HIGH FI✌E: Maio

 Cinco filmes assistidos durante o mês que merecem destaque:

"A Menina Silenciosa" de Colm Bairéan

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"Guardiões da Galáxia - Vol3" de James Gunn

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"O Globo de Prata" de Andrzej Zulawski

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"O Garoto que Come Alpiste" de Ektoras Lygizos

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"Undine" de Christian Petzold

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PREMIADOS FESTIVAL DE CANNES 2023

Anatomia de Uma Queda: O grande premiado de Cannes2023.

Depois de duas semanas de muitas novidades para o cinema de 2023, chegou ao fim o 76º Festival de Cannes. Se Zona de Interesse era apontado como o grande favorito pelo seu estilo único de apresentar o holocausto pela ótica dos vizinhos de Auschwitz, foi Anatomia de uma Queda que levou a Palma de Ouro para a casa (além do sempre simpático Palm Dog para o cãozinho mais expressivo dessa edição do Festival). A trama sobre os fragmentos de uma investigação agradou o júri capitaneado por Ruben Östlund e fez história ao fazer de Justine Triet a terceira cineasta a levar o prêmio máximo do Festival para a casa. Os dois filmes devem se confrontar novamente nas premiações de fim de ano na categoria de filme estrangeiro e fazer barulho no Oscar do próximo ano. Quem também levou o prêmio para casa foi um dos filmes brasileiros presentes no Festival, "A Flor do Buriti" com seu retrato de resistência dos povos originários do Tocantins, um triunfo que deve lhe dar fôlego para nomeações futuras. 

Palma de Ouro

"Anatomia de uma Queda" de Justine Triet

Grande Prêmio

"A Zona de Interesse" de Jonathan Glazer

Prêmio do Realizador

"La Passion de Dodin Bouffant" de Trần Anh Hùng

Prêmio do Júri

"Les Feuilles Mortes" de Aki Kaurismäki

Melhor Atriz

Merve Dizdar por "Les Herbes Sèches"

Melhor Ator

Koji Koji Yakusho por "Perfect Days"

Caméra d'or

"The Golden Butterfly Tree" de An Pham Thien

Prêmio de Roteiro

"Monster" de Hirokazu Kore-Eda

Palma de Ouro para Curta-Metragem

"27" de Flora Ana Buda

Menção especial para a curta-metragem

"Fár" de Gunnur Martinsdóttir Schlüter

Un Certain Regard

"A Flor do Buriti" de João Salaviza e Renée Nader Messora

Prêmio Ecumênico

"Perfect Days" de Win Wenders

Queer Palm

"Monster" de Hirokazu Kore-Eda

Prêmio da Cidadania

"As filhas de Olfa" de  Kaouther Ben Hania

Menção Especial da Cidadania

"Juventude" de Wang Bing

Palme Dog

Snoop, o border collie de "Anatomia de Uma Queda" 

4EVER: Tina Turner

 

26 de novembro de 1939 ✰ 24 de maio de 2023

Anna Mae Bullock nasceu no Tennessee (EUA) e viveu em uma comunidade rural junto aos seus pais e suas duas irmãs mais velhas. Ainda menina, ela começou a se aproximar do coral da igreja. Em alguns períodos de sua vida, Anna morou com seus avós e trabalhou como empregada doméstica e auxiliar de enfermagem. Nos anos 1950, começou a frequentar clubes noturnos e conheceu Ike Turner, tendo interesse em cantar em sua banda. Nascia a dupla Ike e Tina Turner. Os dois acabaram se casando e tendo um relacionamento tempestuosos, marcado pelo comportamento abusivo de Ike. O pedido de divórcio aconteceu em 1976 e a cantora já havia lançado dois álbuns de sua carreira solo, tendo até concorrido ao Grammy. Com o álbum Private Dancer (1983), Tina Turner renasceu para o público com uma energia invejável. Se tornou um furacão de hits, shows lotados, vendas impressionantes e prêmios. Influenciada pelo Rock, a artista se tornou um ícone da música e se aventurou no cinema em filmes como Tommy (1975), Mad Max: Além da Cúpula do Trovão (1985) e O Último Grande Herói (1993), além de documentários e programas de TV. Sua história foi contada no filme Tina (1993) estrelado por Angela Bassett e no recente documentário de mesmo nome que está em cartaz no HBOMax. Recentemente a cantora comentou que queria ser lembrada como Rainha do Rock. A causa da morte não foi revelada. 

PL►Y: O Cavalo de Turim

 

O cavalo e seus donos: a monotonia da vida. 

Em 3 de janeiro de 1889, ao ver um cavalo ser açoitado violentamente,  filósofo Friederich Nietsche se jogou na frente da carroça, abraçou o cavalo e chorou copiosamente. Levado para casa, Nietsche ficou em silêncio por dois dias. Sobre o cavalo, nada sabemos. Desta história peculiar nasceu a inspiração do cineasta húngaro Béla Tarr realizar O Cavalo de Turim (ao lado de sua parceira regular Ágnes Hranitzky), filme que anunciou ser seu último trabalho como cineasta, uma vez que ao finaliza-lo considerou não haver mais nada de novo a que fazer em sua carreira como diretor (mas seis anos depois ele lançou um curta-metragem e em 2019 um longa a ser exibido somente em museus). Ironicamente, este é o primeiro trabalho do diretor que assisti. Eu estava plenamente alertado que suas narrativas são bem lentas (ou slow cinema como se torna mais usual). Também sabia que ele ama longos planos, que evita cortes ao máximo possível e sempre filma em preto e branco. Todos estes recursos ajudam a compor o universo do cineasta e a atração que seu cinema causa nos seus fãs. O ritmo da narrativa é ditado pelas ações cotidianas dos personagens, que aparentemente não fazem nada demais, mas revelam a angústia diária de algo que se repete até que o fim se aproxime. Esta ideia de fim confere algo de apocalíptico a Cavalo de Turim, já que desde a magnífica cena de abertura vemos o fazendeiro (János Derzsi) em sua charrete indo para casa desafiando uma ventania incontrolável que desafia a resistência de seu cavalo. É tanta poeira, secura e folhas caídas que somos logo imersos naquele mundo árduo embalado pela trilha sonora pesarosa de Mihály Vig. Dali em diante vemos a rotina do fazendeiro e sua filha (Erica Bók) quase em isolamento completo na casa em que vivem. Tarr passa a maior parte do filme seguindo os personagens num ritmo hipnótico e imersivo (aconselho ver o filme no escuro para ampliar este efeito). A câmera faz o espectador ser absorvido por aqueles ambientes, se incomodar com o som constante dos ventos numa ameaça incessante e a espera de que  algo ruim acontecerá - e a chegada de um vizinho anunciando que a cidade próxima está em ruínas só amplia isso. Você deve estar se perguntando: e o cavalo? O cavalo fica em seu estábulo. Velho. Ferido. Cansado. Como uma espécie de metáfora à existência dos próprios personagens , que tentam prosseguir em seus dias perante o destino inevitável. Ainda que o filme avance em suas repetições, Tarr filma a rotina de personagens de forma diferenciada a cada dia, com uma câmera elegante que os segue dentro de casa, caminhando até o poço, retornando para dentro da casa e sentando à mesa. É um cinema quase sem diálogos, atento aos detalhes e à construção de uma atmosfera densa. A forma como o diretor trata aquelas situações de forma tão solene faz com que se torne uma experiência que maximiza o que podemos considerar pequeno e trivial. Vendo a força das imagens que Tarr evocam, fica fácil entender suas comparações com Tarkovsky (embora seu estilo seja ainda mais radical) e a admiração que produz em cineastas como Gus Van Sant. Por colocar a força das imagens acima dos diálogos, o filme pode se tornar um programa árduo para alguns espectadores, mas é capaz de impressionar os que se aventurarem em por este universo cinzento e singular. Quando perguntaram ao diretor sobre o que era O Cavalo de Turim, Tarr respondeu que é sobre “o peso da existência humana, a dificuldade da vida diária e a monotonia da vida”, ao terminar o filme seu só pensava que ninguém conseguiria traduzir essas sensações angustiantes em imagens de forma tão especial quanto Béla Tarr. 

