HIGH FI✌E: Outubro

Cincos filmes vistos durante o mês que merecem destaque:

 

"Em Chamas" de Chang Don Lee

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"Gosto de Sangue" de Joel & Ethan Coen

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"Longe do Paraíso" de Todd Haynes 

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"Nostalgia" de Andrei Tarkovsky

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"The Forty Year Old Version" de Radha Blake 

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4EVER: Sean Connery

25 de agosto de 1930 ✰ 31 de outubro de 2020

Nascido na cidade de Edimburgo, o escocês Thomas Sean Connery foi leiteiro, marinheiro, caminhoneiro e modelo vivo no Colégio de Artes de Edimburgo antes da carreira de ator (que começou depois que ficou em terceiro lugar no concurso de Mister Universo). Embora tenha feito pequenos trabalhos no cinema e na TV na década de 1950, ele ficou famoso em 1962 ao ser o primeiro ator a encarnar o icônico agente 007 em O Satânico Doutor No. Ele voltou a viver James Bond em outros quatro filmes de sucesso e quando abandonou o papel (com Nunca mais Outra Vez/1983) já era um dos maiores atores do cinema. Ao longo da carreira atuou em mais de noventa projetos e ganhou mais de 30 prêmios. Trabalhou com Alfred Hitchcock (Marnie/1964), Sidney Lumet (Assassinato no Oriente Express/1974), John Huston (O Homem que Queria Ser Rei/1975),  Brian de Palma (Os Intocáveis/1987, que lhe rendeu o Oscar de ator coadjuvante), Steven Spielberg (Indiana Jones e a Última Cruzada/1989) e Gus Van Sant (Encontrando Forrester/2000). Sua última aparição nas telas foi em A Liga Extraordinária (2003) que acabou rendendo sua aposentadoria após os desentendimentos com o diretor Stephen Norrington. Com charme, carisma imbatível e voz marcante, Sean foi um dos maiores astros do cinema. A família não divulgou a causa da morte. 

PL►Y: Em Chamas

In-Yoo, Jun e Steven: literalidade assustadora. 

Ganhador do prêmio FRIPESCI no Festival de Cannes em 2018 e presente em várias lista de melhores filmes daquele ano, o sul-coreano Em Chamas teve distribuição modesta no Brasil e merece atenção pelo clima de tensão que constrói gradativamente através do poder da sugestão. Assim como o protagonista, nós preenchemos as entrelinhas sobre o que vemos na tela (e fazemos com certo arrepio, já que eleva este drama adolescente com comentários sociais a um suspense psicológico - que poderia muito bem ser um filme de horror se o diretor não optasse por deixar boa parte das atrocidades fora de cena, apenas fermentando em nossas cabeças). O protagonista é Lee Jong-Su (Ah In-Yoo) um rapaz solitário que reencontra uma amiga de infância, Hae-mi (Jong-seo Jun) e os dois logo reestabelecem o forte vínculo. Nasce uma espécie de namoro que nunca é classificado como tal, mas que preenche a rotina solitária do rapaz pobre que trabalha como entregador. A vida de Hae-mi não é muito diferente, mas seu ânimo perante a vida traz novas cores para vida de Jong-Su. Ela mora num apartamento minúsculo, que divide com um gato, que nunca aparece, e perante uma viagem que ela precisa fazer, ela precisa que o amigo cuide do felino diariamente. Este é o primeiro ato do filme que segue sem maiores surpresas por quase uma hora (o maior enigma na história é o tal gato invisível), mas o diretor Chang Don Lee muda logo o tom das coisas com a chegada de Ben (Steven Yeun). Rapaz de família rica que se tornou amigo de Hae-mi na viagem. O trio logo parece formar um triângulo amoroso em meio aos encontros e os diálogos sugestivos que começam a aparecer. No entanto, algo parece não se encaixar. Algo parece torto, fora do lugar e só piora quando Ben conta um hábito estranho que possui já há algum tempo - o qual pratica com regularidade a cada dois meses e que, em breve, executará novamente. É neste detalhe que Em Chamas coloca ali a peça que faltava para que nossas desconfianças se concretizem de que algo terrível irá acontecer. Quando algo inesperado acontece, nosso olhar, assim como de Jong-Su parece apontar para o mesmo caminho. Detalhes começam a aparecer, nosso olhar sobre a história muda e instaurou e as suspeitas apontam cada vez mais para o mesmo lugar. Chang Don-Lee assina o roteiro (ao lado de Jungmi Oh) baseado no conto de Haruki Murakami (chamado Barn Burning que não irei traduzir para evitar falar demais) e traz a mesma sensação sugestiva da construção de um filme na cabeça ao ler o conto. No entanto, não satisfeito com o mistério, o cineasta tempera as relações de seus personagens com ciúme, libido e um comentário sobre as desigualdades sociais na Coréia do Sul. O título que no início parecia se referir ao sentimento entre Jong-Su e Hae-mi, logo parece se referir ao ciúme e depois à suspeita do ato terrível que um dos personagens pode ter cometido.  Quando o filme terminou, confesso que o achei decepcionante. Mas ele continuou em minha cabeça ao longo da semana e se construiu de forma bem mais contundente com o tempo (e lembrei muito do Xavier Dolan ressaltando o quanto considera estúpido dizer se gostou ou não do filme assim que ele termina de ser projetado, afinal, ele terminará em nossa cabeça só depois de algum tempo).  Aqui o final surpreende e faz refletir sobre nossas certezas motivando atos e consequências,  mas fica ainda mais rico se fizermos uma outra leitura, que eleva os sentimentos entre os três personagens a outro nível.  Ainda acho que aquele encontro final tinha um outro motivo, bem mais revelador e que não teve tempo de ser dito - o que torna o desfecho ainda mais triste depois da literalidade se instaurar. 

