennifer Coolidge) parece ter problemas para lidar com a morte de sua mãe, a coisa se complica ainda mais perante sua carência e ansiedade diante dos relacionamentos que se anunciam no locoa, no meio de tudo isso está a muito bem sucedida Nicole Mossbacher (que atrevo dizer ser o melhor trabalho de Connie Britton), que trabalha nas férias ao lado do marido paspalho (Steve Zahn), do filho deslocado (Fred Hechinger) e da filha insuportável (Sydney Sweeney) que levou sua comparsa amiga (Britany O'Grady) para as férias com a família. Para atiçar ainda mais a curiosidade do espectador, no primeiro episódio descobrimos que um dos personagens morrerá e, no decorrer dos episódios, não daremos a menor bola para isso (pelo menos até descobrirmos quem foi). O que Mike White faz com os personagens aqui é uma delícia, as relações são sempre tensas, os diálogos sempre se entram em atrito e, por vezes, se desconstroem assim como os personagens - que por vezes agem de formas imprevisíveis. O resultado é uma espiral interessante de relações que se equilibram entre o drama e a comédia com uma rara perfeição. Existe aqui também um retrato sobre várias tensões sociais exploradas com bastante habilidade por White, seja na escrita ou no trabalho com seu elenco. Embora não seja muito conhecido, White é o roteirista de Escola de Rock (2003), mas White Lotus lembra mais das preocupações de Beatriz no Jantar (2017) e aqui alcança o auge de seu olhar astuto sobre as relações de poder. Por conta disso, o programa que torna-se redondinho com cara de minissérie já teve uma nova temporada anunciada pela HBO e se tornou um dos destaques da atual temporada televisiva. 

The White Lotus (EUA-2021) de Mike White com Murray Bartlett, Jake Lacy, Connie Britton, Steve Zahn, Alessandra Daddario, Jennifer Coolidge, Sydney Sweeney, Britany O'Grady, Fred Hechinger, Natasha Hothwell e Kekoa Kekumano. ☻☻☻☻☻

4EVER: Roger Michell

05 de junho de 1956 ✰ 22 de setembro de 2021

Nascido em Pretória na África do Sul e educado em Cambridge, Roger Michell tornou-se cidadão britânico quando adulto. Roger começou sua carreira no teatro e tornou-se assistente de direção do Royal Court, onde trabalhou com Samuel Beckett. No teatro, Michell colaborou com Danny Boyle, Simon Curtis e Antonia Bird e obteve sucesso e prêmios que lhe rendeu convites para dirigir filmes.  No cinema obteve grande sucesso ao dirigir Um Lugar Chamado Notting Hill (1999) estrelado por Julia Roberts e Hugh Grant. Em Hollywood também dirigiu Ben Affleck no bom Fora de Controle (2002). Seus filmes europeus costumavam ser mais densos, muito por conta da constante parceria com Hanif Kureishi, como o é o caso de Recomeçar (2003) e Vênus (2006), que rendeu uma indicação ao Oscar para Peter O'Toole. Seu filme mais recente The Duke (2020) foi aclamado pela crítica e ainda não tem previsão de estreia no Brasil. Michel encontrava-se atualmente na pós-produção de um documentário sobre a Rainha Elizabeth. A causa da morte do cineasta morte não foi divulgada. 

PL►Y: Todos Estão Falando Sobre Jamie

 

Richard e Max: nasce uma drag queen. 