O Cavalo de Turim (A Turinói Ló / Hungria - França - Alemanha - Suíça /2011) de Béla Tarr com János Derzsi, Erica Bók, Ricsi, Mihály Ráday e Mihály Kormos. ☻☻☻☻

PL►Y: O Pior Vizinho do Mundo

 

Hanks: nem tão pior do mundo assim. 

O sueco Um Homem Chamado Ove (2015) foi indicado ao Oscar de filme estrangeiro e foi um dos meus longas favoritos do ano em que foi lançado por aqui. A mistura de drama e comédia sobre um homem ranzinza que escondia seu bom coração debaixo das tristezas por suas perdas rendeu um filme que consegue ser comovente com pitadas de humor um tantinho obscuro. Diante do sucesso, Hollywood logo providenciou sua versão em língua inglesa capitaneada por Tom Hanks e sua produtora (a Playtone). O responsável pela nova adaptação do best seller europeu de Frederick Backma é Marc Foster em seu profissionalismo de entregar o melhor com o que lhe pedem. A trama permanece a mesma do filme sueco, a diferença está em algumas situações e a forma como o diretor ordena as cenas, sobretudo as referentes ao passado do personagem. Aqui, Ove se chama Otto (Tom Hanks) um senhor um tanto rabugento que acaba de se aposentar. Na festa de despedida nota-se que ele não é um sujeito muito fácil e sua vizinhança também conhece bem seu temperamento. Viúvo e sem filhos, Otto não vê muito sentido na vida, mas sempre que arma uma estratégia para acabar com ela, algo acontece para impedir - principalmente por conta da nova vizinha, Marisol (Mariana Treviño) que acaba de se mudar para perto dali com o marido (Manual Garcia-Rulfo) e as duas filhas pequenas. Embora Otto a trate com sua rispidez habitual, aos poucos Marisol e os demais vizinhos conseguem fazer Otto perceber como ter amigos pode ser melhor do que ele imagina. Assim como no filme sueco o elenco de apoio é bastante eficiente ao encarnar tipos comuns, mas bastante particulares que ajudam a mostrar outras camadas do protagonista. É importante lembrar que de vez em quando Tom Hanks se aventura por um papel diferente dos tipos simpáticos que costuma interpretar e vê-lo na pele de Otto só ressalta a obviedade de que o personagem é um bom sujeito, por mais que se esforce para parecer o contrário. Hanks dá conta do personagem sem muito esforço grande esforço e junto aos colegas de cena, confere grande simpatia ao filme. Não houvesse sido realizado um filme em 2015 com a mesma história (e fotografia azulada muito semelhante), a produção se beneficiária do sabor de novidade e, por conta disso, quem não assistiu ao longa sueco leva vantagem sobre os demais. Para quem conheceu Ove, resta a curiosidade de ver a performance de Hanks como Otto e, quem sabe, se emocionar novamente com esta história agridoce que está disponível na HBOMax. 

O Pior Vizinho do Mundo (A Man Called Otto / EUA - 2022) de Marc Foster com Tom Hanks, Mariana Treviño, Cameron Britton, Manuel Garcia-Rulfo, Rachel Keller, Mack Bayda, Juanita Jennings, Peter Lawson Jones, Max Pavel e Truman Hanks. ☻☻☻

KLÁSSIQO: O Globo de Prata

 

Andrzej e Grazyna: um novo mundo em caos.

Quatro astronautas acidentam a nave ao aterrizarem em um planeta com condições semelhantes à Terra. O planeta, aparentemente sem habitantes, instiga o grupo formado por três homens e uma mulher que começa a ter conflitos entre si enquanto começam a explorar aquele novo mundo. Equipados com uma câmera, eles planejam registrar o que observam para envio futuro à Terra. No início, eles não fazem ideia que sem condições para voltarem ao planeta de origem, eles se tornarão responsáveis por boa parte da população daquele planeta. Quando a primeira filha gerada entre eles nasce, nota-se que ela envelhece mais rápido que as da Terra, assim, conforme o tempo passa, cada astronauta terá um papel dentro da história dos ancestrais daquele lugar. A única mulher se transforma na grande mãe dos habitantes, o progenitor do primeiro nascido se torna uma lenda e, aos poucos, outro se torna uma figura tão adorada quanto temida pelos habitantes, se tornando uma espécie de profeta com seus relatos que se realizam ao longo do filme numa verdadeira saga de relações de poder,  adoração e loucura. O Globo de Prata é baseado nos livros de Jerzy Zulawski, tio do cineasta polonês Andrzej Zulawski que decidiu fazer da obra seu terceiro longa-metragem. Concebido para ser um épico de ficção científica a ser lançado em 1977, o longa mas teve problemas com a ditadura comunista da Polônia que determinou o fim das gravações e a destruição de toda a produção. Com oitenta por cento do filme concluído, Zulawski retomou o material e lançou em 1988 uma versão que substitui as cenas ausentes com trechos filmados nas ruas do pais e narrativas em off. Embora não tenha sido essa a ideia inicial do diretor, o recurso só ressalta o estranhamento diante do filme que toca em temas delicados pertinentes à humanidade (incluindo a construção dos mitos, a religiosidade e os governos) com um visual arrebatador, de forma que o público pode interpretar as cenas contemporâneas da forma como quiser em sua aleatoriedade. Da fotografia em tons de azul e verde, passando pelos figurinos sombriamente exuberantes e as criaturas aladas que aparecem lá pela metade, torna-se notável o empenho dos envolvidos realizarem um marco da ficção científica. Talvez a parte mais perturbadora do filme seja a chegada de Marek (Andrzej Seweryn), astronauta absorvido por aquela população como um enviado dos céus para governa-los e que aos poucos enlouquece diante da importância que lhe é dada naquele mundo. A ascensão de Marek compõe o segundo ato do filme em meio aos ataques dos nativos daquele mundo e a aparição de uma comunidade subterrânea, que proporciona ao filme cenas um tanto perturbadoras. No terceiro ato, O Globo de Prata esgarça suas analogias com a história da humanidade, com mortes, torturas e crucificações em nome de uma melhoria que ninguém sabe ao certo qual é (além da constante espera de que algo celestial apareça para dar sentido a tudo). A mistura do roteiro com o visual exuberante alcança um resultado que é tão impressionante quanto pessimista, o que colaborou muito para que a produção se tornasse um filme digno de culto. Apesar de todos os percalços até seu lançamento dez anos após sua filmagem, torna-se visível a concepção radical de Andrzej Zulawski perante a história e a exuberância da criação de um mundo próprio que funciona como um espelho para o nosso. Considerado por alguns como uma obra maldita ou perdida através do tempo, fosse refeito hoje, o filme se tornaria uma trilogia diluída em cenas de ação e efeitos especiais, mas seria interessante ver como suas ambiguidades seriam tratadas nos dias atuais. Mesmo com cenas ausentes, O Globo de Prata alcança quase três horas de duração no formato de um épico vertiginoso que se fecha num fôlego só. 

