PL►Y: Socorro!

Rachel: o survivor de Raimi.

Prezado diáriw, Sam Raimi é um tipo de diretor interessante que começou no cinema indie com filmes inspiradamente B e que quase foi absorvido pelo mainstream, mas tem um estilo muito próprio para deixar se levar pelos modismos de grandes estúdios (prova disso foi o rumo do Homem Aranha de Tobey Maguire) Com gosto pelo humor macabro, o gore e o terror, Raimi sempre demonstra estar mais a vontade quando pode soltar as rédeas do previsível e levar seus personagens para além do que esperamos. É isso que ele faz em Socorro! ao colocar Rachel McAdams como a funcionária exemplar competente que espera sua promoção há tempos e vê tudo indo por água abaixo quando o dono da empresa morre - e o filho playboy (Dylan O'Brien) assume o comando. Sem saber do risco de demissão iminente ela aceita até ir em uma viagem com um bando de jovens engravatados que adoram debochar dela. Eis que um acidente deixa somente ela e o jovem herdeiro em uma ilha deserta. Obcecada pelo programa Survivor, ela demonstra bastante habilidade para manter-se viva e cuidar do jovem patrão. O problema é que ele não percebe que as hierarquias sociais não valem por ali e que ela não é tão ingênua quanto imagina. Começa uma guerra entre dois personagens que não estão dispostos a facilitar o espectador a rotular quem é bonzinho e quem é malvado na trama. Cada vez que achamos que entendemos a dinâmica entre os dois a coisa muda de formas absurdas. Rachel e Dylan tornam tudo tão divertido quanto assustador e o jogo de cena se torna imprevisível. Disposto a demonstrar o lado obscuro dos personagens naquela situação, tive a impressão que o filme partiu da ideia de um Triângulo da Tristeza (2022) em menor escala . Para além dos atores se divertindo em cena, o destaque vai para um javali que rouba uma cena. 

Socorro" (Send Help / EUA - 2026) de Sam Raimi com Rachel McAdams, Dylan O'Brien, Xavier Samuel e Edyll Smail. ☻☻☻

10+: Meryl Streep

 Faz tempo que eu devia minha lista com trabalhos favoritos de Maria Louise Streep, ou melhor Meryl Streep, a atriz nascida em Nova Jersey e 1949 e que se tornou uma lenda em Hollywood com suas vinte e uma indicações ao Oscar (e poderia ter recebido muitas outras, imagine...). Com três carecas dourados na estante, não faltam trabalhos icônicos na carreira desta lendária atriz. Dito isso, aos 72 anos, ela se tornou o principal motivo para as pessoas irem aos cinemas verem O Diabo Veste Prada2 e fazer do filme um sucesso. A seguir, as dez performances desta atriz incrível na minha modesta opinião:

10 "Lembranças de Hollywood" de Mike Nicholls (1990)

09 "Dúvida" de John Patrick Stanley (2008)

08 "A Morte lhe Cai Bem" de Robert Zemeckis (1992)

07 "Kramer Vs Kramer" de Robert Benton (1979)

06 "Álbum de Família" de John Wells (2013)

05 "O Diabo Veste Prada" de David Frankel (2006)

04 "As Pontes de Madison" de Clint Eastwood (1995)

03 "As Horas" de Stephen Daldry (2002)

02 "A Escolha de Sofia" de Alan J. Pakula (1982) 

01 "Adaptação" de Spike Jonze (2002)

Na Tela: O Diabo Veste Prada2

Meryl: Miranda de volta. 

 Icônico diáriw, baseado no best-seller de Lauren Weisberg, O Diabo Veste Prada se tornou um filme pop que ecoa até hoje, vinte anos após o seu lançamento. Existe de fato uma magia quase hipnótica no filme sobre os conflitos da jovem Andrea Sachs (Anne Hathaway) ao ir trabalhar com a lendária Anna Wintour Miranda Pristley (Meryl Streep) na mítica revista Vogue Runway. No fim das contas, Andrea resolve seguir outros caminhos no jornalismo, mas o destino resolve fazê-la reencontrar Miranda. Acontece que muita coisa mudou, a revista impressa agoniza nas bancas e tudo se resume a visualizações online e viralizar nas redes. A postura de Miranda passou a ser alvo de repressões e tudo que é dito é julgado pelos internautas e influenciadores. O medo do cancelamento ironicamente coincide com a dificuldade de estabelecer um jornalismo sério na era digital. Para dar uma repaginada na Runway, Andrea é chamada de volta e reencontra uma Miranda mais acuada ao lado de seu fiel escudeiro Nigel (Stanley Tucci) - e eles nem imaginam que novas guinadas virão pela frente. É interessante como o filme oferece uma atualizada no olhar sobre aquela cultuada revista e a figura mítica que está por trás dela, mas o resultado soa mais melancólico do que glamouroso. A embalagem é a mesma, muita roupa de grife, trilha sonora envolvente e atores afiados (mesmo que o texto não seja tanto), mas o tom é outro. Mesmo a cenografia me parece evocar algo decadente com seus espaços apertados, isso retira do filme a aura hipnótica do anterior mas imprime um pouco mais de realidade- que parece assombrada pela extinção do que Miranda ressalta defender em uma das cenas mais emblemáticas. Interessante que o desfecho ainda consegue ser otimista, afinal, o longa é para divertir e não para sair triste do cinema.

O Diabo Veste Prada 2 (Devil wears Prada 2 / EUA -2026) de David Frankel com Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Simone Ashley, Patrick Brammall e Lucy Liu. ☻☻☻ 

PL►Y: Eddington

Phoenix: herói de barro.