 Em Chamas (Beoning / Coreia do Sul - Japão / 2018) de Chang Don Lee  com Ah-In Yoo, Steven Yeun, Jong-seo Jun, Sun-Kyung Kim e Bok-gi Min ☻☻☻☻

PL►Y: Borat - O Filme Subsequente

Maria e Sacha: o mundo mais bizarro é o real.

O britânico Sacha Baron Cohen já provou que não é ator de um personagem só, no entanto, por mais que tenha buscado papéis diferentes nos últimos anos (como em Os Sete de Chicago/2020), existe um consenso de que um personagem sintetiza melhor tudo o que ele é capaz de expressar através de seu senso de humor, digamos, peculiar. Trata-se de Borat Sagdiyev. Criado pelo comediante para o programa Da Ali G Show(2003-2004).  Mas seu humor ácido sobre preconceitos diferenças culturais ganhou o mundo com sua versão para o cinema de nome quilométrico Borat: O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América (2007) em que o ator vestido do  personagem passava grande parte do tempo interagindo com pessoas que acreditavam na apresentação esdrúxula que o título prometia. Que o humor de Borat é repleto de besteirol, absurdos, grosseiras, bizarrices e um bocado de preconceitos sintetizados (num amálgama inconcebível até então) todo mundo já sabia, mas ver pessoas comuns embarcando naquelas sandices achando que era algo aceitável deu um tempero considerável (e assustador) ao documentário farsesco. Obviamente que havia todo aquele exagero sobre a realidade do Cazaquistão, as piadas com judeus apresentados como monstros e aquela luta inesquecível que levou o filme muito além do que a maioria das comédias ousaram chegar. Pelo trabalho Cohen se tornou conhecido mundialmente, levou para casa o Globo de Ouro de ator de comédia e ainda foi indicado ao Oscar de roteiro adaptado, mas para além disso, mostrou o quanto uma sátira corrosiva pode ser importante para refinar nosso olhar sobre um mundo em que tudo parece banalizado. Se treze anos atrás o filme conseguia alcançar este mérito, imagina atualmente onde se questiona se a Terra é redonda ou se o holocausto realmente aconteceu, ao mesmo tempo em que a patrulha do politicamente correto trabalha a todo vapor? São extremos de um mundo polarizado que O Filme Subsequente de Borat: Entregando um Suborno Prodigioso ao Regime Americano para Beneficiar a Nação que já foi Gloriosa do Cazaquistão procura conciliar em sua hora e meia de atrocidades que divertem e assustamao apresentar um mundo que parece pura ficção. A veia do mockumentary continua ali, afinal, Borat sofreu as consequências pela imagem que apresentou do seu país. Foi castigado e preso, até que para se redimir foi encaminhado para uma missão: aproximar o presidente de seu país do presidente dos Estados Unidos. Nesta tarefa ele tem dois obstáculos: sua filha adolescente que o persegue até a Terra do Tio Sam e a fama conquistada pelo seu filme anterior. Logo a filha adolescente se torna alvo daquelas piadas de puro escracho, como o "manual para proprietário de filhas" que prega sobre cria-la numa jaula e outras delicadezas (e revela a desconhecida Maria Bakalova como ótima parceira de escracho). Já a fama rende uma série de disfarces que revela que se a Terra não é plana, pelo menos ela deve girar para trás ao repetir o procedimento de câmera (de celular muitas vezes) escondida. Se ele constrói uma caricatura do Cazaquistão, por outro lado, sua jornada pelos EUA revela um país real bastante complicado. Neste ponto, existe o aspecto que mais me surpreendeu no filme: trata-se da primeira produção cinematográfica a retratar a pandemia de Covid-19, praticamente em tempo real (e este ponto que deixa o arremate do filme com um sabor ainda mais especial). Borat 2 atira para todos os lados com a mesma bala: feministas, democratas, republicanos, judeus, Facebook, baby sugars, teorias revisionistas, leste europeu, movimento anti-vacina, conspiração chinesa e apresenta uma teoria para a proliferação do vírus que ninguém imaginaria. Ainda que o filme não tenha o gosto da novidade do primeiro, a distância de treze anos entre os dois serviu para mostrar que a piada que era local no primeiro filme agora se universalizou e, o mundo se parece cada vez mais com uma grande piada - que seria cômica... se não fosse trágica. 

Borat: O filme Subsequente (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan) de Jason Woliner com Sacha Baron Coen, Maria Bakalova, Tom Hanks, Dani Popescu e Miroslav Tolj. ☻☻☻☻ 

Combo: Sci-Fi baixa renda

A ficção científica é um gênero cinematográfico que é famoso por seus orçamentos inchados, que geralmente ultrapassam cem milhões de dólares. Quando o investimento retorna em lucro de bilheteria todos ficam felizes, mas quando não... o estrago é grande. Quem se aventura por viagens no tempo, idas para outros planetas, encontros com alienígenas ou visitas à outras dimensões ainda precisa tomar cuidado para não cair no ridículo (e com orçamentos modestos a precariedade tem mais chances de comprometer tudo). Este combo é sobre os cinco filmes de ficção científica de baixo orçamento que mais aprecio. Critérios para estar na lista: ter custado menos de dez milhões de dólares e eu ter gostado muito (o que deixou vários baratinhos de fora). Considerei a dificuldade em lidar com grandes ideias e pequeno orçamento para estabelecer a ordem dos filmes por aqui, já que cada um tem suas qualidades próprias:

5 High Life (2018) 

Considero este um dos filmes mais interessantes de 2018. A diretora francesa Claire Denis, famosa por seus filmes dramáticos, faz aqui sua ótima estreia no gênero sci-fi com um filme lento, claustrofóbico, agressivo e estranhamente sexual. A história gira em torno de um homem (Robert Pattinson) e um bebê dentro de uma nave espacial. Aos poucos conhecemos a história daquele lugar (um misto de presídio e laboratório vagando pelo espaço). Até o final a exaustão do protagonista e sua falta de perspectivas tornam o filme mais do que comovente. Se o dinheiro era curto (cerca de nove milhões de dólares),  a diretora compensou com sentimentos complicados tratados com maestria. 