No meio da atribulada temporada de ouro passada, de vez em quando alguém apontava que Todos Estão Falando de Jamie poderia ser lembrado nas premiações. Imaginei que o marketing do filme lhe garantiria pelo menos as vagas nas categorias de comédia/musical do Globo de Ouro (o que faria muita mais sentido do que aquela lembrança inexplicável de Music dirigido pela cantora SIA), no entanto, o longa passou em branco nas premiações. Em cartaz no Prime Video, o filme sobre a história do adolescente que sonha em ser drag queen vale uma olhada, mas vá sem muitas expectativas, já que diante do material que tem em mãos, o filme não se afasta muito de sua zona de conforto. O filme conta a história de Jamie New (Max Harwood), um adolescente que não tem problemas de celebrar sua sexualidade após passar anos ouvindo piadinhas e comentários preconceituosos na escola. Quando o filme começa com as conversas em sala de aula sobre "o que você vai ser quando crescer", Jamie afirma que quer ser artista, mas não especifica que a ideia que ganha forma na sua cabeça é se tornar uma drag queen (e ir vestido à caráter no baile de formatura). A maneira como esta ideia se constrói  é o que inspira as músicas que compõem a trilha sonora do filme. Baseado em um musical que se tornou febre na Inglaterra (e depois ganhou versões em outros países), Todos Estão Falando de Jamie traz as músicas que ganharam os palcos e uma canção inédita (que tem o mérito de contextualizar historicamente o surgimento da cultura drag), mas o espetáculo sofre em sua transposição para o cinema. A começar que o roteiro cinematográfico não aprofunda pontos importantes da história como o bullying sofrido pelo personagem, ou a cena de agressão sofrida pelo protagonista, os coadjuvantes também nunca recebem contornos tridimensionais, limitando-se a estereótipos como a amiga motivadora, a mãe zeloza, o valentão idiota, a professora preconceituosa, o pai bronco... além disso, o filme sucumbe (ainda que de maneira bastante estilosa) à sensação de que um musical precisa ser uma colagem de videoclipes (o que por vezes quebra o ritmo da narrativa, não apenas aqui, mas em vários filmes do gênero recentes). O que salva o filme mesmo é o trabalho do estreante Max Harwood que tem momentos luminosos na pele de Jamie e, especialmente, o veterano Richard E. Grant que rouba as cenas em que aparece como Hugo, ou melhor Coco Chanelle - espécie de mentora de Jamie. Não fossem os dois, o filme poderia ser uma decepção pelo excesso de drama pasteurizado que toma o lugar da animação de seu personagem ao longo da sessão. Baseado em uma história real, talvez o que mais me incomode no filme é imaginar que ele investiria em uma pegada mais próxima de Hedwig (2001 - uau, acabei de descobrir que completou vinte anos!!!) ou até Priscila, Rainha do Deserto (1994), mas o filme vai por outro caminho menos festivo e mais inofensivo cinematograficamente. 

Todos Estão Falando de Jamie (Everybody is talking about Jamie/2021) de Jonathan Butterell com Max Harwood, Richard E. Grant, Lauren Patel, Sarah Lancanshire, Samuel Bottomley, Sharon Horgan e Ralph Ineson. ☻☻☻

PL►Y: Kelly + Victor

Julian Morris: tensão sexual sadomasoquista.  

Eu tinha uma espécie de dívida pessoal com Kelly+Victor. Lembro quando o diretor Kieran Evans foi contemplado com o prêmio de Melhor Estreante Britânico no BAFTA de 2012 e o filme ganhou alguma visibilidade no circuito alternativo por conta disso. O filme ainda foi eleito como um dos melhores filmes irlandeses daquele ano e foi indicado ao prêmio da audiência no Festival South by Southwest. Devido ao conteúdo pouco palatável do filme, o longa teve problemas de distribuição por aqui, mas o encontrei perdido no catálogo da GloboPlay ano passado e confesso que não o assisti até o final. Agora me deparei com ele no Prime Video e resolvi cumprir a tarefa por completo. Kelly + Victor é uma história de amor, só que... um cadinho complicada, afinal, o que começa como a velha história do boy meets girl revela ingredientes mais sombrios do  que costumamos ver por aí. Quando Victor (o bom Julian Morris) conhece Kelly (Antonia Campbell-Hughes caprichando na estranheza) e desfrutam de sua primeira noite de sexo, nada é muito convencional, já que Kelly curte uma pegada mais, digamos, agressiva... entre mordidas e simulações de enforcamento, os dois selam ali o início de um relacionamento que evolui aos tropeços. Se Victor é bondoso e segue a rotina de um rapaz comum sem muito o que fazer, Kelly atende homens que curtem levar chicotadas - e aos poucos o roteiro deixa claro que ela sobreviveu a um relacionamento abusivo (que levou o agressor para a prisão por dois anos). Calada e introspectiva, torna-se visível as marcas psicológicas deste relacionamento na vida daquela mulher, no entanto, este teor hardcore de seu temperamento sexual se encaixa com a curiosidade masoquista do comportado Victor, que mesmo após uma cena arrepiante protagonizada no meio do filme, ainda sente que Kelly o complementa de alguma forma. O filme se sustenta bem quando o casal está na tela, mas fica difícil dizer que a cadência do filme é envolvente com as várias cenas que parecem improvisadas e soltas (deixando que o espectador preencha as lacunas sobre aqueles dois personagens). Este jeito cru de fazer cinema pode ser interessante, mas por vezes deixa a sensação que apenas disfarça um roteiro pouco lapidado. Existem tantos aspectos do filme que poderiam ser aprofundados (mas que ficam pelo meio do caminho) que ao chegar na triste cena final, eu só imaginava que era  um desfecho inevitável para aquela relação repleta de fantasmas do passado assombrando o que poderia ser um romance promissor de dois jovens perdidos em suas rotinas solitárias. O filme é baseado no livro de Niall Grifiths e se tornou a primeira experiência do diretor Kieran Evans fora do formato documental, o que explica muito da forma como utiliza sua câmera e conduz sua narrativa ao longo da sessão. 