Desgovernado diáriw, me deparei com críticas muito ruins ao novo filme de Ari Aster. O diretor que fez dois filmes de terror dignos de nota com Hereditário (2018) e Midsommar (2019), teve problemas com Beau tem Medo (2023) e agora com Eddington constrói uma sátira política numa cidadezinha no meio do nada e ainda mais isolada em 2020, tempos de pandemia. Lá o embate entre o xerife da cidade (Joaquin Phoenix) e o prefeito (Pedro Pascal) renderá acontecimentos que tornarão as relações ainda mais polarizadas. O que poderia ser apenas o debate sobre o uso de máscaras, logo vira algo mais por conta das complicações envolvendo os traumas da esposa do xerife (vivida por Emma Stone). Mas não é só isso, o isolamento e busca de conexões com o mundo via internet, motivam ainda mais o caos na cidade com discursos que  viram modismo e caminham para a mais completa desordem. Aster constrói uma massaroca de referências sobre o mundo atual e toda a confusão em que mergulha com falsos gurus e fake news. Celulares parecem armas e vídeos parecem mais relevantes do que os fatos que registram. Diante de todo o caos que se instaura, parece que a solução encontrada para o desfecho é um tiroteio que me fez pensar que Aster viu Bacurau (2019). As conclusões ficam pela metade, os discursos são jogados para o alto e a realidade parece pronta para quem quiser colocar fogo nela. O cineasta demonstra continuar ambicioso e assumindo riscos para não ficar preso a um gênero cinematográfico. Aqui ele faz drama, faz comédia, faz um faroeste virado do avesso, escorrega no humor ao lidar com temas cuidadosos e, como seus personagens fazem, atira para todos os lados. O resultado é interessante, incômodo e com uma ótima atuação de Joaquin Phoenix como um daqueles heróis de barro que adoram cultuar. 

Eddington (EUA - Reino Unido - Finlândia / 2025) de Ari Aster com Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone, Cameron Mann, Michael Ward, Clifton Collins Jr e Austin Butler. ☻☻☻

PL►Y: Twinless

O'Brien: sem o irmão. 

Surpreso diáriw, acho que Twinless é um dos filmes com roteiro mais original que assisti nos últimos tempos. Indie e sem grana para campanhas milionárias, a produção ficou de fora do Oscar na categoria de roteiro original. Foi indicado ao Independent Spirit de roteiro, de melhor ator (Dylan O'Brien) e de melhor filme. Em Sundance ganhou o prêmio de melhor filme dramático, melhor ator (pro Dylan) e o prêmio do júri na categoria de drama. Além destas credenciais, foi lembrado em várias listas de críticos como um dos melhores lançamentos do ano passado. Considero a celebração bastante justa, já que James Sweeney faz um ótimo trabalho em seu segundo longa-metragem, sendo também responsável pelo texto e por carregar metade do filme nas costas interpretando Dennis. Dennis conhece Roman (O'Brien, que está ótimo) em um grupo de suporte para pessoas que perderam o irmão gêmeo. Dylan ainda amarga o luto recente pelo irmão Rocky, que faleceu em um acidente. Ambos estão inundados por uma sensação de vazio e, complementa ainda mais a amizade que se instaura entre os dois, o fato de Roman ser hetero e Dennis ser gay - assim como Rocky. Os dois estabelecem um laço que oferece suporte de um para o outro e tudo vai bem até que o roteiro resolve demonstrar que existe algo mais por trás disso tudo. O roteiro é bastante engenhoso e faz tudo se (embolar e) encaixar com perfeição, funcionando de forma bastante convincente, especialmente pela mistura de drama com o senso de humor perigoso - que funciona surpreendentemente bem com a habilidade do diretor e das atuações. A montagem do filme realça ainda mais as nuances presentes entre os personagens (que inclui ainda a mãe de Roman e uma colega de trabalho de Dennis). O filme é uma pérola que merece ser descoberta no streaming e já está no meu top10 do ano. 

Twinless: Um irmão a Menos (Twinless - EUA /2026) de James Sweeney com Dylan O'Brien, James Sweeney, Lauren Graham, Aisling Franciosi e Chris Perfetti. ☻☻☻☻

PL►Y: Harry Chegou Para Ajudar

Sergi: estranha amizade. 

Arrepiado diáriw, este filme francês dividiu opiniões ao chegar nos cinemas. Enquanto alguns enxergavam nele um exemplo do cansaço de filmes sobre psicopatas dos anos 1990, outros enxergaram méritos na inspiração hitchcockiana impressa pelo diretor Dominik Moll. Moll utiliza de fato uma narrativa bastante elegante na forma como apresenta os personagens, especialmente a psique perturbada do vilão, ao mesmo tempo que o herói perdido se insere em uma estranha dinâmica que não está sob seu controle. Quando Michel (Laurent Lucas) viaja com a esposa (Mathilde Seigner) e as filhas, ele nem imagina que irá reencontrar um antigo colega da escola pelo caminho. Harry (Sergi López) não vê Michel faz tempo, mas deixa claro desde o início o quanto o admirava, sobretudo os seus textos publicados no jornal da escola.  Ao que parece Michel soube organizar sua via ao lado da noiva, Plum (Sophie Guillemin), mas aos poucos percebemos uma necessidade de validação pelos olhos do antigo amigo e um exagero na forma com que deseja fazer Michel reorganizar a vida. A trama começa um tanto arrastada até que possamos perceber que existe algo fora do eixo na mente de Harry e as coisas começam a piorar quando fica clara a obsessão do personagem por Michel. É um exercício de suspense dramático lento e, talvez por isso mesmo, seja tão perturbador perceber o que se passa na cabeça do rapaz. Sergi López apresenta um ótimo trabalho, construindo um personagem de casca indefectível acima de qualquer suspeita, mas que de inofensivo não tem nada. Pena que falte a Laurent Lucas um tanto de garra para espantar a apatia de seu personagem e criar um duelo de atores de mesmo calibre, sobretudo no desfecho. 

Harry chegou para Ajudar (Harry, un ami qui vous veut du bien / França - 2000) de Dominik Moll com Sergi López, Laurente Lucas, Mahtile Seigner, Sophie Guillemin, Liliane Rovère, Dominique Rozan e Michel Fau. ☻☻☻

Pódio: Sergi López

Bronze: o amante descompromissado. 

3º Uma Relação Pornográfica (1999) Fazendo cinema desde 1991 é curioso perceber que aos poucos, o ator passou a ser conhecido pelos vários papéis de vilão que interpretou.  Como acompanho a carreira de Sergi faz tempo, sei como ele é bastante versátil em papéis mais dramáticos, cômicos e até românticos como neste filme. Basta lembrar seu personagem que responde ao anúncio de uma mulher que procura um homem para viver um relacionamento descompromissado, pornográfico e anônimo. De encontro em encontro a curiosidade sobre um e do outro se torna inevitável, assim como os sentimentos que começam a aparecer entre eles. O filme concorreu ao Leão de Ouro no Festival de Veneza, mas foi Sergi que saiu de lá com o prêmio de melhor ator e sua parceira em cena, Nathalie Baye, com o prêmio de melhor atriz. Merecidíssimo!  