4 Lunar (2009)

Esta foi a brilhante estreia de Duncan Jones (o filho de David Bowie) no cinema. Embora seus filmes seguintes não tenham despertado o mesmo interesse de público e crítica, Lunar funciona numa engrenagem perfeita que revela sua história aos poucos. Sam Rockwell está magnífico como o astronauta que vive em uma base lunar e não vê a hora de voltar para casa. Sua única companhia é um sistema operacional com voz de Kevin Spacey , mas seu cotidiano é mudado completamente quando encontra um... companheiro de missão aparece por lá. digam o que quiserem, Rockwell merecia um Oscar por este filme (que custou surpreendentes cinco milhões de dólares)

 

3 Riqueza Tóxica (2019)

Produzido no ano passado pelo canal Dust (vale a pena procurar no Youtube), o filme com orçamento de quatro milhões de dólares chamou tanta atenção quando foi exibido em festivais que foi comprado pela Netflix. O filme conta a história de um astronauta e sua filha que viajam até a lua de um planeta para colher uma substância valiosa até que... situações inesperadas começam a acontecer revelando um verdadeiro mercado criminoso daquela mercadoria. No entanto, o que vale mesmo a sessão é a ótima interação da menina Sophie Tatcher ao lado do parceiro Pedro Pascal. 

2 A Vastidão da Noite (2020)

O longa de estreia do diretor Andrew Patterson surpreende pelo domínio narrativo do diretor. O filme investe no poder na sugestão para ganhar o espectador na história de um radialista e uma telefonista que acreditam que naquele dia perdido nos anos 1950 a cidade onde moram terá visitantes muito especiais. O filme cria aos poucos um emaranhado de suspeitas e guarda seus efeitos especiais para o último momento (e deixa no espectador o gosto de quero mais). Tudo isso com o orçamento minúsculo de sete mil dólares. O filme foi sucesso de crítica e um dos mais comentados do ano ao entrar no catálogo do Prime Video. 

1 Primer (2004)

Rezo todo dia aos deuses do cinema para o diretor Shane Carruth reavaliar os rumos de sua vida e retomar sua carreira de cineasta (atualmente ele trabalha com estudantes de cinema). Primer foi o primeiro de seus dois filmes e deixava claro que Shane não estava com intenção de fazer filmes comuns. O filme é sobre um experimento que parece não ter funcionado e aos poucos demonstra seus problemáticos resultados. Formado em Matemática, aqui Shane atua, produz, dirige, escreve, edita e fez a trilha sonora no que deve ser o filme sobre viagens temporais com mais linhas de tempo emaranhadas na história do cinema. Tenso, caótico e surpreendente, o filme custou  apenas sete mil dólares e recebeu quatro indicações ao Independent Spirit Awards. Vale ver e rever e rever e rever e rever...

#FDS Tarkovsky: Solaris

Kris e Khari: reencontros no espaço. 

Terminando o fim de semana com Andrei Tarkovksy aqui no blog, escolhi aquele que deve ser o filme mais conhecido do diretor russo. Solaris é a adaptação do cineasta para a obra de Stanislaw Lem e, conhecendo a obra do diretor, percebe-se logo o motivo de seu interesse pela obra (ainda que a primeira vista o gênero ficção científica soe distante de sua cinematografia). O filme gira em torno dos estranhos acontecimentos ocorridos numa base espacial em órbita no planeta Solaris. Sua superfície é coberta por um vasto oceano que parece ter vida e mostra-se indomável aos estudos feitos sobre o planeta. A primeira parte do filme é bastante explicativa sobre o que acontece por lá, já que os astronautas passam a ser visitados por pessoas importantes em suas vidas que ficaram no planeta Terra ou que até já faleceram, mas não se trata de alucinação, concretos em sua materialidade, estas "visitas" tem um efeito perturbador. Para conhecer melhor o que está acontecendo, indicam um psicólogo, Kris Kelvin (Donatas Banionis) e chegando lá, sua objetividade é colocada à prova ao se reencontrar com a sua falecida esposa (vivida por Natalya Bondarchuk). Este ponto de partida (para além das explicação científica que o filme revela sem maiores detalhes) permite ricas leituras não apenas sobre a corrida espacial que estava tão latente durante a Guerra Fria, mas também caracterizar o anseio do homem em conhecer novos mundos para fazê-los sua imagem e semelhança. Embora os outros personagens não ganhem muito destaque quanto às projeções que realizam, a relação de Kris com a mulher já rende momentos complicados sobre os sentimentos dele e a crise de identidade sentida por ela. A concepção cerebral do cineasta em torno da história consegue prender a atenção e desviar os olhos do orçamento modesto (que afeta drasticamente a concepção dos cenários e figurinos, além de soluções possíveis para os efeitos visuais), mas gera momentos curiosos como os homens vestindo ternos na base espacial e uma biblioteca que parece pertencer a algum casarão - e acredito que isso faça parte do jogo de aparências que os oceanos enigmáticos traça para os seus visitantes. Porém, este é o filme de Tarkovsky que menos me emociona, talvez por sentir falta dos silêncios, das simbologias, das imagens falando por si que são tão marcantes no cinema do diretor (e talvez por isso a parte que eu mais gosto é o desfecho arrepiante após mais de suas horas e meia de filme). O próprio Stanislaw Lem se desentendeu com  o diretor na época. Lançado nos anos 1960, o livro Solaris se tornou uma das obras polonesas mais lidas no mundo justamente pela forma como Lem enfatiza como a humanidade olha para o desconhecido procurando um espelho. O romancista considerou que o filme de Tarkovski se tornou uma obra sobre culpa e luto, uma espécie de "Crime e Castigo no Espaço", conforme ele mesmo disse (e a coisa piorou mais ainda quando Steven Soderbergh fez da sua versão de 2002 uma Love Story Espacial). A sorte é que até quando não entrega seu melhor trabalho, Tarkovsky ainda é relevante - e com um material deste nas mãos, o resultado ainda é melhor do que a maioria dos filmes que temos contato todos os dias.  