Kelly + Victor (Irlanda/Reino Unido - 2012) de Kieran Evans com Antonia Campbell-Hughes, Julian Morris, William Ruane, Claire Keelan, Stephen Walters e Michael Ryan. ☻☻☻ 

PL►Y: Diários de Intercâmbio

 

Larissa e Jones: desventuras no Tio Sam. 

Primeiro deixa eu explicar que o tempo anda bastante escasso para ver filmes e escrever aqui no blog. Não bastasse as tarefas do trabalho (que me consumiram três finais de semana recentes), uma tia muito querida está internada por conta do Corona Vírus desde agosto. Acho que não precisa dizer como esta mistura influenciou não apenas minha ausência por aqui, como também minha dificuldade em assistir filmes densos nos últimos dias... Na verdade a minha dificuldade foi em conseguir assistir um filme até o final, ou eu desistia perante a chatice ou então dormia de cansaço mesmo. Enfim, desde a última terça-feira estou de férias, mas somente agora consegui algum sossego para retomar as atividades por aqui. Entre as últimas produções que assisti recentemente, uma que ganhou minha simpatia logo de cara foi este Diários de Intercâmbio em cartaz na Netflix. Acho que o principal motivo do filme ter me conquistado é a total ausência de expectativas e, principalmente, a despretensão com que o filme se desenvolve com alguns toques bem espertos no que poderia ser apenas uma comédia adolescente boboca.  O filme conta a história de Bárbara (Larissa Manoela), jovem que trabalha no aeroporto vendendo assinaturas de revista e que nutre o sonho de viajar para o exterior. O início deixa claro que este sonho parece cada vez mais distante... até que ela resolve participar de um programa de intercâmbio para os Estados Unidos e convence sua melhor amiga, Taila (Thati Lopes) a fazer o mesmo. Embora as coisas não saiam exatamente como elas planejaram, o filme avança em uma espécie de colagem de situações que melhoram sempre que flerta com o absurdo. Obviamente que existe um romance no meio do caminho (no caso, o desenrolar do relacionamento da protagonista com um gringo vivido por David Sherod James), que vai perdendo espaço conforme conforme Lucas (Bruno Mantaleone) ganha destaque na história. Lucas é um rapaz brasileiro que vive nos Estados Unidos e precisa ser aprovado em uma faculdade para permanecer com o visto em dia. Ao longo da história as trapalhadas se intensificam e flertam com uma série de temas da relação do Tio Sam com o mundo, seja a forma como os imigrantes são tratados, o apreço dos estadounidenses por armas, as paranoias e sobra até espaço para piadas sobre o famigerado nióbio. Dinâmico e bem-humorado, o filme só perde pontos quando revela uma rocambolesca surpresa no final que é capaz de resolver toda a confusão que assistimos até ali. Se Larissa Manoela (que antes eu conhecia só pelo nome) está correta na pele da mocinha da história, cabe à Thati Lopes roubar a cena como a amiga "politizada" da protagonista que de vez em quando derrapa em suas ideologias. Diários de Intercâmbio é um bom programa para quem precisa dar algumas risadas diante desta pandemia que não passa. 