Prata: o vilão sanguinário. 

2º O Labirinto do Fauno (2006) Muita gente conheceu o trabalho do ator por conta de sua performance como o vilão deste sucesso assinado por Guillermo Del Toro. Na pele de Capitão Vidal, muita gente cogitou que o ator merecia uma indicação ao Oscar de ator coadjuvante por sua performance assustadora (e um tanto sedutora) como um fascista sanguinário. Ambientado na Espanha falangista de 1944, ele vive o novo padrasto da protagonista que não mede esforços para conter grupos rebeldes que atuam na região. Se você ainda não assistiu a esta obra-prima, não perca tempo e descubra o melhor trabalho do prestigiado Del Toro. Uma mistura de realidade e fantasia que poucas vezes alcançou um nível tão sublime na história do cinema. 

Ouro: o amigo obsessivo. 

1º Harry Chegou para Ajudar (2000) Este foi o primeiro filme que assisti com Sergi López e me fez fã de seu trabalho. Ele interpreta Harold Balestoro, que reencontra um amigo do Ensino Médio e provoca uma reaproximação. Acontece que o Harry do título tinha uma verdadeira obsessão pelo amigo e ela se reacende. O diretor Dominik Moll usa referências hitchockianas para construir uma narrativa que evolui gradativamente e que depende muito da habilidade de Sergi transitar entre o simpático e o arrepiante em um personagem complicado de tão escorregadio. O filme rendeu ao espanhol o prêmio de melhor ator no Cesar (o Oscar francês) daquele ano e o colocou entre os melhores atores europeus de sua geração. Nascido em 1965, Sergi seque aos 60 anos ativo nas telonas. 

PL►Y: Sirât

Bruno e Sergi: leite de pedra. 

Confuso diáriw, pode me explicar como Sirât cravou sua indicação ao Oscar de melhor filme internacional no Oscar deste ano? Eu já sabia (devido as críticas de suas passagens em festivais) que dentre os cinco indicados ele era o filme mais controverso (mas sinceramente, não me importo com isso). Por aqui, o filme já recebeu uma antipatia bônus devido ao comentário infeliz do diretor Oliver Laxe sobre o Brasil ter muitos votantes no Oscar e, por isso ,qualquer coisa consegue ser indicada (oi? ele sabe quantos Oscars e indicações a Espanha já teve?). O comentário soa ainda mais irônico quando durante as quase duas horas de personagens vagando no deserto em seu filme eu me perguntei: onde está a história? O ponto de partida é um pai (Sergi López tirando leite de pedra), com o filho caçula (Bruno Núñez), chegando em uma rave no meio do deserto do Marrocos procurando pela filha desaparecida. Embalado por música eletrônica por uns vinte minutos, o exército chega e conduz a multidão para fora dali, mas um grupo foge pelo deserto. Seguindo pelo meio do nada, com comida e água escassas, eles passam por adversidades enquanto a Terceira Guerra Mundial se aproxima. As dificuldades do grupo só aumentam entre um cachorro que come excrementos com LSD e um trágico acidente. O cuidado com a estética não consegue disfarçar a falta de assunto e ausência de desenvolvimento dos personagens em um road movie que é uma verdadeira peregrinação (até para o público que não entende o objetivo da produção). Haja paciência para presenciar os acontecimentos ruins que recaem sobre o protagonista para fingir que existe um desenvolvimento de narrativa. O sentido do título (que na mitologia islâmica é uma ponte mais fina que um fio de cabelo e mais afiada que uma navalha situada sob o inferno) é muito mais interessante do que o filme em si. 

Sirât (Espanha - França / 2025) de Oliver Laxe com Sergi Lopez, Bruno Núñez, Steffania Gadda, Joshua Lian Henderson, Tonin Janvier e Jade Oukid. ☻

PL►Y: Kill Bill - Volume I e II

Uma: a Mamba Negra. 

Saudoso diáriw, recentemente chegou aos cinemas uma nova versão de Kill Bill em que a montagem transforma os dois volumes dos filmes de 2003 em apenas um, ou seja, faz o que Tarantino não conseguiu fazer na época do lançamento. A ideia da nova versão é costurar tudo com alguns extras e correlações entre fatos dos volumes de forma mais orgânica. Na época diziam que um filme representava o ocidente e o outro o oriente, talvez por isso tanta gente curta mais um do que o outro. Quentin Tarantino estava em baixa quando lançou a história da noiva com sede de vingança, ela após quase morreu no dia de seu casamento pelas mãos da mesma gangue de mercenários da qual fazia parte. Uma Thurman ganhou o papel mais famoso de sua carreira e foi até indicada ao Globo de Ouro pelo papel por viver a assassina de traje amarelo e hattori hanzo na mão. Tarantino fez a festa com sangue jorrando da tela, diálogos absurdos e cenas de ação elaboradas (algo até então inédito em sua carreira). A violência desenfreada o redimiu nas bilheterias depois que ele tentou ser mais sério em Jackie Brown (1997). A trama é um fiapo e puro pretexto para a plasticidade estética e a violência estilizada cheia de referências batidas no liquidificador pop do diretor. Não existe subtexto, reflexões intelectuais em torno da noiva, apenas uma trama de vingança, crua e cheia de cenas memoráveis para ficar na cabeça dos fãs. O encontro da noiva com cada um de seus algozes sempre rende algo interessante até o desfecho derradeiro em que o título se torna inevitável. O "I'm Gonna Kill Bill" só deve ser menos famoso do que o assobio de Daryl Hannah (de tapa olho) no corredor do hospital. Quentin disse que lançaria uma continuação da saga com uma nova vingança, mas acho que mudou e ideia já que criou para si a maldição de criar seu último filme em breve. 

Kill Bill - Volume I e II (Kill Bill - Vol I & II / EUA - 2003) de Quentin Tarantino com Uma Thurman, Lucy Liu, Michael Madsen, Daryl Hannah, David Carradine, Vivica A. Fox, Chiaki Kuryiama e Sonny Chiba. ☻☻☻

PL►Y: Lírios Não são Para Mim

Louis e Fionn: cura gay? 