Solaris (Solyaris / União Soviética - 1972) de Andrei Tarkovsky com Natalya Bondarchuk, Donatas Banionis, Jüri Järvet e Nikolay Grinko. ☻☻☻

#FDS Tarkovsky: Nostalgia

Oleg: poesia visual pelas lentes de Tarkovsky. 

Reza a lenda que uma vez o cineasta Andrei Tarkovsky participou de uma sessão espírita e teria recebido uma comunicação do poeta e romancista russo Boris Pasternak, que comunicou que ele dirigiria sete filmes. Desiludido, Andrei perguntou "Mas somente sete?" e Boris respondeu "Mas serão ótimos!". Nostalgia é o penúltimo filme do diretor e manteve o alto conceito de sua cinematografia. Este foi o primeiro do cineasta a que assisti (lembro que foi numa tarde chuvosa de julho, o que ajudou muito para entrar no clima do filme - e confesso que adoro ver filmes do leste europeu em dias frios). Confesso que achei um dos filmes mais bonitos que já assisti, não apenas pela história em si, mas pela forma como o diretor produz suas imagens e constrói as transições com uso de luzes e sombras no que poderia ser pensado como um exercício da memória ou  realidade e sonho, mas também passado e presente. O filme retrata a viagem de um poeta russo chamado Andrei Gorchakov (Oleg Yankovski) pela Itália em busca de inspiração para a vida. Ele está nesta jornada há três meses ao lado de uma atriz (Domiziana Giordano) e a tensão sexual entre eles é bastante palpável. O filme os acompanha ao chegar a um vilarejo ao norte italiano e, ainda pensativo sobre os rumos que sua vida tomou até ali, ele passa a olhar aqueles cenários e locações pela lente de suas lembranças, o que transforma os cenários e personagens com o que deixou em sua terra natal. Neste ponto da viagem, o protagonista ainda fica instigado com Domenico (Erland Josephson), conhecido como um morador excêntrico e solitário da região que  guarda um segredo trágico que funciona como uma projeção da história que Andrei deixou na União Soviética. Tarkovsky opta sempre por caminhos não óbvios ao destacar a jornada destes dois personagens masculinos com trajetórias e desfechos distintos na história que trabalha muito bem, entre a loucura e o onírico está o atrito entre a vida de ambos. Se um termina protegendo uma chama na esperança de fazer um mundo melhor, o outro utiliza a chama como forma de protesto visceral diante de uma plateia apática. Nostalgia se constrói a partir da construção de cenas que são pura poesia num verdadeiro reflexo da psiquê de seus personagens. No entanto, o mais notável é a forma como o diretor trabalha sua fotografia entre luzes, sombras, cores e planos que modificam a cena diante dos nossos olhos num verdadeiro espetáculo cinematográfico. Trata-se não apenas de um mergulho na mente do protagonista e que pode gerar diversas interpretações por parte do espectador (especialmente quando imaginamos que este foi o primeiro filme do diretor fora de sua terra natal). A beleza desta obra recebeu três prêmios no Festival de Cannes: melhor realizador, prêmio do júri e o FIPRESCI (Federação Internacional de Críticos de Cinema) e até hoje funciona pleno em com suas imagens hipnóticas que fazem o que Tarkovsky sempre chamou de esculpir o tempo através de seu cinema. 

Nostalgia (Nostalghia / União Soviética - Itália / 1983) de Andrei Tarkovsky com Oleg Jankovsky, Erland Josephson, Domiziana Giordano, Patrizia Terreno, Laura De Marchi, Delia Boccardo, Milena Vukotic, Raffaele Di Mario, Rate Furlan, Livio Galassi, Elena Magoia, Piero Vida, Lia Tanzi e Sergio Fiorentini. ☻☻☻☻☻

#FDS Tarkovsky: O Sacrifício

Alexander e seus convidados: início do apocalipse. 