Diários de Intercâmbio (Brasil/2021) de Bruno Garotti com Larissa Manoela, Thati Lopes, Bruno Mantaleone, David Sherod Jones e Emanuelle Araújo. ☻☻☻ 

4EVER: Luiz Gustavo

02 de fevereiro de 1934✰ 19 de setembro de 2021

Nascido na cidade de Gotemburgo na Suécia, Luiz Gustavo Sánchez Blanco era filho de diplomata espanhol que veio para o Brasil quando ainda era pequeno. Ele acompanhava a irmã, que era atriz de rádio e o esposo dela (Cassiano Gabus Mendes), achou que o rapaz poderia ingressar na carreira artística. Luiz Gustavo começou a carreira nos anos 1950 e na década seguinte se tornou protagonista de um grande clássico da teledramaturgia brasileira. Em Beto Rockfeller (1968), ele encarnou o anti-herói que se tornou um marco em sua carreira (e o sucesso gerou até um filme dois anos depois). Ator escalado frequentemente em novelas na Rede Globo, Luiz colecionou papéis importantes como o playboy Ricardo (na primeira versão de Anjo Mau/1976), o detetive Mário Fofoca (Elas por Elas/1982 que depois também ganhou as telas com As Aventuras de Mário Fofoca/1982), o estilista fake Victor Valentim (na versão original de Ti Ti Ti/1985 ) e o radialista corrupto Juca Pirama (em O Salvador da Pátria/1989). Seu último grande sucesso na televisão foi na pele do simpático Vavá na sitcom Sai de Baixo ( que também ganhou versão para o cinema em 2019). Ao todo Luiz Gustavo realizou dez longas-metragens ao longo de sua carreira, incluindo O Casamento de Romeu e Julieta (205) e Os Penetras (2012). O ator faleceu em decorrência de um câncer no intestino diagnosticado em 2018. 

PREMIADOS FESTIVAL DE VENEZA 2021

Happening: o Leão de Ouro foi para a França. 

Após onze dias de Festival, no meio de tantos filmes assinados por cineastas cultuados mundialmente, o Leão de Ouro de Melhor Filme do Festival de Veneza 2021 foi para Happening, filme da diretora Audrey Diwan baseado no romance homônimo de Annie Ernaux sobre uma universitária brilhante que procura meios de realizar um aborto ilegalmente nos anos 1960. O filme chamou tanta atenção que as produções mais aguardadas do Festival acabaram ficando com prêmios secundários - mas que ajuda a lançar holofotes para a temporada de prêmios que se aproxima. Não se surpreenda se alguns dos nomes citados abaixo aparecerem no Oscar do ano que vem. A seguir todos os premiados no influente festival italiano:

Leão de Ouro de Melhor Filme

"Happening" de Audrey Diwan

Grande Prêmio do Júri

"The Hand of God" de Paolo Sorrentino

Melhor Diretor

Jane Campion (The Power of the Dog)

Melhor Ator

John Arcilla (On The Job: The Missing 8)

Melhor Atriz

Penelope Cruz (Madres Paralelas)

Melhor Roteiro

Maggie Gyllenhaal (A Filha Perdida)

Melhor Jovem Ator

Filippo Scotti (The Hand of God)

Prêmio Especial do Júri

"Il Buco" de Michelangelo Frammartino

Leão do Futuro (Melhor Filme de Estreia)

"Imaculat" de Monica Stan e George Chiper-Lillemark

VENEZA HORIZONS — MOSTRA SECUNDÁRIA

Melhor Filme

"Pilgrims" de Laurynas Bareisa

Melhor Diretor

Eric Gravel (Full Time)

Prêmio Especial do Júri

"The Great Movement" de Kiro Russo

Melhor Ator

Piseth Chhun (White Building)

Melhor Atriz

Laure Calamy (Full Time)

Melhor Roteiro

Peter Kerekes e Ivan Ostrochovsky (107 Mothers)

Melhor Curta-Metragem

"Los Huesos" de Cristobal Leon e Joaquin Cocina

NªTV: Superman e Lois

 

Os Lane-Kent: dias agitados para Smallville. 