Assustado diáriw, este filme foi bastante comentado quando começou  ser exibido no exterior, mas eu não fazia ideia de como um romance de época poderia servir de disfarce para um verdadeiro filme de terror. Acho bastante interessante quando utilizam os elementos do gênero para abordar preconceitos e acho que funciona muito bem quando o diretor sabe exatamente até onde ir . O diretor estreante Will Seefried me deixou um tanto perturbado ao levar a "cura gay" para uma instância, digamos, cirúrgica (sem trocadilhos). A trama se passa na Inglaterra de 1920 e acompanha Owen (Fionn O'Shea), um jovem que deseja se tornar escritor e está internado para tratar sua homossexualidade. É bom lembrar que até 1967 ser gay era considerado crime naquele país, portanto, ao vermos o relacionamento de Owen com o médico Phillip (Robert Aramayo) entendemos que ambos correm um risco grande de serem descobertos. Se Owen não apresenta problemas com sua sexualidade, o mesmo não pode se dizer do seu parceiro, já que acredita que uma cirurgia seja capaz de mudar seus desejos. Se a coisa fica estranha com Owen ajudando o moço a ser cobaia da própria teoria (argumentando que a mente dele não é gay, por saber que é errado, o problema está no corpo que é desobediente), a coisa piora ainda mais quando Charles (Louis Hofmann da série Dark) aparece caindo de amores por Owen. Com aquela estética de filme inglês bem produzido e com elenco competente, o filme se torna cada vez mais sufocante, instaurando uma atmosfera de thriller queer que prende a atenção e gera o incômodo necessário para imaginar o quão nocivo é o preconceito. De nada serve o final poético (alusão ao título) para mais um gay cinematográfico sofrido. Nada de bom pode nascer de uma mentalidade excludente. Já a sociedade insiste em seu próprio câncer preconceituoso. 

Lírios Não São Para Mim (Lilies Not For Me / 2024 - Reino Unido - França - EUA - África do Sul) de Will Seefried com Fionn O'Shea, Robert Aramayo, Erin Kellyman e Jodi Balfour. ☻☻☻☻

PL►Y: Thelma

June: caindo no golpe do telefone. 

Experiente diáriw, imagina que a June Squibb nasceu em Ilinois em 1929. Trabalhou no teatro por décadas e o cinema só abriu as portas para ela em 1985 em Simplesmente Alice (1990), embora tenha trabalhado em várias produções desde então, ela só foi reconhecida em 2013 por seu trabalho em Nebraska, que lhe rendeu uma indicação ao Oscar de atriz coadjuvante. Com uma energia impressionante, June se tornou um exemplo de que nunca é tarde para ter uma guinada na vida. Ciente de que nem sempre Hollywood lhe garantirá bons papéis, ela também assina a produção deste filme simpático Thelma, que poderia ter lhe rendido mais atenção nas premiações. Ela vive uma senhora que já passou dos 90 anos e recebe cuidados do neto (Fred Hechinger) após alguns problemas de saúde. Aplicada em aprender a lidar com tecnologia, ela fica indignada quando cai em um golpe e perde dez mil dólares acreditando que seu neto foi preso. Quando todos acreditam que tudo está resolvido, Thelma permanece indignada e pretende reaver a quantia. Ela parte então em busca de quem enganou encontrando velhos conhecidos pelo caminho e um sujeito amargo no desfecho. O melhor de Thelma é a forma como aborda com muito bom humor a postura de idosos diante da vida, os diálogos despretensiosos, a recusa da mente em lidar com um corpo que envelheceu e uma certa teimosia em perceber que sozinho a vida é mais complicada. Escrito e dirigido por Josh Margolin, o filme é uma daquelas produções que agradam sem fazer esforço com seu jeito despretensioso. O elenco de apoio está em plena sintonia e o roteiro tem ótimas sacadas, mas o que chama ainda mais atenção aqui é o olhar carinhoso sobre a protagonista que é valorizada pela atuação irresistível de June. 

Thelma (EUA-2024) de Josh Margolin com June Squibb, Fred Hechinger, Parker Posey, Clar Greg, Richard Roundtree, David Giuliani e Malcolm McDowell. ☻☻☻

.Doc: Celulóide Secreto

James e Sal: nas entrelinhas. 

Censurado diáriw, ainda lembro quando Celulóide Secreto chegou nos cinemas em 1995 e se tornou um dos documentários mais comentados daquela década. Com base no livro de Vitto Russo, o filme aborda como Hollywood lidou com a homossexualidade por muito tempo. Da forma como personagens homossexuais eram presentes de forma cômica no início do século XX (desde o cinema mudo), mas que com a censura décadas depois, mesmo este aspecto precisou ficar restrito às entrelinhas em clássicos como Rebecca (1944), Festim Diabólico (1948), Juventude Transviada (1955) e Ben-Hur (1959), ou aparecendo de forma um tanto mais sugestiva em clássicos esquecidos como Infâmia (1961). No geral, personagens queer eram (!?) punidos no desfecho após vivenciarem seus desejos com muita culpa. É engraçado ver Os Rapazes da Banda (1970) sendo revisto sentindo-se culpado em seu sarcasmo, como se não espelhasse o retrato de um tempo vindo de tanta censura, para depois Cabaret (1972) retratar homossexualidade com mais naturalidade (vale lembrar que levou o Oscar de melhor filme daquele ano) antes de toda uma onda de filmes violentos sobre o mundo queer (Parceiros da Noite/1980 que o diga). Interessante ver que nos anos 1990 houve uma mudança neste olhar que chegou ao mainstream, ainda que carregando marcas do passado como em  Tomates Verdes Fritos (1991), Filadelfia (1993) e até Priscila - A Rainha do Deserto (1994). Entre entrevistas, trechos de filmes e estrelas que se tornaram ícones gays no futuro, o legal  é ver como os roteiristas de diversos tempos lidam com o preconceito para retratar uma parcela do público (incluindo a si mesmos) e "agradar" a outra. Você jamais verá os clássicos do cinema do mesmo jeito. 