Considerado por muitos o maior cineasta russo, Andrei Tarkovsky nasceu em 1932, filho de um poeta e uma atriz, Andrei criou uma verdadeira mistura destas referências familiares ao se formar na escola de cinema de VGIK em Moscou. Desde seu primeiro filme (A Infância de Ivan/1962) ele deixou claro que seu cinema seria bastante peculiar - para o desespero dos sensores de seu país que consideravam sua obra quase incompreensível para o grande público. Aclamado mundialmente, seus filmes mesclam a realidade de seus personagens com memórias, sonhos e fantasias. Sua linguagem própria lhe garantiu uma obra digna de estudos e terminou sua carreira precocemente com O Sacrifício de 1986. Como a maioria dos filmes do diretor, a trama parte de uma ideia simples que ganha complexidade pelo rumo inusitado dos acontecimentos. Aqui o centro da história é o encontro de familiares e amigos para a comemoração do aniversário de Alexander (Erland Josephson), mas após ouvirem uma notícia no jornal, o rumo da comemoração se altera drasticamente. Gerado em meio à tensão da Guerra Fria e a ameaça constante de uma guerra nuclear, o resultado é um filme intimista sobre o temor ao fim do mundo, o medo do que poderá acontecer diante de uma ameaça que não se sabe ao certo as consequências para quem por um acaso ficar vivo (seria muito otimista dizer sorte, já que diante da devastação e recursos escassos, a vida seria completamente diferente e de provável sofrimento até o fim). A partir da notícia o diretor cria um verdadeiro pesadelo, refletido pelo desespero da esposa perante o apocalipse anunciado ou a tranquilidade da criança que dorme sem saber o que passa ao seu redor. Neste ponto é Alexander que passa a refletir mais ainda sobre sua vida, o que fez, o que deixou para trás (uma carreira promissora de ator por medo do sucesso) e principalmente a vida isolada e paradisíaca que optou por ter ao lado da esposa e do filho enquanto o mundo lá fora se despedaça. Esta parte da tragédia anunciada se torna um contraponto ainda maior com o início bucólico em que pai e filho conversam com um carteiro e que o medo maior do pai era aquele momento em que criança se perde no bosque - cena que termina com uma daquelas cenas em que o protagonista demonstra de que ações impensadas somos capazes de tomar quando estamos com medo. Esta ideia é bastante importante para que compreendamos o desfecho do filme, onde o fim daquela vida idílica é declarado pelo próprio personagem após uma daquelas saídas que fazem o cinema de Tarkovsky tão diferente. O cineasta compõe seu filme em uma tensão que evolui lentamente enquanto brinca com as cores entre os atos e deixa a sensação de desalento tomar conta da maior parte do tempo. Não é um filme fácil de assistir, mas com certeza é uma experiência inquietante. O que era o início de uma nova idade se torna o recomeço de um novo ciclo, mas que o protagonista por uma ato surpreendente (e que poderia até parecer egoísta) declara o fim do que lhe era tão cômodo e confortável. Não por acaso a cena derradeira é do menino em sua inocência perante o mundo que recebe de presente das gerações anteriores e a promessa do que seria capaz de fazer diferente (e não por acaso, a cena aos pés de uma árvore faz alusão à primeira cena de A Infância de Ivan, como se fechasse um verdadeiro ciclo na vida do cineasta). As locações na suécia motivaram ainda mais as comparações do cineasta com o estilo de Ingmar Bergman (e Josephson era um dos atores favoritos de Bergman). O filme merece uma leitura ainda mais especial quando imaginamos que o cineasta faleceu no mesmo ano de lançamento, aos 54 anos em decorrência de um câncer de pulmão. 

O Sacrifício (Offret / Suécia - França - Reino Unido / 1986) de Andrei Tarkovsky com Erland Josephson, Susan Fleetwood, Sven Wolter, Tommy Kjellqvist, Guðrún Gísladóttir, Valérie Mairesse e Filippa Franzén. ☻☻☻☻

Pódio: Kristin Scott Thomas

 3º Quatro Casamentos e Um Funeral (1994)

Bronze: A amiga platônica. 

A inglesa Kristin Scott Thomas tinha mais de vinte trabalhos no cinema e na televisão quando chamou atenção, aos 34 anos, como a amiga um tanto amarga de Hugh Grant neste sucesso do diretor Mike Newell. Elegante e de humor cortante, Fiona nunca consegue disfarçar seu encantamento pelo amigo Charlie até o momento emocionante em que declara seu amor platônico por ele. Embora seja um papel pequeno, muita gente torcia para que a atriz ficasse com o mocinho da história. Curiosamente, Kristin fez a esposa de Hugh Grant em outro filme de seu currículo: Lua de Fel (1992) de Roman Polanski. 

2º Há Tanto Tempo que te Amo (2008)

Prata: a irmã criminosa

Neste filme francês, a atriz vive Juliette, que acaba de sair da prisão. Recai sobre ela não apenas os preconceitos por ter cometido um crime, como a culpa por uma tragédia pessoal. Em contraponto a uma personagem que poderia ser monstruosa, está a relação dela com a irmã e a humanização da dor em cada cena pelos olhos tristes da atriz. O trabalho complexo a indicou ao Globo de Ouro de Melhor atriz dramática e rendeu uma indicação ao BAFTA. Embora tenha sempre atuações relevantes em produções diversas, as premiações não costumam lembrar de Kristin. A atriz chegou a manifestar seu desânimo em 2013 por conta disso e a atriz recebeu o apoio de fãs de todo mundo que admiram seu trabalho.  

1º O Paciente Inglês (1996)

Ouro: a esposa adúltera. 

O filme levou para casa nove Oscars (incluindo filme e direção) da lista de onze indicações que recebeu e se tornou um dos grandes épicos românticos da história do cinema (e isso com orçamento fora de um grande estúdio). Kristin foi lembrada na categoria de melhor atriz pelo papel de grande amor do personagem do título, uma mulher casada que viveu um tumultuado romance em meio à Segunda Guerra Mundial. Sobrepondo romance e drama de guerra, o diretor Anthony Minghella remete muito ao cinema grandiloquente de David Lean em cenas impressionantes. No meio disso tudo, Kristin Scott Thomas está perfeita no papel de uma diva clássica do cinema. 

PL►Y: Rebecca - A Mulher Inesquecível

Armie e Lily: coragem em refilmagem.