O Globo de Prata (Na Srebrnym Globie/Polônia - 1988) de Andrzej Zulawski com Andrzej Seweryn, Jerzy Trela, Grazyna Dylag, Waldemar Kownacki, Iwona Bielska, Jerzy Gralek e Maciej Góraj. ☻☻☻☻

PL►Y: Um Filho

Jackman e McGrath: pai e filho contra a depressão. 

O francês Florian Zeller estreou como cineasta com o genial Meu Pai (2020), filme que levou o Oscar de melhor ator para Anthony Hopkins e roteiro adaptado para o próprio Zeller (e Christopher Hampton), que levava um dos seus textos teatrais para. Ali o cineasta sabia exatamente como utilizar recursos cinematográficos para nos colocar na espiral de emoções do protagonista. O sucesso lhe deu aval para o filme seguinte, Um Filho, baseado em outro texto teatral da mesma trilogia. Havia uma expectativa gigante perante seu próximo passo nas telas e parte da decepção em torno do filme pode ser creditada à essa expectativa. Zeller imprime aqui um tom bastante convencional, mas existem outros problemas pelo caminho. Aqui conhecemos a história do empresário bem sucedido Peter (Hugh Jackman) que vive a dois anos com a nova esposa, Beth (Vanessa Kirby), que acabou de ter um bebê. Eis que Peter recebe a visita da ex-mulher (Laura Dern) sinalizando a preocupação com o filho do casal, Nicholas (Zen McGrath). O rapaz não vai à escola faz tempo, não tem amigos, não namora, não curte festas e diz que precisa morar com o pai. O paixão acha que é fácil resolver a situação, o leva para casa, mas na convivência Peter vai descobrir que a situação do rapaz é mais complicada do que imagina. Meu Filho pretende abordar a depressão mas tem dificuldades ao expor isso de fora para dentro, afinal, na maior parte do tempo vemos a impressão dos outros sobre o que o rapaz sente. Também não ajuda o fato de McGrath ser um ator pouco experiente para lidar com o peso e a complexidade que o personagem exige, deixando por vezes a depressão do menino embaçada com expressões um tanto difusas. Tendo um texto que ressalta cada vez mais o impacto da depressão do adolescente na vida da família, o filme acaba se atrapalhando em momentos manjados. Apesar do pleno destaque de Jackman (na pele de um pai que tenta fazer o que pode até descobrir da pior forma que só amor e boas intenções não basta contra a doença), suas colegas Laura e Vanessa fazem o que pode com o pouco destaque de suas personagens no desenvolvimento da história, parecendo sempre tocarem a mesma nota do início ao fim. Existem muitas flashbacks e diálogos que denotam o impacto da separação do casal na vida do rapaz, mas seria só isso que o aflige? Senti falta de uma fala mais especializada sobre a depressão do personagem, afinal o momento de mais impacto do psiquiatra na história é uma questionável cena de confronto dos pais com Nicholas. Um filho acaba desperdiçando um tema sério num arremedo de intenções que nunca se aprofundam (elas até dão sinais de vida naquela participação de Anthony Hopkins que alguns dizem ser uma reprise do personagem de Meu Pai) e o destino impactante de Nicholas acaba tendo um efeito estranho com aquela cena que parece uma versão menos inspirada do recurso utilizado por Xavier Dolan em Mommy (2014) só para fazer Hugh Jackman chorar em uma casa nova de paredes menos opressoras. A cena final e o encontro dele com Hopkins me fez imaginar que o título não é sobre Nicholas, mas sobre Peter e as suas próprias feridas  revistadas na dor do filho, pena que o filme não consiga avançar. Resta agora esperar ver como Zeller dará forma à The Mother (o segundo texto teatral da trilogia) sobre uma mulher lidando com a solidão e os ressentimentos de uma vida dedicada à família. 

Um Filho (The Son / Reino Unido - França / 2022) de Florian Zeller com Hugh Jackman, Zen McGrath, Vanessa Kirby, Laura Dern, William Hope e Akie Kotabe. ☻☻

KLÁSSIQO: Bom Trabalho

Colin e Denis: a masculinidade pelas lentes de Claire Denis.  

Particularmente gosto mais dos trabalhos da cineasta Claire Denis quando ela vira do avesso um gênero que imaginamos conhecer bem - e ela nos faz perceber o quanto, na verdade, apenas o associamos a lugares comuns utilizados em outros filmes ao longo do tempo. Senti isso ao assistir o recente High Life (2018), ficção científica com Robert Pattinson, mas ela já havia feito o mesmo exercício em Bom Trabalho. Ambientado em um grupo da Legião Estrangeira na costa do continente africano, o filme é narrado pelo ex-oficial Galoup (Denis Lavant), que está subordinado ao Comandante Forrestier (Michel Subor), a quem se refere com voz carregada de ressentimento. Em seus relatos, Galoup tem a atenção cada vez mais voltada para o jovem Gilles Sentain (Grégoire Colin). Entre o presente e as lembranças daquele período percebemos uma série de sentimentos ambíguos do narrador com os dois personagens, que também podem ser percebidos nas cenas sutis conduzidas pela diretora. Embora toda a ambientação do filme remeta diretamente aos filmes de guerra, Bom Trabalho segue o caminho oposto, se concentra em pequenas ações cotidianas daqueles rapazes (descascar batatas, lavar os uniformes, cozinhar, limpar...)  e tarefas árduas ao sol de rachar. Quando existe uma explosão no filme, ela não é mostrada, a cineasta prefere se concentrar nas repetições dos treinamentos em uma cadência coreografada que mais parece uma dança entre os rapazes.  Paralelo a tudo isso, aa diretora e a fotografia desenvolvem um verdadeiro culto aos corpos masculinos que o filme exibe. Dos músculos torneados, aos shorts curtos e momentos sem camisa, os gestos, olhares e contatos físicos sugerem um homoerotismo quase natural naquele ambiente repleto de testosterona, sendo este viés o que mais revela a razão da inquietação de Galoup diante de Sentain. Talvez a maioria dos detalhes da dinâmica entre os dois personagens seja perceptível somente em uma segunda olhada, já que nada por aqui está na superfície. Talvez a cena em que este erotismo fique mais evidente seja quando Sentain revela que não possui pai ou mãe e que foi encontrado em uma escada e o interlocutor apenas diz "mas não podemos negar que foi um belo achado". Este diálogo ressalta que talvez a tradução do titulo usando a palavra bom como tradução de beau, fosse traduzido como Belo Trabalho remeteria não apenas ao trabalho dos personagens, mas também à bela visão que o narrador possui da natureza, seja das paisagens ou dos rapazes que estão subjudados aos seus comando. É pela força das imagens e suas entrelinhas que o filme constrói sua força e, não por acaso, Denis Lavant termine o filme com uma dança mais desinibida e totalmente oposta à rigidez formal apresentada por seu ao longo do filme.  

Bom Trabalho (Beau Travaill / França - 1999) de Claire Denis com Denis Lavant, Grégoire Colin, Michel Subor, Richard Courcet, Nicolas Duvauchelle, Giuseppe Molino e Adiatou Massudi. ☻☻☻☻

PL►Y: Undine

 

Paula e Franz: amor e mitologia.