Celulóide Seccreto (The Celluloid Closet / EUA - Reino Unido - França - Alemanha / 1995) de Rob Epstein e Jeffrey Friedman com entrevistas com Lilly Tomlin, Shirley MacLaine, Tom Hanks, Whoopi Goldberg, Susan Sarandon, Tony Curtis, Harvey Fierstein e Gore Vidal. ☻☻☻☻

Pódio: Gwyneth Paltrow

Bronze: a noiva desconfiada.

3º O Talentoso Ripley (1999) filha da atriz Blythe Danner e do produtor/diretor Bruce Paltrow, Gwyneth estava com todos os holofotes voltados para ela após o Oscar de melhor atriz (aquele mesmo roubado da Fernanda Montenegro e que virou peso de porta) quando apareceu na telona como Maggie - a namorada do milionário Dickie Greenleaf (Jude Law) que percebe ter algo de muito errado com o Tom Ripley (Matt Damon). Considero a performance aqui melhor do que a que lhe rendeu o Oscar por Shakespeare Apaixonado/1998 (que está fora da lista porque ela nunca me convenceu com aquele bigodinho). Passando de mulher apaixonada à iludida, desconfiada e incompreendida ela está muito competente no papel. 

Prata: a prodígio perdida. 

2º Os Excêntricos Tenenbaums (2001) Gwyneth já estava um tanto desanimada com a vida pós-Oscar, afinal, ninguém se torna a oscarizada mais jovem da categoria impunemente. Talvez por isso, ela tenha vivido Margot Tenenbaum com tanta desenvoltura. A menina prodígio que se torna uma menina complicada, casada com o terapeuta e apaixonada pelo irmão tem aquele estilo contido que Wes Anderson sabia imprimir tão bem aos seus personagens, a diferença é que Gwyneth imprime um calor à personagem que nunca está permitido de vir à tona. Com seu dedo de madeira e figurino que a tornou ícone fashion, Margot quase garantiu a medalha de ouro. Ainda lembro a decepção da atriz quando ela mesma anunciou o Oscar de roteiro original e viu os Tenenbaums perderem para Gosford Park. 

Ouro: a patricinha inglesa

1º Emma (1996) Sei que existe muito hate em torno de Gwyneth Paltrow, seja por sua empresa de produtos malucos, das pataquadas que ela diz em entrevista ou por conta da Fernandona mesmo, o fato é que houve um momento em que ela era uma jovem atriz promissora. O ponto de virada em sua carreira foi com esta adaptação do clássico de Jane Austen. Na pele da heroína imperfeita, Gwyneth personifica ao mesmo tempo a graça e a arrogância de uma personagem que domina com perfeição a casca de convenções sociais de seu tempo, mas que precisa descobrir sua própria leitura do mundo que a cerca. Embora muitos a achem sem sal, Gwyneth tinha 23 anos durante as filmagens e empresta muito de seus sonhos e ambições à Emma.  

PL►Y: Marty Supreme

Chalamet: foi por pouco...

Frenético diáriw, 2025 marcou a separação dos irmãos Josh e Ben Safdie após o sucesso de Bom Comportamento (2017). Cada um lançou seu filme para temporada a prêmios e restava saber a repercussão dos respectivos trabalhos, se Bem tinha o marketing de The Rock com (o fiasco) Coração de Lutador, Josh tinha Thimothée Chalamet rumo à terceira indicação (e doido para levar desta vez). Desde que estreou, Marty Supreme caiu nas graças da crítica e das premiações, muito por conta da forma surpreendente como conta a história de um rapaz obstinado a se tornar um campeão de tênis de mesa nos anos 1950. Marty Mauser (Chalamet) que também assina a produção ganha a vida vendendo sapatos, mas deseja ser algo mais, só que sua habilidade em se meter em encrencas só perde para sua total falta de escrúpulos para vencer na vida. Ele faz tantos trambiques, passa tanta gente para trás e cai em humilhações variáveis que o roteiro surpreende pela habilidade pop como conta esta história (embalada por hits dos anos 1980 e uma edição moderninha). Josh filma como se estivesse nos anos da nova Hollywood de 1970! É tudo tão visceral que você até esquece a inspiração em uma figura real, o jogador Marty Reisman (1946-2002) que empresta muito do folclore em torno de sua persona para a construção do roteiro. O elenco é espetacular e Chalamet bem que poderia ter levado a estatueta de melhor ator se sossegasse um cadinho. O rapaz parece um furacão que drena a vida de quem cruzar seu caminho, seja a vizinha Rachel (a ótima Odessa A'Zion), a estrela Kay Stone (Gwyneth Paltrow voltando às telas) ou o criminoso Ezra Mishkin (um assustador Abel Ferrara). Indicado a nove Oscars (e levando nenhum), foi merecidamente um dos destaques do ano passado. 

Marty Supreme (EUA - 2025) de Josh Safdie com Thimothée Chalamet, Odessa A'Zion, Gwyneth Paltrow, Abel Ferrara, Fran Drescher, Emory Cohen, Luke Manley, George Gervin e Sandra Bernhard. ☻☻☻☻

PL►Y: A Longa Marcha

David e Cooper: andar e surtar . 

Relutante diáriw, confesso que eu estava com preguiça de assistir A Longa Marcha. O que fez a diferença foi a recomendação de minha amiga Morgana, que me fez perceber que o filme era mais do que um bando de garotos caminhando mais de uma hora e meia diante da câmera. O fato de ter sido o primeiro livro escrito por Stephen King (nos tempos em que estava no primeiro ano da faculdade, embora só tenha sido lançado após o sucesso editorial de Carrie), traz para a trama uma atmosfera curiosa por conta da alegoria que um jovem dos EUA concebia na década de 1960. A contracultura já existia e deixa a história mais interessante. A trama é sobre um grupo de rapazes que são sorteados, para representar cada um o seu estado em uma longa caminhada que pode render a um deles uma fortuna capaz de mudar suas vidas em um país em tempos de crise. O grupo é escoltado por tanques e militares que são liderados por um autoritário major. Ao longo da caminhada as infrações geram advertências e se ultrapassar o número de infrações aceitáveis, você leva um tiro na cabeça. Durante a caminhada conhecemos um pouco mais sobre os personagens, com destaque para o solitário Peter (David Jonsson) e Garrett (Cooper Hoffman), que recebeu do pai uma educação... diferente e que possui um plano a realizar. Francis Lawrence traz para cá um pouco a atmosfera que utilizou em Jogos Vorazes (2013) em escala intimista e segura a longa caminhada com ângulos variados, montagem ágil e um grupo de atores dispostos a valorizar os diálogos e as surpresas que situam o espectador naquele universo que, embora absurdo, remete a situações atuais (o que valoriza ainda mais a criatividade de King). Se você entrar no clima, pode agradar. A empreitada valeu ao filme o prêmio Robert Altman no último Independent Spirit Awards. 