 O livro  Rebecca - A Mulher Inesquecível da escritora britânica Daphne du Maurier se tornou um sucesso editorial em seu ano de lançamento (1938) e logo teve seus direitos para o cinema comprados para marcar a estreia de Alfred Hitchcock em Hollywood nos idos de 1940. Estrelado pelo icônico Laurence Olivier e fazendo de Joan Fontaine uma estrela, o filme foi indicado onze Oscars e levou para casa dois: fotografia em preto e branco e Melhor Filme. Hitch não colocava o filme entre os seus favoritos, especialmente por conta dos atritos com o produtor David O. Selznick, além disso o filme se tornou polêmico pela forma como o diretor tratava sua estrela durante as filmagens (afim de tornar sua atuação mais crível como a insegura Senhora DeWinter). Ou seja, Rebecca se tornou uma daquelas obras clássicas que tem uma verdadeira mítica em torno de si e até hoje atrai fãs para sua atmosfera tensa e sugestiva. Ainda que a obra tenha rendido outras versões menos celebradas, ainda é preciso uma dose invejável de coragem para refilmar a obra de um mestre do cinema como longa-metragem. Eis que o diretor Ben Wheatley (do assustador Kill List/2011 e do recente Free Fire/2016) resolveu fazer sua versão do livro para a Netflix. Enquanto todo mundo se perguntava se era realmente necessário mais uma versão, Wheatley argumentava que muita gente não assiste o filme por conta da linguagem da época ou por ser em preto e branco e que uma nova leitura é sempre interessante e blablabla... enfim, admiro sua capacidade de colocar a cara a tapa. Especialmente quando a leitura que ele faz do livro é bem menos interessante do que a feita por Hitchcock, afinal, se a história ganha contornos de suspense psicológico naquele filme clássico, na nova versão o romance se sobrepõe a qualquer outra característica, drenando muito o que tornava o par principal tão instigante e até perturbador. O filme conta a história de uma jovem de origem simples (Lily James) que se apaixona rapidamente por um viúvo lindo e rico, Maxim de Winter (Armie Hammer). Os dois resolvem se casar  e ela vai morar na mansão com ele e sua dezena de empregados. O problema é que ainda paira sobre a mansão e seus frequentadores a memória da falecida Srª de Winter, Rebecca que é sempre citada como um exemplo de beleza, refinamento, inteligência e tudo mais que há de bom. Boa parte do culto à ela se deve à governanta Mrs Danvers (Kristin Scott-Thomas, perfeita) que usa de artimanhas manipuladoras para minar o novo casamento de seu patrão. A estrutura desta nova versão é igual ao clássico, os fatos seguem o mesmo rumo, embora tenha usado de mais sensualidade para retratar a história do casal. No entanto, o filme perdeu muito de sua atmosfera, deixando Lily James bem longe do desconforto constante que víamos em Joan Fontaine e Armie Hammer faz uma versão bem menos angustiada de Maxim, o que também o deixa menos misterioso e retira muito do impacto do segredo que guarda por boa parte da sessão. Quem não conhece o filme de 1940 vai achar que é uma história de amor comum, mas quem viu terá a ideia que embora esta nova versão tenha cenários, figurinos, locações e fotografia de encher os olhos, a narrativa perdeu muito do seu encanto. Quem colabora para deixar o filme com algum brilho é a sempre competente Kristin que está perfeita como a empregada ainda muito ligada à sua antiga patroa. Sua presença quase hipnótica nas cenas foi o que ainda me proporcionou alguma satisfação nesta nova versão.

Kristin e Lily: governanta de repeito. 

Rebecca - A Mulher Inesquecível (Rebecca - EUA / Reino Unido -2020) de Ben Wheatley com Lily James, Armie Hammer, Kristin ScottThomas, Ann Dowd, Pippa Winslow, Sam Riley e Bryony Miller. ☻☻ 

CATÁLOGO: Longe do Paraíso

Moore: pose de diva premiada. 

Talvez a carreira do californiano Todd Haynes possa ser dividida em antes e depois de Longe do Paraíso. Antes, Haynes era lembrado diretamente como um dos nomes mais curiosos do cinema indie americano, responsável pelos provocadores Veneno (1991), A Salvo (1995) e Velvet Goldmine (1998). Embora diferentes entre si, os seus três primeiros filmes criaram controvérsias e dividiram opiniões quanto às suas temáticas - mas Velvet já demonstrava que o mainstream estava de olho nele, afinal, ninguém é capaz de fazer uma releitura do glam rock dos anos 1970 citando Lou Reed, Bowie e Iggy Pop sem chamar atenção (o filme foi lembrado no Oscar de melhor figurino). Quando Haynes lançou Longe do Paraíso, público e crítica ficaram surpresos pela forma como o diretor evocava diretamente um cinema que estava fora de moda, considerado até cafona em seus apelos à memória de Douglas Sirk, o cineasta alemão que fez história em Hollywood com seus melodramas nos anos 1950. Haynes bebe diretamente nesta fonte e cria um filme de estética irretocável, com fotografia deslumbrante, figurinos impecáveis e ajuda de uma estrela que personifica um daqueles papéis que as divas do cinema defenderiam tão bem ao exibir a casca de perfeição que se corrói em tristeza interior. Julianne Moore (que estrelou A Salvo e outros filmes do diretor após este aqui) interpreta Cathy Whitaker, uma dona de casa que leva uma vida aparentemente perfeita ao lado do esposo, Frank (Denis Quaid) e o casal de filhos. Ele é um executivo influente de uma empresa da região e cabe à esposa contribuir para a construção de uma imagem idílica sobre este homem fora do trabalho. No entanto, os constantes atrasos do esposo começam a intrigar Cathy, que resolve fazer uma surpresa no trabalho dele e se depara com um segredo que mudará sua vida para sempre. Some isso à atração que ela começa a sentir pelo jardineiro, Raymond (Dennis Haysbert) que é negro e o que vemos é Haynes sobrepor preconceitos para o que antes era um paraíso se tornar um sufocante jogo de aparências. As atitudes dos personagens desencadeiam uma série de situações que rompe com a casca de perfeição e os torna vulneráveis perante o que a sociedade tem de mais conservadora. Não é por acaso que o filme é ambientado nos anos 1950 com a estética inebriante de um mundo que estava prestes a enfrentar mudanças consideráveis na década seguinte. Esta necessidade de mudança necessária está mais do que presente no casal Whitaker, que precisa decidir entre estar presos às convenções ou à liberdade de escolher o que se deseja. Neste dilema, Denis Quaid tem um dos melhores momentos de sua carreira, mas o espetáculo fica por conta de Julianne Moore que teve um ótimo ano em 2002, levando para casa o prêmio de melhor atriz no Festival de Veneza por este filme e sendo indicada ao Oscar de melhor atriz por seu trabalho (no mesmo ano ela concorreu como coadjuvante por As Horas após ter levado para casa o prêmio de atriz em Berlim ao lado de Nicole Kidman e Meryl Streep). Além da indicação ao Oscar de atriz, Longe do Paraíso concorreu ainda pela fotografia, trilha sonora e indicou Haynes ao Oscar de roteiro original. 