Em 2009 o diretor Neil Jordan lançou Ondine, um belo filme sobre um pescador que se apaixonava por um ser mitológico que vivia na água. Em 2020 foi a vez do alemão Christian Petzold beber na mesma fonte para criar Undine, nome da criatura marinha que vez por outra vem à superfície seduzir homens na pele de uma mulher. A protagonista do filme é Undine Wibeau (Paula Beer), historiadora funcionária de um museu em Berlim responsável por apresentações sobre a reconstrução moderna da cidade após a Segunda Guerra Mundial. Quando o filme começa, seu namorado Johannes (Jacob Matschenz) termina o relacionamento com ela e, num tom inesperado, Undine diz que ele morrerá senão ama-la. O que parece uma declaração de amor obsessivo logo ganha outros contornos conforme percebemos que a protagonista não é uma mulher comum. Não demora muito para ela conhecer o mergulhador Cristoph (Franz Rogowski), com quem viverá um romance idílico até que a plateia comece a se dar conta de que existe uma maldição que paira sobre os romances desfeitos da moça. Essa ideia constrói não apenas a ideia de um romance proibido, mas também de uma verdadeira prisão afetiva repleta de culpa pela responsabilidade da morte pairar sobre alguém. A ideia se torna bem mais complexa do que podemos imaginar, especialmente quando a morte ou a vida passa a se relacionar com algo tão abstrato como um sentimento ainda existente ou não. No filme, "a vida" é a concretização da existência do amor entre os personagens. Parece brega, mas o filme está bem longe disso. O desafio de Petzold é inserir os toques de fantasia com os pés fincados na realidade, o que ele dá conta através das explicações entre o antigo e o novo, que aparecem várias vezes no filme, em uma alusão aos mitos ancestrais e a modernidade. Envolvendo a personagem em mistérios, Undine se desenvolve como um romance bem construído e envolvente, ancorado pelo bom trabalho da atriz Paula Beer (que só pela primeira cena já honra seu prêmio no Festival de Berlim) e de Franz Rogowski como o rapaz mais fofo do mundo (pelo menos até às coisas complicarem). Depois de fazer tantos filmes considerados pessimistas, Petzold mostra que existe um bocado de romantismo em sua criatividade e repete aqui a química da dupla com que realizou o aclamado Em Trânsito (2018) que permanece funcionando bem que é uma beleza. Com a nova versão de A Pequena Sereia prestes a sair, não deixa de ser curioso conhecer a trama em que o conto se inspira.

Undine (Undine / Alemanha - França / 2020) de Christian Petzold com Paula Beer, Franz Rogowsky, Jacob Matschenz, Maryam Zaree e Anne Ratte Polle. ☻☻☻☻

Na Tela: Guardiões da Galáxia - Vol3

Os Guardiões da Galáxia: despedida em grande estilo. 

Não seria um erro dizer que os Guardiões da Galáxia são os donos da melhor trilogia da Marvel. Esta sensação se deve muito a James Gunn ter dirigido os três longas e ainda ter brigado pelo domínio criativo sobre os filmes. Vale lembrar que foi ele que escolheu o grupo de personagens para realizar o primeiro filme quando a maioria dos mortais nem sabia da existência deles. Filme feito, o apelo daquele grupo de renegados que formavam uma família disfuncional soou irresistível e permanece instaurado até agora. Não por acaso os fãs entraram em desespero quando Gunn perdeu o emprego por conta do cancelamento pelas piadas de mal gosto escritas no passado em suas redes sociais. Gunn teve que provar que era uma pessoa diferente e no meio da caminho foi para DC/Warner repaginar  O Esquadrão Suicida (2021), que somado ao sucesso da série Pacificador (2021), acabou gerando o convite para remodelar todo universo DC nos cinemas. Quem diria, o mundo dá voltas e nelas pudemos entender o interesse do cineasta por personagens que debaixo da casca desagradável escondem um coração pronto para se redefinir. Guardiões da Galáxia - Volume 3 é uma ode à imperfeição de seus personagens, especialmente pela trama em torno de Rocket (voz de Bradley Cooper) que movimenta todo o resto. Aqui descobrimos a história do guaxinim mais amado do universo, como ele foi criado a partir de experiências feitas pelo assustador Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji) um sujeito disposto a atingir a perfeição com suas criaturas, mesmo que isso signifique o sacrifício de todas as outras (acho que não é por acaso que muitas ambientações do filme parecem retiradas de restos mortais). Não é por acaso que o vilão da vez lembre alguns governantes dispostos a traçar parâmetros do que é normal e aceitável, enquanto todo o resto não deva ter a existência respeitada, afinal, nada mais atual. A trama de Rocket é muito mais ambientada no passado enquanto seus amigos tentam salva-lo enquanto ajustam suas pendengas. Seja de Peter Quill (Chris Pratt) e a nova versão de Gamora (Zoe Saldana) que é totalmente indiferente a ele,  Mantis (Pom Klementieff) tentando demonstrar seu valor ao grupo ou Nebulosa (Karen Gillan) apresentando novas nuances de sua personalidade nem sempre amarga.  Por duas horas e meia, Gunn mantem o ritmo da trama envolvente, colocando seus personagens em mais uma aventura emocionante e, dessa vez, mais emocionada. Existem cenas realmente de partir o coração e outras de fazer a plateia vibrar numa grandiloquência que nunca perde de vista o coração dos personagens. Claro que a Marvel ainda apela para piadinhas para quebrar a tensão, mas aqui elas parecem em momentos que não atrapalham tanto. Muita gente reclama da participação de Adam Warlock (Will Poulter saradão) no filme, mas diante de tantos personagens que estão se despedindo, ele é apenas apresentado e deve dar voos mais altos em breve. Também ouvi queixas sobre a trilha sonora (com clássicos indies dos anos 90), mas eu gostei da sensação deixada pelas músicas sem a animação dos filmes anteriores.  Confesso que derramei algumas lágrimas ao longo da sessão e continuo com o sabor de despedida, o bom é que quando a saudade apertar, posso rever o filme, assim como já fiz com os outros dois, quantas vezes eu quiser. Sentirei saudades. 

Guardiões da Galáxia - Volume 3 (Guardian of the Galaxy - Vol3 / EUA - 2023) dee James Gunn com Chris Pratt, Bradley Cooper, Zoe Saldana, Dave Bautista, Karen Gillan, Pom Klementieff, Chukwudi Iwuji, Will Poulter, Sean Gunn, Maria Bakalova, Elizabeth Debicki, Daniela Melchior e Vin Diesel. ☻☻☻☻

PL►Y: Homem Formiga e A Vespa - Quantumania

Paul Rudd, Paul Rudd, Paul Rudd, Paul Rudd, Paul Rudd: Todos contra Khang.