A Longa Marcha (The Long Walk / EUA -2025) de Francis Lawrence com Cooper Hoffman, David Jonsson, Mark Hamill, Judy Greer, Charlie Pummer, Garrett Wareign, Ben Wang, Joshua Odjick, Jordan Gonzalez e Roman Griffin Davis. ☻☻☻

Na Tela: O Drama

Os noivos: fantasmas do passado. 

Comprometido diáriw, assisti O Drama não por ter nos créditos Robert Pattinson ou Zendaya, mas pela assinatura de Kristoffer Borgli na direção. Depois de ter assistido os dois filmes anteriores do norueguês  (Doente de Mim Mesma/2022 e O Homem dos Sonhos/2023 ambos citados em meus top10 de seus respectivos anos), era inevitável que seu novo projeto despertasse minha curiosidade. O filme conta a história de Emma (Zendaya) e Charlie (Pattinson), os dois se conhecem no maior clima de comédia romântica fofinha e três anos se passam até que resolvem se casar. Eis que uma noite junto a um casal de amigos, resolvem brincar de contar o que já fizeram de mais assustador em suas vidas e o horror paira sobre o que Emma planejou fazer quando era adolescente, mas (para o bem de todos) acabou desistindo. A confissão cai como uma bomba entre o quarteto - e a madrinha Rachel (Alana Haim), que se considera a pessoa mais evoluída da Terra (mesmo tendo confessado uma ação horrenda que praticou contra um menino) resolve execrar Emma. Paira então sobre Charlie o medo de não conhecer a mulher com quem irá se casar. Toda a imagem de mulher doce se desfaz e no lugar disso, paira infinitas desconfianças e inseguranças. Quem conhece o diretor sabe que ele ama um desconforto carregado de um humor maldoso, o que funciona como um tempero diferencial na estrutura do que seria uma comédia romântica. Adorei como Emma recebe um alvo na testa e serve de pretexto para todos errarem em torno dela.  O elenco está ótimo  e valoriza ainda mais as entrelinhas do roteiro que flerta com temas como cancelamento, hipocrisias, mídia, engajamento, militância, lacração e principalmente a necessidade de se reinventar para sobreviver (e sim, a cena final é sobre isso). 

O Drama (The Drama / EUA - 2026) de Kristoffer Borgli com Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, Hailey Gates, Jordyn Curet, Michael Abbott Jr e Sydney Lemon. ☻☻☻☻

PL►Y: Arco

Arco e Íris: retrofuturismo. 

Colorido diáriw, todo ano uma animação alternativa consegue uma vaga entre os indicados a melhor animação no Oscar, este ano a vaga ficou com o francês Arco dirigido por Ugo Bienvenu. Eu tenho uma tendência a gostar mais destes indicados "diferentões" do que os que levam a estatueta (e o motivo por não ter uma resenha por aqui de Guerreiras do gay K-Pop é que não aguentei ver mais de dez minutos do filme da Netflix). O ponto de partida já desperta interesse: e se o arco-íris for na verdade o rastro de um viajante no tempo? Com um visual retrofuturista, o filme conta a história de Arco, um menino do ano 3000, filho de viajantes no tempo que desobedece a regra de só poder viajar no tempo após os doze anos. Inexperiente e doido para ver dinossauros, ele acaba no ano de 2075. Ali, ele conhece a menina Íris, que tenta lhe ajudar a voltar para casa. Conciliando uma história de aventura enquanto costura uma bela amizade, o filme se torna encantador conforme um certo estranhamento se desfaz. Vale destacar que a amizade não fica restrita às duas crianças, mas se amplia ao trio de adultos que perseguem Arco e que estão longe de ser os vilões da história. O trio surpreende por ser composto por crianças crescidas que não perderam a capacidade de enxergar a possibilidade de fantasia no mundo depois de adultos. Não deixa de ser interessante como o filme apresenta o futuro habitado por Arco como algo idílico, mas de Íris como ameaçador - mas o destaque são as salas de aula cheias de hologramas (que junto à biblioteca fechada e as viagens no tempo, traçam uma perspectiva bem interessante sobre nossa relação com o passado, presente e futuro). Com belos momentos  e um estilo que lembra muito as criações do Estúdio Ghibli, Arco é uma animação com mais a propor do que correria e gritaria para crianças e adultos. 

Arco (França - EUA - Reino Unido / 2025) de Ugo Bienvenu com vozes de Margot Ringard Odra, Oscar Tresanini, Nathanaël Perrot, Alma Jodorowsky, Louis Garrell e Vincent Macaigne. ☻☻☻☻

FESTIVAL DE CANNES 2026

Finalmente foi divulgada a seleção oficial do Festival de Cannes de 2026! Acho que nem precisa dizer que Cannes se confirmou cada vez mais como o maior Festival de Cinema do mundo, já que os filmes selecionados costumam ser comentados ao longo de todo ano! Basta ver os selecionados (seja na competição ou nas mostras paralelas) para apostar em quem dará o que falar ao longo do ano (e nem precisa ganhar o prêmio principal para isso). A programação conta com filmes novos de Almodóvar, Nicolas Winding Refn, Ira Sachs, Ryûsuke Hamaguchi, Agnès Jaoui, Asghar Farhadi, Paweł Pawlikowski, Hirokazu Koreeda, Lukas Dhont e o que dizer de ter o novo filme de Jane Schoenbrun como filme de abertura? Um deleite para os cinéfilos. A seguir os filmes selecionados para o Festival:

EM COMPETIÇÃO

Minotaur / Andrey Zvyagintsev

El ser querido / Rodrigo Sorogoyen

The Man I Love / Ira Sachs

Fatherland / Paweł Pawlikowski

Moulin / László Nemes

Histoires de la nuit / Léa Mysius

Fjord / Cristian Mungiu

Notre Salut / Emmanuel Marre

Gentle Monster / Marie Kreutzer

Nagi Notes / Hiroshi Fukada

Hope / Na Hong-jin

Sheep in the Box / Hirokazu Koreeda

The Unknown / Arthur Harari

All of a Sudden / Ryûsuke Hamaguchi

The Dreamed Adventure / Valeska Grisebach

Coward / Lukas Dhont

The Black Ball / Javier Ambrossi and Javier Calvo

Life of a Woman / Charline Bourgeois-Taquet

Parallel Tales / Asghar Farhadi

Natal Amargo / Pedro Almodóvar

FORA DE COMPETIÇÃO

Her Private Hell / Nicolas Winding Refn

L’Abandon / Vincent Garenq

L’objet du délit / Agnès Jaoui

La bataille de Gaulle: L’âge de fer / Antonin Baudry

Karma / Guillaume Canet

The Electric Kiss / Pierre Salvadori (Filme de Abertura)

Diamond / Andy Garcia

UM CERTO OLHAR

All the Lovers in the Night / Yukiko Sode

Teenage Sex and Death at Camp Miasma / Jane Schoenbrun

Everytime / Sandra Wollner

Club Kid / Jordan Firstman

I’ll Be Gone in June / Katharina Rivilis

Yesterday the Eye Didn’t Sleep / Rakan Mayasi

The Meltdown / Manuela Martelli

Elephants in the Fog / Abinash Bikram Shah

Iron Boy / Louis Clichy

Ben’imana / Marie-Clémentine Dusabejambo

Congo Boy / Rafiki Farial

Uļa / Viesturs Kairišs

Strawberries / Laïla Marrakchi

Forever Your Maternal Animal / Valentina Maurel

Words of Love / Rudi Rosenberg

CANNES PREMIERE

Visitation / Volker Schlöndorff

Propeller One-Way Night Coach / John Travolta

Kokurojo: The Samurai and the Prisoner / Kiyoshi Kurosawa

The Third Night / Daniel Auteuil

The Match / Juan Cabral e Santiago Franco

PL►Y: À Paisana

Tom e Russell: de aparências.

Censurado diáriw, de vez em quando um filme de temática queer ganha os holofotes no exterior e gera expectativa no público ao redor do mundo. Neste início de ano, este espaço foi ocupado por À Paisana, longa estrelado por Russell Tovey, um ator assumidamente gay e que já apareceu em várias produções sob a temática. No filme ele interpreta Andrew, um homem maduro que costuma ter encontros sexuais em um shopping da cidade. O shopping aliás deve ser o point de pegação mais manjado dali, já que tem até um policial disfarçado para atrair e deter homossexuais que usam o banheiro para outros fins. O policial em questão é Lucas (Tom Blyth), que de início tem naquela missão uma forma de sentir-se desejado por outros homens, já que é incapaz de assumir que não é hétero para a namorada ou família. A coisa se torna um tanto mais complicada quando ele sente forte atração por Andrew. Os dois vão se encontrar alguma vezes e descobrir que são mais parecidos do que imaginam na repressão dos desejos e lidar com uma vida de aparências. Resta saber quem irá resistir mais tempo para não deixar tudo desmoronar. Os atores estão bem em cena e o roteiro é simples, mas eficiente em suas intenções. A montagem escorrega um pouquinho quando recorta a narrativa com cenas granuladas um tanto picotadas.. A diretora Carmem Emini também escreveu o roteiro e demonstra sensibilidade na condução dos conflitos dos personagens, reservando ao menos uma cena picante para os dois amantes. Com duas reviravoltas no meio do caminho, ela consegue conduzir o desfecho para o limite de um personagem que percebe que se não tomar as rédeas de seus desejos, perdera o rumo da própria vida. Destaque para a carta (quase um testamento) e o título em alusão ao estilo discreto, praticamente camuflado de ambos. 

À Paisana (Painclothes / EUA - Reino Unido / 2025) de Carmen Emmi com Tom Blyth, Russell Tovey, Maria Dizzia, Christian Cooke, Gabe Fazio e Amy Forsyth. ☻☻☻

PL►Y: Sorry, Baby

Eva: estreia promissora.

Promissor diáriw, vale a pena registrar o nome de Eva Victor como alguém para se ficar de olho nos próximos anos. A atriz fez sua estreia como diretora com Sorry, Baby e foi lembrada na categoria de melhor atriz em várias premiações independentes e até no Globo de Ouro. No filme, ela dirige, atua e assina o roteiro (que esteve até cotado para o Oscar). Ela vive Agnes (Eva Victor), uma professora e estudante de literatura que está prestes a terminar sua tese. Sua vida seguiria normalmente entre as responsabilidades e as conversas com a amiga Lydie (Naomie Ackie), até que um dia ela vivencia uma situação de abuso sexual com seu orientador. O roteiro de Eva retira tudo que há de apelativo nisso e está mais preocupado nos sentimentos de sua personagem perante a situação e, com isso, subverte expectativas. Agnes prefere tentar superar o trauma e seguir a vida, embora toda a situação se complique enquanto tenta superar o acontecido. Seja nos momentos em que aquela ferida precisa ser tocada (como no momento em que está prestes a se tornar jurada, quando tenta investir em um relacionamento amoroso ou quando alguém menciona o nome de seu abusador) ou quando reflete sobre a vida. Narrado em episódios ambientados um ano após o outro, Sorry, Baby evolui sem grandes explosões emocionais ou maiores surpresas. Pode ser visto como um filme de superação intimista, com as maiores alterações ocorrendo no interior da personagem defendida de forma bastante realista pela diretora. O elenco de apoio também ajuda bastante, especialmente Naomie e Lucas Hedges (estava com saudade dele) no papel de um vizinho que deseja ser algo mais. Mesmo com toda sinceridade impressa na produção, um desfecho mais elaborado fez falta. 

Sorry Baby (EUA-2026) de Eva Victor com Eva Victor, Naomie Ackie, Lucas Hedges, Kellu McKormack, Louis Cancelmi, John Carroll Lynch e Jordan Mendoza. ☻☻☻ 

Pódio: Selton Mello

Bronze: o palhaço em crise.