Longe do Paraíso (Far from Heaven / EUA - 2002) de Todd Haynes com Julianne Moore, Denis Quaid, Denis Haysbert, Patricia Clarkson e Viola Davis. ☻☻☻☻

CATÁLOGO: 32 de Agosto na Terra

Pascale e Martin: platonismo bilateral. 

O primeiro filme do canadense Denis Villeneuve já chama atenção pelo seu título inusitado. 32 de agosto na Terra é uma romance que segue por caminhos tão estranhos quanto o título promete, aliás, sua trama segue pelos dias 33 de agosto, 34, 35... até que uma acontecimento drástico faz finalmente o mês de setembro chegar. Parece até a brincadeira que nós brasileiros costumamos dizer sobre o mês de agosto durar mais do que seus trinta e um dias prometem (a ausência de feriados é algo que colabora muito para isso), mas em se tratando de um filme canadense esta leitura parece mera coincidência. A ideia é mostrar como a vida da protagonista está meio fora do eixo, especialmente se levarmos em consideração que logo no início ela sofre um acidente e após caminhar pelas redondezas acaba se deparando com o próprio carro como se estivesse andando em círculos. Esta ideia de que o tempo estacionou já foi usado em outros filmes, mas nunca de forma tão sutil quanto aqui. Enquanto tenta retomar seu rumo, Simone (Pascale Bussières) acaba recorrendo a uma amigo, Phillipe (Alexia Martin) para lhe ajudar a encontrar um sentido para a vida: ter um filho. No entanto, Simone não quer um romance ou casamento, ela quer apenas um bebê que possa preencher o vazio com que se deparou após sofrer o tal acidente. Surpreso com a proposta, Phillipe não digere muito bem a ideia, nem tanto pelo fato de ter que fazer o herdeiro, mas pela forma pouco afetuosa como a proposta lhe é feita. Phillipe é apaixonado por Simone e por mais que ele tente esconder, a plateia percebe logo. A partir deste ponto, o roteiro insere o casal em situações um tanto surreais em que discutem o relacionamento existente entre aquele homem e aquela mulher. Portanto, se torna um tanto simbólico que os dois sejam os únicos presentes na imensidão do deserto e hesitem fazer sexo, ou quando após uma longa jornada se deparam com um quarto futurista e o sexo continua pertencendo somente ao mundo das ideias. Entre o ideal e o real, o projeto e o realizado, 32 de agosto na Terra se desenvolve de maneira cômica e até simpática, mas sem perder suas conotações cerebrais sobre as relações humanas. O resultado é bem diferente do que poderia ser apenas mais uma comédia romântica, ainda que o desfecho revele que a platonice não era unilateral naquela história. Visto hoje após tantos trabalhos mais exuberantes do cineasta canadense (que acaba de ter seu ambicioso Duna adiado para 2021), 32 de Agosto se torna uma obra curiosa em que procuramos perceber signos de seu cinema em fase quase embrionária (a estética, o gosto por protagonistas femininas, o desfecho revelador...) e não mais do que isso. 

32 de Agosto na Terra (Un 32 août sur terre / Canadá - 1998) de Denis Villeneuve com  Pascale Bussières, Alexis Martin,  Paule Baillargeon, Emmanuel Bilodeau, R. Craig Costin e Richard S. Hamilton. ☻☻

PL►Y: Greta

 Chloë e Isabelle: talentos em mico coletivo. 

Greta é um daqueles filmes que existem para  nos fazer lembrar que os grandes também erram. Bem, se repararmos bem os créditos a ideia é que dois dos envolvidos são mais do que grandes, são gigantes - o que faz o tombo parecer ainda maior. A começar pelo diretor, Neil Jordan o diretor irlandês mais badalado em Hollywood dos anos 1990, época em que ganhou o Oscar de roteiro original com o já clássico Traídos Pelo Desejo (1991) e dirigiu o sucesso Entrevista com o Vampiro (1994) e o magnífico Fim de Caso (1999). Faz um tempinho que Jordan não encontra muito reconhecimento em seus filmes, mas até agora não havia realizado um tropeço tão grande quanto este aqui. Neste ponto entra o segundo gigante, na verdade, uma giganta, Isabelle Huppert, talvez a atriz francesa mais prestigiada do nosso tempo e que acabava de sair de sua primeira indicação ao Oscar por sua famigerada interpretação em Elle (2016) de Paul Verhoeven (e que merecia ter levado a estatueta para casa). Aqui ela também interpreta a personagem título, mas as semelhanças param por aí, já que conforme Greta avança em suas surpresas, mais chafurda no ridículo de um suspense barato. No meio do caminho ainda temos uma jovem atriz promissora que faz tempo não recebe um papel à altura, Chloë Grace-Moretz que come o pão que o mal roteirista amassou nesta trama estapafúrdia. Chloë interpreta Frances, uma jovem que tenta ganhar a vida em Nova York trabalhando em um restaurante. Educada e de bom coração, um dia ela encontra uma bolsa no metrô e resolve encontrar a dona, ela acaba se deparando com a solitária Greta (Isabelle Huppert), uma professora de música francesa que está um pouco deslocada naquela cidade grande. As duas acabam se tornando amigas, especialmente pelo fato de Frances ainda não ter superado a morte da mãe e Greta ter lá os seus problemas com a filha. Se no início a atenção de Greta tem uma forte carga maternal, não demora muito para que seja visto um certo desequilíbrio em seu comportamento obsessivo pela jovem que se torna cada vez mais amedrontada com a presença daquela senhora. Greta demonstra não apenas ser carente, mas também mentirosa e uma verdadeira louca de pedra, capaz das maiores atrocidades para ter Frances por perto. Neil Jordan é um ótimo diretor, mas aqui ele prova que não é capaz de fazer milagres com um roteiro que não tem medo do ridículo, da mesma forma é curioso ver duas atrizes competentes defendendo personagens tão unidimensionais capazes das atitudes mais estranhas para o contexto em que se encontram. Em alguns momentos Frances demonstra não ter muitos neurônios funcionando e Greta além de louca tem uma sorte impressionante para não ser descoberta pelas atrocidades que realiza. Em alguns momentos o filme beira o cômico, especialmente se lembramos todos os tipos curiosos que Huppert já interpretou em sua carreira, de Elle até a Professora de Piano (2001), do qual Greta parece uma paródia de mal gosto. Resta ao espectador de divertir com o que parece uma comédia involuntária com a expressão blasé de sua protagonista francesa que parece se divertir muito com a tosquice da trama. Os envolvidos mereciam algo melhor. 