Depois de tampar o sol com a peneira por algum tempo, a terceira aventura solo do Homem-Formiga fez soar de vez o alerta na Marvel Studios. Desde que o filme foi lançado, a empresa já sofreu algumas mudanças, como a demissão de roteiristas e executivos do alto escalão com o objetivo de melhorar o que já foi uma máquina de fazer muito mais dinheiro. Foi até bom demorar para assistir ao filme que agora está disponível no Disney+, passados alguns meses e com as expectativas devidamente ajustadas, Quantumania pode ser avaliado  dentro de suas próprias possibilidade e tropeços. A história gira em torno da família construída ao longo dos filmes anteriores e o retorno acidental ao Reino Quântico. Lá se dão conta que existe toda uma estrutura social com criaturas estranhas e ambientes quase espaciais que conferem ao filme um visual que soa como uma variante subatômica de Star Wars. Nesta galáxia em miniatura existe um vilão, Kang (Jonathan Majors em trabalho elogiado até se tornar uma dor de cabeça para Marvel por denuncias de abuso sexual) que, se seus planos derem certo, pode colocar em risco todo o multiverso. Essa é a base da história e não há muito mais do que isso. Começando pelos heróis do título, Paul Rudd continua fazendo de Scott Lang um herói simpático, mas aqui não tem muito o que fazer além de tentar salvar sua filha Cassie (agora uma adolescente vivida por Kathryn Newton), já  Evangeline Lilly tem sua Vespa reduzida (com o perdão do trocadilho) à coadjuvante de luxo (com poucas cenas, poucas falas e pouca relevância no desenvolvimento da história - será que tem relação com sua postura anti-vacina?), deixando que a Vespa original, sua mãe, Janet (Michelle Pfeiffer) tenha mais destaque ao guiar os personagens naquele mundo estranho. Se Peyton Reed soube como dar forma às aventuras anteriores do herói, aqui ele parece soterrado pela cartilha Marvel com muito CGI e cenas de batalha sem muita imaginação. Os personagens curiosos do Reino Quântico estão ali só para atiçarem a curiosidade do espectador e boa parte da trama poderia ser resolvido se Janet contasse logo tudo o que sabe. Outro problema do filme é a resolução de situações complexas de forma apressada, prova disso é a própria Cassie. O desenvolvimento da personagem como jovem heroína é tão apressado que incomoda, afinal, todo mundo lembra como para Scott Lang sofreu para aprender a lidar com os poderes de seu traje no primeiro filme, mas para Cassie tudo é mais simples, basta lembrar de uma frase dita pelo seu pai sobre pular e tudo mais, por mais que a tecnologia do Hank Pym (Michael Douglas) tenha se desenvolvido nos últimos anos, duvido que seu uso seja tão fácil de aprender. Não por acaso  a cena final é idêntica à cena final, deixando a sensação que após duas horas nada de muito relevante aconteceu, a não ser a apresentação do vilão da nova fase da Marvel nos cinemas (como deixa claro a cena pós-crédito). Eu adoro as ideias dos filmes anteriores do herói, mas este me deixou o tempo inteiro na cabeça aquela frase de Martin Scorsese que os filmes da Marvel parecem parques de diversões, no fundo, o Quantumania e seu Reino Quântico não conseguem ser mais do que isso. 

Homem Formiga e A Vespa - Quantumania (Ant-Man and Wasp: Quantumania/EUA-2023) de Peyton Reed com Paul Rudd, Kathryn Newton, Evangeline Lilly, Michelle Pfeiffer, Jonathan Majors, Michael Douglas, Corey Stoll Bill Murray e Katy M. O'Bryen. ☻☻

PL►Y: Air - A História por Trás do Logo

Affleck, Air Jordan e Damon: ideia de bilhões. 

Depois de uma maré baixa como diretor pode se dizer que Ben Affleck conseguiu voltar a ter reconhecimento com Air. Este é o quinto longa dirigido pelo moço que já chegou ao auge com o Oscar de melhor filme por seu terceiro longa, o celebrado  Argo/2012 - pena que logo depois desagradou com A Lei da Noite/2014, some isso ao naufrágio de sei projeto à frente do novo longa do Batman (apesar de eu gostar muito de sua concepção do homem morcego) e os últimos anos do Affleck diretor não foram fáceis. Foram nove anos até que ele lançasse Air. Apesar da bilheteria pouco acima do valor de custo, o fato de ter sido concebido para o Prime Video fez com que sua arrecadação nos cinemas se tornasse uma vitória para a produtora, além disso serviu para lembrar à Hollywood o quanto Affleck pode ser eficiente atrás das câmeras. Aqui ele se junta ao amigo Matt Damon (vale lembrar que os dois ganharam o Oscar de roteiro original por Gênio Indomável/1997) para contar a história por trás de uma das marcas mais sucedidas na história: o tênis Air Jordan da Nike (e eu escolhi a foto do post de uma matéria do The New Yorker só porque achei melhor do que qualquer foto de divulgação do filme). Alavancado pelo sucesso de Michael Jordan, o tênis se tornou o produto mais rentável da companhia e a colocou definitivamente no mapa em um período em que era uma marca sem muito prestígio no mercado. Gosto da forma como o Affleck localiza a história no tempo e no espaço com recortes históricos ligeiros, mas precisos logo nos minutos iniciais. Basta uma montagem acelerada para vermos o contexto do ano de 1984 (o mesmo recurso também é utilizado para mostrar o futuro, quando Jordan conhece o preço de se tornar uma celebridade). Em Air, Jordan ainda era a promessa da grande estrela do basquete que seria e enquanto outras marcas o desejavam para compor seu grupo de jogadores propaganda, foi o marketeiro da Sonny Vaccaro (Matt Damon) que viu no jovem jogador a potência do que ele seria. No entanto, sua ideia era mais do que usá-lo em propagandas, mas desenvolver um tênis que inspirado no atleta, para isso conta com a preciosa ajuda do designer Peter Moore (vivido com gosto por Matthew Maher, mas pena que ele aparece pouco). Porém, nem tudo foi fácil, demorou para convencer o chefe (Ben Affleck) de que a ideia era rentável, tinha que driblar o agente  de Jordan (Chris Messina) e convencer a mãe do atleta  (Viola Davis) de que a ideia era boa o suficiente para seu filho embarcar. Como em Argo, Air tem a narrativa fluente, você nem sente o tempo passar. O roteiro consegue dosar o humor na trama, o que não impede que a fotografia e toda a ambientação seja um tanto fria na criação de uma verdadeira bolha para seus personagens que não aparecem em vidas fora do trabalho. Particularmente senti falta de algo a mais para não vê-lo apenas como uma esperta aula de marketing, mas talvez isso seja um problema comigo, não com o filme. Fica fácil entender o fascínio provocado pelo  filme nos Estados Unidos e, provavelmente, ele receba uma campanha de lembrança nas premiações de fim de ano. 

Air - A História por Trás do Logo (Air / EUA -2023) de Ben Affleck com Matt Damon, Jason Bateman, Ben Affleck, Viola Davis, Chris Messina, Chris Tucker, Jay Mohr e Matthew Maher. ☻☻☻

4EVER: Andy Rourke

 

17 de janeiro de 1964 ✰ 09 de maio de 2023

Andrew Michael Rourke nasceu em Manchester na Inglaterra, filho de pai inglês e mãe irlandesa, aos sete anos ganhou de seu pai um violão. Aos onze anos se tornou amigo de John Maher, com quem compartilhava o interesse pela música. Quando tinham tempo, os dois improvisavam solos de guitarra e quando John resolveu fundar uma banda, convidou o amigo para participar, mas tinha que ser tocando baixo. Andy adorou o novo instrumento e não o deixou mais. Aos quinze anos ele havia saído da escola e tocou em várias bandas de rock até que o amigo John, agora chamado Johnny Marr, juntou-se a um outro rapaz (um tal Steve Patrick Morrissey) para formar uma banda chamada The Smiths e convidou Rourke para tocar. Rourke tocou em todos os álbuns da cultuada banda, do início em 1982 até o final em 1987. Mesmo tendo formado um outro grupo posteriormente, o Freebass com os baixistas Mani (Stone Roses) e Peter Hook (New Order), Rourke tocou em várias músicas da carreira solo do Morrissey além de ter participado de álbuns de Sinéad O'Connor, Ian Brown e Pretenders. Rourke faleceu em decorrência de câncer no pâncreas e seus amigos o definem como um músico muito talentoso e pessoa de alma muito gentil. 

FESTIVAL DE CANNES 2023

Cannes2023: Ruben Östlund lidera o júri. 