3º O Palhaço (2011) o mineiro Selton Mello estreou como ator aos oito anos de idade na novela Dona Santa (1981) da Bandeirantes e desde então acumulou trabalhos que o fizeram ser um dos raros casos de artista mirim que continua a carreira sem maiores percalços na vida adulta. Consagrado no teatro, na televisão e no cinema, ele também investiu na carreira de roteirista e cineasta. Entre seus trabalhos como diretor, merece destaque seu trabalho como o protagonista Benjamin, que é filho de palhaço (vivido por Paulo José), que cresceu num circo, mas que entra em crise com a profissão que o destino teima em lhe reservar. Um trabalho bastante sutil e discreto que lhe valeu o GP Cinema Brasil de melhor ator e diretor. O longa também foi considerado o melhor filme daquele ano. 

Prata: O homem estranho

2º O Cheiro do Ralo (2006) Selton tem tantos trabalhos interessantes no cinema e na TV que fica até difícil escolher somente três (e justo por ser concebido originalmente para a TV que o Chicó do Auto da Compadecida/2000 ficou de fora). Transitando com maestria entre a comédia e o drama, o papel de Lourenço neste filme de Heitor Dhalia lhe caiu como uma luva. O humor bastante peculiar do personagem cheio de manias se tornou um dos grandes destaques da carreira do ator na pele de um sujeito dono de uma loja de empenhos e que realiza jogos de poder bastante cruéis com quem lhe procura. O roteiro adaptado da obra de Lourenço Mutarelli é um verdadeiro achado e recebeu vários prêmios. 

Ouro: O filho pródigo 

1º Lavoura Arcaica (20001) Eu sei que provavelmente você tem outros papéis favoritos do Selton para lembrar, seja do cinema com o oscarizado Ainda Estou Aqui (2024) ou na televisão por seus trabalhos impecáveis como na minissérie Ligações Perigosas (2016), mas eu ainda considero o trabalho dele nesta adaptação de Luiz Fernando Carvalho para a obra de Raduan Nassar um verdadeiro divisor de águas na carreira do ator. André (Selton) é um jovem que abandona a vida ao lado de sua família no interior para buscar outros caminhos. O que seria uma analogia sobre a parábola do filho pródigo recebe outras camadas quando ele retorna para casa dos pais e temas como autoritarismo, rigidez moral e incesto entram em choque em um dos filme mais densos do cinema brasileiro. Um clássico. 

PL►Y: Enterre seus Mortos

Selton: no fim dos tempos. 

Apocalíptico diáriw, o cineasta Marco Dutra assina um dos meus filmes de terror favoritos, Quando eu Era Vivo (2014) e tem em seu currículo outros filme muito interessantes. Não é novidade que ele é apaixonado por histórias de terror e posso dizer que sua assinatura sempre me deixa curioso. Confesso que fiquei um tanto decepcionado com sua nova obra: Enterre seus Mortos que é baseado o livro de Ana Paula Maia. A trama é ambientada em um período em que o fim do mundo se aproxima. Entre chuva de pedras, céu vermelho e uma nova religião que promete a salvação no fim dos tempos, existem crianças enviadas para ilhas de isolamento e uma síndrome que ninguém sabe explicar de onde veio. Nestes tempos sombrios, temos Edgar (Selton Mello), um homem calado e com traumas no passado que trabalha com resgate de animais mortos nas estradas. Ele tem como colega de trabalho o padre excomungado Tomás (Danilo Grangheia) e tem um caso com sua chefe Nete (Marjorie Estiano). Todos vivem na cidade de Abalurdes, que virou cenário de situações tão estranhas quanto os pesadelos de Edgar. São tantos elementos para lidar que o filme se tornou bastante confuso. Antes houvesse se concentrado nos fantasmas pessoais de Edgar, que só se revelam mesmo perto do final. Tomás também tem os seus demônios para exorcizar, mas nem teve tempo com o desfecho que seu personagem recebe. Com seus personagens destinados à danação, o filme é ambicioso com seus diálogos em atrito e abraça uma estética de filme B, mas faltou foco na trama ambientada em um universo bastante rico e particular.  Tive a impressão que ficaria melhor se fosse uma minissérie. 

Enterre Seus Mortos (Brasil - 2025) de Marco Dutra com Selton Mello, Marjorie Estiano, Danilo Grangheia, Betty Faria, Maria Manoella e Gilda Nomacce. ☻☻

PL►Y: A Única Saída

Lee: por um lugar ao sol. 

Desesperado diáriw, quando ouvi a história do sul coreano No Other Choice pela primeira vez eu lembrei imediatamente de O Corte (2005) do diretor Costa Gravas e para zero surpresa os dois filmes são baseados no mesmo livro de Joy Collins, no entanto o tratamento narrativo das adaptações cinematográficas são bastante distintas e merecem ser conferidas. Park Chan Wook visivelmente se diverte com as tintas mais absurdas da história do homem que depois de passar anos se dedicando à uma empresa fabricante de papel é mandado embora sem muita cerimonia e decide se livrar de todos os seus possíveis concorrentes a conseguir um novo emprego. Wook é cheio de estilo na composição das cenas, capricha nos ângulos, nas cores na trilha sonora, na montagem e constrói um filme envolvente com a ajuda de um elenco afiado, sobretudo Lee Byung-hun na pele de Yo Man-Soo (que foi indicado ao Globo de Ouro pelo papel) que consegue explorar as nuances mais secretas da alma mundana de seu personagem (seja na frieza, nas dúvidas, nas incertezas ou nas piadas fora de hora). Ele é seguido de perto por Son Ye-jin na pele da esposa que percebe que algo está errado (mas não sabe se vale a pena mudar de direção). Nesta alegoria sobre a selvageria de um mundo capitalista com cada vez menos empregos e custo de vida cada vez mais alto, o filme nem se inibe em deixar claro que no o final da grande maioria será igual dos oponentes de Man-Soo. Um filme esperto e elogiado, mas que seguiu a sina de deixar Park Chan-Wook fora do Oscar de novo. Será que a Academia achou tudo muito ácido? Já está no meu top10 do ano. 

A Única Saída (Eojjeolsugaeopda Eobsda/ Coreia do Sul - França / 2025) de Park Chan-Wook com Lee Byunh-hun, Son Ye-jin, Woo Seung Kim, So Yul Choi, Par Hee-soon, Yeom Hye-ran, Oh Dal-su e Cha Seung-won. ☻☻☻☻