As últimas semanas foram bastante atribuladas, de forma que tive dificuldades para ver filmes e escrever aqui no blog. Com uma rotina diária bastante cansativa, confesso que um bom refúgio foi a série Superman e Lois disponível no HBOMax e confesso que comecei a ver a série com bastante desconfiança, apesar da excelente receptividade que o programa recebeu. Quem acompanha o blog sabe que não costumo assistir as séries de heróis do CW (ou Arrowverso), costumo assistir aos primeiros episódios e logo começo a achar cansativo no tom infanto-juvenil demais. Acho que justamente por ter um verniz mais adulto em torno do super-herói aqui, esta nova incursão do Superman na telinha me pegou de jeito. Pois é, fiquei velho. Quando ouvi falar da ideia centrada em Superman e Lois eu imaginei que seria uma refilmagem da cultuada Lois e Clark (1993-1997) que lançou Dean Cain e Terri Hatcher ao estrelato... mas ainda bem que ao invés de uma reciclagem, os criadores optaram por uma ideia completamente diferente. Depois de apresentar o kryptoniano mais querido da Terra em Supergirl e aproveita-lo na saga Crise das Infinitas Terras, Kal'El ganhou uma série para chamar de sua... ou quase, já que a série é tão dele quanto de toda a família do moço. Afinal, Clark Kent (vivido por Tyler Hoechlin, que se você não lembra era o filho do Tom Hanks em Estrada para Perdição/2002) é casado com Lois Lane (Elizabeth Tullock em um trabalho que homenageia a atuação de Margot Kidder nos primeiros filmes do herói),  juntos eles possuem dois filhos bem diferentes que são gêmeos, o deslocado Jordan (Alexander Garfin) e o popular Jonathan (Jordan Elsass que ficou conhecido por seu trabalho em Little Fires Everywhere/2020). A primeira temporada começa com uma guinada na vida do casal, já que Clark é demitido quando muda o proprietário do Planeta Diário e, insatisfeita com os novos rumos do jornal, Lois pede demissão. Juntos se mudam para a pequena Smallville em busca de uma vida mais tranquila, mas não fazem ideia de que esteja onde estiver, o Homem de Aço nunca terá sossego - e a proximidade do herói com o sogro, Sam Lane (Dylan Walsh) intensifica bastante a situação. Não vou contar muito sobre a temporada inicial para não estragar as surpresas, mas o programa consegue fazer um trabalho bastante competente e respeitoso com o universo do Superman, sempre mesclando os desafios de Clark enquanto esposo e pai, sem perder de vista o quanto sua identidade heroica afeta sua família. Vale destacar que a série ainda consegue fazer uma relação interessante do programa com a cultuada Smallville (2001-2011), especialmente pela presença da ex-namorada Lana (Emmanuelle Chriqui), que ao invés de ser apresentada como rival de Lois, se torna importante aliada na trama da temporada em torno do estranho interesse de um rico empresário pela cidadezinha. Ao ampliar os coadjuvantes ao longo da trama, o programa cria possibilidades que geram fôlego mais que eficiente para os quinze episódios da temporada. Diante do resultado, mostra-se uma excelente ideia ter testado o personagem (que já haviam considerado saturado para novos projetos), enquanto elaboravam uma nova concepção para Superman na telinha. Conciliando ação, dramas, bons efeitos especiais, o programa já garantiu uma nova temporada para o próximo ano (e poderia servir de ponto de mudança nas outras séries da DC na CW que andam precisando de uma repaginada). 

Superman e Lois (Superman and Lois/ EUA - 2021) de Greg Berlanti e Todd Helbing com Tyler Hoechlin, Elizabeth Tulloch, Jordan Elsass, Alex Garfin, Inde Navarrette, Emmanulle Chriqui, Adam Rayner, Erik Valdez e Dylan Walsh. ☻☻☻☻

4EVER: Michael Kenneth Williams

 

22 de novembro de 1966 ✰ 06 de setembro de 2021

Nascido no Brooklyn, Michael Kenneth Williams era filho de uma Bahamense e um americano da Carolina do Sul. Ao longo da vida,  Michael descobriu laços familiares com habitantes de Serra Leoa e manteve suas origens sempre presentes em sua vida. Após alguns problemas na adolescência, Michael começou a se dedicar ao teatro, ingressando no National Black Theatre de Nova York. Aos 22 anos ele se tornou dançarino e participou de vídeos de artistas como Madonna e George Michael, chegando até a coreografar clipes de alguns artistas nos anos 1990. Ele começou a fazer filmes em 1996 e apesar de em sua carreira ter participado de longas importantes como Vivendo no Limite (1999), Medo da Verdade (2007), A Estrada (2009) e 12 Anos de Escravidão (2013), foi na televisão que o ator conseguiu os maiores destaques de sua carreira, sendo cinco vezes indicado ao Emmy por trabalhos sensacionais vistos em programas como The Night Of (2016), Olhos que Condenam (2019) e Lovecraft Country (2020) - faltou a indicação por seu papel antológico em The Wire (2002-2008). O ator faleceu de causa ainda desconhecida.