Começa hoje a 76ª Edição o Festival de Cannes, evento que permanece sendo visto como o evento cinematográfico mais importante do mundo. Afinal além de suas mostras, debates e palestras, o Festival ainda é um dos maiores espaços para um filme ganhar fôlego para o ano que se seguirá. Basta lembrar que no ano passado filmes importantes como Moonage Daydream, Decision to Leave, Corsage e Holy Spider foram exibidos no festival, sem contar que a Palma de Ouro foi para Triângulo da Tristeza que estava por lá competindo com Close e vendo Top Gun: Maverick e Elvis ganhando suas estreias mundiais por lá (e os quatro chegaram com força no Oscar2023, quase um ano depois). Em 2023 há filmes para todos os gostos na mostra competitiva: Wes Anderson, Nanni Moretti, Ken Loach, Catherine Breilat, Johathan Glazer (voltando de longas férias), Todd Haynes, Win Wenders e o brasileiro Karim Aïnouz em seu primeiro filme em língua inglesa estão na disputa. O evento termina no dia 27 de maio. A seguir todos os filmes que estarão no Festival - e façam suas apostas em quem deve render comentários ao longo do ano: 

 Indicados à Palma de Ouro de 2023

Club Zero - Jessica Hausner

The Zone of Interest - Jonathan Glazer

Fallen Leaves - Aki Kaurismaki

Les Filles D'Olfa - Kaouther Ben Hania

Asteroid City - Wes Anderson

Anatomie d'Une Chute - Justine Triet

Monster - Kore-Eda Hirokazu

Il Sol dell'Avvenire - Nanni Moretti

L'Été Dernier - Catherine Breillat

Kuru Otlar Ustune - Nuri Bilge

La Chimera - Alice Rohrwacher

La Passion de Dodin Bouffant - Tran Anh Hun

Rapito - Marco Bellocchio

May December - Todd Haynes

Jeunesse - Wang Bing

The Old Oak - Ken Loach

Banel e Adama - Ramata-Toulaye Sy

Perfect Days - Wim Wenders

Firebrand - Karim Aïnouz

Filmes da Mostra Un Certain Regard

Le Règne Animal - Thomas Cailley

Los Delincuentes - Rodrigo Moreno

How to Have Sex - Molly Manning Walker

Goodbye Julia - Mohamed Kordofani

Kadib Abyad - Asmae El Moudir

Simple Comme Sylvain - Monia Chokri

A Flor do Buriti - João Salaviza e Renée Nader Messora

Los Colonos - Felipe Gálvez

Augure - Baloji Tshiani

The Breaking Ice - Anthony Chen

Rosalie - Stéphanie Di Giusto

The New Boy - Warwick Thornton

If Only I Could Hibernate - Zoljargal Purevdash

Hopeless - Kim Chang-hoon

Terrestrial Verses - Ali Asgari e Alireza Khatami

Rien à Perdre - Delphine Deloget

Les Meutes - Kamal Lazraq

Estreias no Festival de Cannes 2023

Jeanne Du Barry - Maïwenn (abertura do festival)

Indiana Jones e o Chamado do Destino - James Mangold

Cobweb - Kim Jee-woon

The Idol - Sam Levinson

Killers of the Flower Moon - Martin Scorsese

Kennedy - Anurag Kashyap

Omar la Fraise - Elias Belkeddar

Acide - Just Philippot

Kubi - Takeshi Kitano

Bonnard, Pierre et Marthe - Martin Provost

Cerrar Los Ojos - Victor Erice 

Le Temps d’Aimer - Katell Quillévéré 

Man in Black - Wang Bing 

Occupied City - Steve McQueen 

Anselm (Das Rauschen der Zeit) - Wim Wenders

Retratos Fantasmas - Kleber Mendonça Filho

FILMED+: A Menina Silenciosa

Catherine e Carrie: quantos sentimentos cabem no silêncio?

Este é o primeiro filme irlandês a disputar o Oscar de filme em língua estrangeira no Oscar. O motivo é um tanto óbvio, já que a Irlanda também tem o inglês como língua oficial, mas aqui a maioria dos diálogos são no dialeto irlandês. A Menina Silenciosa causou surpresa  mesmo ao cravar a indicação pelo tom contido, que poderia ser um problema, mas quem assistiu ao filme, percebe logo que a atmosfera terna impressa pelo diretor Colm Bairéan é na verdade um trunfo em uma trama que descambaria facilmente para o melodrama. O filme conta a história de Cáit (Catherine Clinch), uma menina que é considerada estranha até pelas suas irmãs. Quieta e com gosto pelo isolamento (como a cena inicial deixa bem claro), Caít tem dificuldades para leitura e em casa ela começa a pesar nas despesas, já que a mãe (Kate Nic Chonaonaigh) está prestes a ter outro bebê e junto ao pai (Michael Patrick) decide deixar a menina com uma prima durante o verão. São três horas de viagem até que chegar na fazenda de um casal que é completamente desconhecido pela menina. No entanto, desde o primeiro momento em que Eibhlín (Carrie Crowley) e Seán (Andrew Bennett) aparecem perto da garota, fica claro o contraste no tratamento que Cáit receberá dali para frente. Enquanto seu núcleo familiar não lhe demonstra afeto, Eibhlín é o oposto. Atenciosa e carinhosa, aos poucos ela consegue deixar Cáit cada vez mais a vontade, precisando apenas um pouco mais de tempo para que Seán também se aproxime da visitante. Aos poucos a menina estará plenamente incorporada na rotina da casa e sentirá algo que até então não havia experimentado, um sentido de pertencimento carregado de afeto, ainda que aos poucos descubra o passado doloroso da casa em que se hospeda. Tocando em temas delicados e narrado sem pressa, A Menina Silenciosa prepara a plateia para um dos finais mais emocionantes dos últimos anos. É tudo tão perfeito em sua aparente simplicidade que Crowley e Bennet estão perfeitos como os primos distantes, mas é a irretocável Catherine Clinch que rouba nosso coração com seu ar melancólico de um menina que abriga em seu silêncio as sensações que talvez não saiba expressar em palavras. Cada olhar, cada gesto e palavra da atriz estreante são emocionantes (destacando até a palavra dita duas vezes por na última cena que ressalta emoções diferentes de forma muito reveladora). Com as emoções deixadas em primeiro plano, o nó na garganta é inevitável. 

A Menina Silenciosa (The Quiet Girl/Irlanda - 2022) de Colm Baireán com Catherine Clinch, Carrie Crowley, Michael Patrick, Kate Nic Chonaonaigh e Joan Sheehy. ☻☻☻☻☻

PL►Y: Mass

Plimpton e Isaacs: sobrevivendo à uma tragédia. 

O ator Fran Kranz marca sua estreia na direção com um drama intimista ancorado em diálogos bem lapidados e um elenco em sintonia perfeita. Mass conta a história de dois casais que se encontram para conversar sobre o ataque à uma escola que deixou dez vítimas e cujo autor tirou a própria vida após o episódio. Kranz nos poupa de ver a encenação do massacre, mas o descreve minuciosamente como um quebra-cabeça em menos de duas horas de filme, na trama ainda vemos o efeito daquele acontecimento na vida dos pais de uma das vítimas e dos pais do garoto responsável pelo incidente. O filme constrói sua tensão lentamente, da arrumação da sala da igreja que servirá para o encontro à chegada de cada personagem existe a atenção a cada detalhe que possa servir de gatilho para lembranças desagradáveis (seja lenços de papel ou os desenhos feitos por crianças que decoram o espaço), mas o que faz o filme crescer é a conversa entre os dois casais formados por Jason Isaacs e Martha Plimpton de frente para Ann Dowd e Reed Birney. Não vale dizer quem interpreta os pais de quem, já que faz parte das intenções do diretor ter empatia com as duplas antes que os fatos sejam revelados. Quando a conversa começa, ela surge formal, desajeitada, não avança em nome de uma cordialidade que logo é deixada de lado para que sentimentos densos como raiva, culpa, ressentimentos se misturem em diálogos simples e convincentes sobre os dois lados de uma tragédia. O fluxo da conversa é tão preciso que até esquecemos que são atores em cena. Porém, o maior desafio aqui é expor o ponto de vista do casal que precisa lidar com o peso de ter criado o responsável por um ato daqueles. Busca-se respostas, motivos e sinais de que algo estava errado. Se apontam negligências, surgem dúvidas, suspeitas, medos e lembranças que compõem um cenário bastante complexo sobre um acontecimento que os telejornais não dão conta de explorar em seu imediatismo. Embora a estrutura remeta ao teatro, Kranz consegue escapar de qualquer ranço teatral, entre planos, cortes, closes e enquadramentos, o diretor sabe usar os recursos que tem em mãos para estruturar o ritmo dos diálogos ásperos valorizados pelo elenco, sobretudo pelas mães vividas por Martha Plimpton e Ann Dowd que filtram sentimentos difíceis perante a câmera. Mass só derrapa quando o desfecho precisa surgir e o filme perde um pouco a sobriedade para querer arrancar lágrimas da plateia a qualquer custo. Não precisava de tanto esforço, a tristeza e a reflexão já estavam instauradas desde o início da conversa que busca uma resposta que talvez não exista. 

Mass (EUA-2021) de Fran Kranz com Martha Plimpton, Ann Dowd, Jason Isaacs, Reed Birney, BreedaWool, Michelle N. Carter e Kagen Albright. ☻☻☻☻

PL►Y: Você Não Estará Só

Sara: a vida pelos olhos de uma bruxa. 

O chamado folk horror tem rendido alguns dos filmes de terror mais interessantes dos últimos anos, produções como A Bruxa (2015), Midsommar (2019) e Lamb (2021) são alguns que conseguiram estruturar suas tramas a partir de medos enraizados no folclore de países nórdicos. Outra produção que se junta a este subgênero eficiente é Você Não Estará Só que está disponível sem alarde no TelecinePlay. O longa dirigido por Goran Stolevski foi o escolhido pela Austrália a concorrer uma vaga ao Oscar de filme estrangeiro no ano de seu lançamento. Embora resida atualmente na Austrália, Goran nasceu e cresceu na Macedônia e se inspirou em histórias de bruxas que ouviu durante sua infância para construir o roteiro. O filme é todo falado em macedônio e conta a história de uma garota cuja mãe foi visitada por uma bruxa (Anamaria Marinca) quando ela ainda era um bebê. A mãe tenta barganhar com a bruxa e por uma consequência inesperada, acaba escondendo a menina em uma caverna por vários anos. Crescendo sozinha (agora vivida pela expressiva Sara Klimoska) e com visitas esporádicas da mãe, ela acaba sendo descoberta pela bruxa que a leva para fora da caverna enquanto a jovem se deslumbra com o mundo exterior e aprende a cuidar dos seus poderes. Este é só um ponto de partida de um filme interessante que retrata as relações entre homens e mulheres no século XIX. A pele da bruxa com mais de duzentos anos é claramente queimada e as histórias que contam sobre ela (na tradução brasileira ela é chamada de Maria Solteirona, o que já diz muita coisa) resgatam a trajetória de mulheres que foram incompreendidas por não se adequarem aos  padrões de seu tempo. Ao longo do filme, a jovem irá se desentender com sua "mãe-bruxa" e terá que aprender a ficar por conta própria, o que a leva a conhecer o mundo através do corpo de outras pessoas em busca de adequação.  jovem irá se transformar em outras pessoas em busca de se adequar à vida social. São nas transformações da jovem que temos uma visão bastante rica sobre os papéis sociais daquele tempo, seja de mulheres, crianças e até homens. No entanto, a experiente bruxa estará sempre à espreita. Desenvolvido como um drama histórico com pitadas de terror, a produção toca em questões seculares e, com bastante sensibilidade, constrói uma história estranhamente envolvente. Embora seja estreante, Goran Stolevski realiza um trabalho surpreendente com ângulos diferentes, planos que soam poéticos e narrativa em off que lembram um pouco a obra de Terrence Mallick. Embora a indicação ao Oscar não tenha surgido, Você Não Estará Só é um filme que merece tanta atenção quanto o seu diretor.  

Você Não Estará Só (You Won't Be Alone / Austrália - Reino Unido - Sérvia / 2022) de Goran Stolevski com Sara Klimoska, Anamaria Marinca, Alice Englert, Noomi Rapace, Félix Maritaud e Carloto Cotta. ☻☻☻☻

4EVER: Rita Lee

31 de dezembro de 1947✰ 08 de março de 2023

Rita Lee Jones nasceu filha de um americano e uma mãe brasileira na cidade de São Paulo. Quando pequena, aprendeu a tocar piano e sonhava em ser atriz de cinema ou veterinária. Na adolescência, começou a se interessar por música e se tornou integrante de vários grupos juvenis. Em 1966, a cantora se apresentou no Programa do Ronnie Von com o grupo que havia formado com os irmãos Arnaldo e Sérgio Dias, que acabavam de ser rebatizado de Os Mutantes. A banda marcou época com sua sonoridade e devido a problemas nunca esclarecidos, Rita foi expulsa do grupo. Apesar de toda chateação com o episódio, a artista conseguiu se reinventar e lançou seu primeiro álbum em carreira solo e se tornou uma das artistas mais queridas do Brasil nos anos 1970. Seus primeiros trabalhos lhe renderam o título de Rainha do Rock Brasileiro, título que nunca gostou muito. Nos anos 1980, Rita começou a seguir uma linha mais pop com sua parceria com o futuro esposo Roberto de Carvalho. Rita Lee colecionou hits, fez turnês históricas, se tornou ativista, escreveu livros, atuou em dez filmes (entre eles Dias Melhores Virão/1989 de Cacá Diegues e Durval Discos/2002 de Anna Muylaert), apresentou programas de televisão e participou de novelas se firmando como uma artista completa famosa por seu bom humor e inteligência. Falecida em decorrência de um câncer de pulmão, Rita deixa seu legado em nome de uma arte brasileira menos careta. 

PL►Y: Sombras do Passado

Rebecca: traumas e horror corporal.  

Margaret (Rebecca hall) tem uma vida pessoal e profissional bem resolvida. Competente e respeitada, ela não tem do que reclamar. Na vida pessoal ela precisa lidar com a filha (Grace Kaufman) que está prestes a ir para a faculdade - e precisa lidar com um caso com um colega de trabalho (Michael Esper). No início alguns detalhes pontuam que existe algo estranho pairando sobre sua mente (que se materializa num dente encontrado num porta-níquel da filha), mas ela sai do eixo mesmo quando percebe um conhecido no meio de uma palestra. Margareth visivelmente se desespera e sua primeira medida é proteger a filha a todo custo. O espectador não faz muita ideia do que está acontecendo, mas suspeita que tenha relação de um conselho que ela deu para a estagiária (Angela Wong Carbone) sobre sinais de um relacionamento abusivo. Se existe a suspeita de uma relação abusiva no passado da protagonista o roteiro e a direção de Andrew Semans procuram ir além do que estamos acostumados neste tipo de filme, principalmente da forma como conduz a presença de David (Tim Roth), que marcou a história da personagem na juventude de forma bastante bizarra. O mais interessante do filme é como Margaret mergulha novamente nesta bizarrice, repetindo um padrão de comportamento do passado, ao mesmo tempo que tenta superá-lo por conta própria. Para todos os que estão ao seu redor, ela está enlouquecendo, para Margaret, ela está fazendo apenas o necessário para que tudo continue sob controle. Existe nas entrelinhas algo sobre traumas, maternidade, complexo de Laio e horror corporal, que move o filme numa crescente de estranheza até o final que tende deixar o público revoltado (e que pode render uma leitura literal e outra delirante que se estende até o último ato). Pelo menos até o final controverso (o qual prefiro o literal até o último ato embaçar tudo) o filme consegue manter a tensão da plateia em toda a estranheza que apresenta, muito por conta da interpretação visceral de Rebecca Hall envolta em uma atmosfera cada vez mais sombria. Eu já perdi a conta de quantos filmes de terror a atriz fez nos últimos anos e sempre me surpreendo com a desenvoltura com que ela vive suas personagens. Aqui, por exemplo, as transições da personagem são feitas sem desafinar, tendo aquele monólogo de quase oito minutos em que tomamos ciência do passado conturbado da protagonista. Se levarmos em conta o quão ridículo poderia ser o personagem de Tim Roth, o trabalho assustador do ator fica ainda melhor ao dar vida a um sujeito tão execrável e manipulador, digno de um filme de horror do David Cronenberg. Se quiser imaginar as várias camadas que o filme apresenta, esqueça o manjado título nacional e se concentre no original (Resurrection), bem mais evocativo e provocador perante a história que vemos na tela. O filme está disponível no TelecinePlay. 

Sombras do Passado (Resurrection) de Andrew Semans com Rebecca Hall, Tim Roth, Grace Kaufman, Michael Esper e Angela Wong Carbone. ☻☻☻☻

#FDS Estranha Onda Grega: O Garoto que Come Alpiste

Yiannis: retrato de um jovem na crise grega. 

Em 2013 a Academia de Cinema da Grécia elegeu O Garoto que Come Alpiste como o melhor filme grego daquele ano. A escolha garantiu ao longa  dirigido por Ektoras Lygizos disputar uma vaga ao Oscar de filme estrangeiro, mas ficou de fora, provavelmente por conta do mal estar que o filme provoca e, especialmente, por conta de uma cena polêmica de, digamos, de autossatisfação (usada de um jeito que você nunca viu antes). O filme conta a história de um jovem cantor (Yiannis Papadopoulos) desempregado m meio à crise financeira de seu país. Sem dinheiro para se alimentar, pagar as contas e o aluguel, o seu cotidiano se divide entre procurar emprego e encontrar algo para comer, seja nas lixeiras ou caçando restos de frutas pela cidade. Quem faz companhia para ele é um canário, cujo alpiste se torna responsável pelo título (afinal, nas horas que a fome aperta e não há nada para comer, o alpiste se torna a única alternativa). O pássaro parece ser o único vínculo que mantém o personagem com sanidade diante das dificuldades que enfrenta. Sem amigos ou parentes próximos (o relacionamento com a mãe vira um enigma, já que existe apenas uma ligação que não avança muito no meio da sessão), ele mantém algum vínculo com um vizinho idoso (Vangelis Kommatas) que o chama em casos de emergência (mas até a geladeira do vizinho está vazia). Dentre os filmes da Estranha Onda Grega, O Garoto que Come Alpiste é o que utiliza mais diretamente a crise econômica da Grécia para compor sua narrativa. O personagem principal se torna o retrato da falta de perspectiva de uma geração deixada à própria sorte, além de reproduzir um temor que é universal: a fome. Chega a ser angustiante os encontros com as pessoas que cruzam o caminho do rapaz e se tornam uma esperança involuntária dele receber algum alimento. Seja o vizinho, a garota pela qual demonstra interesse ou uma senhora na igreja que se emociona com a voz do rapaz. Particularmente achei a cena da igreja a mais bonita do filme, a voz do personagem é de uma dor, uma tristeza que é capaz de sintetizar tudo o que se passa em suas conturbadas emoções. É difícil conter o choro. O estreante Yiannis Papadopoulos é digno de elogios pelo seu ótimo trabalho ao carregar o filme nas costas, literalmente, já que o diretor o persegue o filme inteiro, colocando a câmera quase sempre em close no personagem, o que cria um tom tão claustrofóbico quanto urgente em sua linguagem quase documental. A junção do diretor  e do ator, fazem cenas como aquela polêmica que mencionei no início fazer todo o sentido no contexto desesperado do personagem. Ainda que possa ser carregado de pessimismo, a cena final deixa uma sensação de final feliz, mas instiga a construção do que acontece depois com o personagem e seu amigo canário após a última cena. Não por acaso o filme é baseado livremente no clássico da literatura norueguesa "Fome" de Knut Hamsum, lançado originalmente em 1890 e que, infelizmente continua atual. 

O Garoto que Come Alpiste (To agori troei to fagito tou pouliou / Grécia - 2013) de  Ektoras Lygizos com  Yiannis Papadopoulos, Lila Baklesi, Vangelis Kommatas, Kharálampos Goyós, Alexandro Kanavos e Kleopatra Peraki. ☻☻☻☻☻

#FDS Estranha Onda Grega: Attenberg

Labed e Mourikis: despedida de gerações.  

Lançado no Festival de Veneza de 2010, de onde saiu com o prêmio de melhor atriz para Ariane Labed, Attenberg se tornou um dos marcos iniciais da Estranha Onda Grega, que no ano anterior já havia chamado atenção no Festival de Cannes com Dente Canino  de Yorgos Lanthimos. No entanto, embora muitos considerem a naturalidade com que fala de sexo um ponto polêmico do filme, Attenberg consegue ser bastante leve perante as temáticas que agrega em torno de Marina (Ariane Labed a ginasta de Alpes/2011), jovem de 23, sem namorado ou vida sexual que divide a rotina de levar o pai (Vangelis Mourikis) para sessões de tratamento contra o câncer e conversar com a amiga, Bella (Evangelia Randou de Kinetta/2007) - que tenta tirar sua amiga da inércia amorosa a ensinando como beijar ou fazer sexo. As duas também fazem coreografias desengonçadas pelas ruas vazias do bairro que habitam e conversam sobre o interesse crescente de Marina por um operário que trabalha nas redondezas e que ela serve de motorista (papel desempenhado por Yorgos Lanthimos). A diretora Athina Rachel Tsangari faz uma estreia interessante e bem humorada sobre o impasse que a protagonista vivencia: a proximidade da morte do pai e a necessidade de seguir a vida por conta própria, o que representa o olhar de uma nova geração sobre o fim da anterior. Marina nem fazia ideia da crise econômica que cairia sobre seu país nos anos seguintes e seu pai se despede dizendo que "não lhe ensinou nada" e que, como todo arquiteto, "merece ir para o inferno". A relação entre pai e filha é bastante terna e por vezes gera situações inusitadas (e não me refiro às cenas em que os dois imitam os animais dos documentários de David Attenborough para BBC - o que reforça um certo impasse de Marina perante o crescimento). A ideia de solidão e isolamento também é muito presente, seja pelas ruas ou corredores vazios durante quase todo o filme que reforçam a sensação deslocada da personagem. Temperando a estranheza com bom humor, parece até dissonante com os filmes de seus colegas cineastas contemporâneos. A diretora Athina foi produtora de dois filmes de Yorgos Lanthimos e, levando em conta a fama mundial do diretor (que já soma 3 indicações ao Oscar) é interessante vê-lo se desnudar perante a câmera seguindo a linha de interpretação que imprime aos seus atores, chega a ser surpreendente como seu jeito quase anestesiado soa sexy em cena no contraste com toda a vitalidade que Ariane Labed imprime à Marina. Este contraste gera momentos bem bolados como a cena em que ele a veste e outras engraçadas como a transa que parece um interrogatório. Imprevisível em seu cruzamento entre crescimento e morte, Attenberg soa como um rito de passagem da adolescência para a vida adulta, ou o momento que precede a tormenta que se abateu sobre a Grécia. 

Attenberg (Grécia/2010) de Athina Rachel Tsangari com Ariane Labed, Vangelis Mourikis, Evangelia Randou e Yorgos Lanthimos. ☻☻☻