Greta (EUA-Irlanda/2018) de Neil Jordan com Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Jane Perry, Colm Feore e Stephen Rea. ☻

PL►Y: The Forty Year Old Version

 Radha: nasce uma estrela. 

Outro filme que acaba de chegar à Netflix é The Forty Year Old Version, um filme que entra para a minha lista de grata surpresas do ano. Ganhador do prêmio de melhor direção no Festival de Sundance, o filme marca a estreia da roteirista Radha Blank na direção. Radha ainda acumula as funções de roteiristas e atriz principal - e não por acaso ela interpreta Radha, uma mulher de quarenta anos que dá aulas de interpretação em uma escola do subúrbio de Nova York enquanto tenta retomar sua carreira que já foi promissora há algum tempo. Faz tempo que ela foi premiada como uma revelação da dramaturgia e desde então nada mais aconteceu. Entre lapidar o talento de jovens atores amadores e se meter em desventuras com o agente amigo da adolescência Archie (Peter Kim), a vida de Radha parece sempre tropeçar em promessas de um sucesso que nunca chega. Um dia ela tenta escrever uma nova peça, na outra decide ser cantora de hip-hop, mais tarde pensa em realizar uma obra por encomenda, criar um musical ou seja lá o que for para que seja reconhecida como artista talentosa. O melhor do filme é que Radha constrói uma narrativa cheia de energia, que toca em assuntos interessantes de forma muito bem humorada. Está ali a busca por sua identidade, a chegada da maturidade, o medo do fracasso, a confiança, a auto-estima, tudo isso com uma protagonista fora dos padrões Made in Hollywood. Para além disso, ainda existe a peça dentro do filme, que faz Radha repensar constantemente sobre o que está fazendo para receber algum reconhecimento, ou seria que apenas deseja fazer sucesso suficiente para pagar as contas no fim do mês? O resultado é uma comédia esperta que flerta com o drama encontrando um raro equilíbrio. Tanta sinceridade na execução revela que existe um bocado de elementos autobiográficos. Radha Blank realmente tentou a carreira como dramaturga, escreveu várias peças que não foram produzidas, afinal, seu universo fugia dos lugares comuns. Em uma entrevista no New York Times, Radha ressalta que suas peças fugiam do estereótipo do afro-americano, não explorava a pobreza, não retratava histórias de época ou de guerras africanas. Apenas uma peça de Radha foi encenada, rendendo críticas mistas, foi considerada de "baixo orçamento" para alguns enquanto outros consideravam honesta, crua e alegre. Radha tentou se reinventar escrevendo um seriado sobre se tornar rapper, mas o falecimento de sua mãe fez o projeto ser cancelado. Se tornou roteirista da série The Get Down de Baz Luhrman para depois criar o roteiro do que seria seu primeiro filme. Os produtores ficaram entusiasmados com o resultado, mas tentaram convencê-la a não filmar em preto e branco, mas ela tinha plena noção do que desejava. Filmado em 21 dias, The Forty Year Old Version traz em si um frescor regado à energia da diretora que já filma um novo projeto com tintas menos pessoais, mas aguardado sob a promessa de que temos uma artista que se reinventa plena após os quarenta anos. 

The Forty Year Old Version (EUA-2020) de Radha Blank com Rhada Blank, Peter Kim, Reed Birney, Imani Lewis, Antonio Ortiz e Welker White. ☻☻☻☻

PL►Y: Os Sete de Chicago

Abdul, Shenkman, Rylance, Eddie e Alex: elenco dos bons. 

Depois de ganhar fama como um dos melhores roteiristas dos Estados Unidos, Aaron Sorkin agora quer ser reconhecido como um bom diretor de cinema. Se sua primeira tentativa (A Grande Jogada/2017) serviu para ressaltar mais uma vez como é um ótimo roteirista, sua segunda experiência atrás da câmera não tem um resultado muito diferente, mas carrega uma trama capaz de ressaltar suas grandes ambições para a temporada de premiações. Os Sete de Chicago é lançado pela Netflix em um momento mais do que estratégico, não apenas para a visibilidade nas premiações de um ano em que os cinemas passaram boa parte do tempo fechados, mas também no momento em que os Estados Unidos estão na corrida presidencial. Os Sete de Chicago se tornou um caso histórico ao evidenciar como manobras governamentais podem influenciar em julgamentos e tentar calar quem incomoda o status quo. No ano de 1968 vários grupos que eram contra a Guerra do Vietnã se reuniram na cidade para um protesto durante a Convenção Nacional Democrata (que anunciaria a candidatura de Hubert. H. Humphfrey à presidência), no entanto, o que deveria ser uma manifestação pacífica saiu do controle e um grupo de manifestantes foram acusados de provocar uma explosão de violência. Sorkin apresenta em seus primeiros minutos recortes documentais que ajudam a contextualizar a época, assim como apresentar os principais traços de seus personagens. Assim, a morte de Martin Luther King, Bobby Kennedy, Panteras Negras, hippies e jovens que temem ser enviados para a Guerra do Vietnã aparecem formando um contexto explosivo. Com um número considerável de personagens nas mãos, o filme se concentra especialmente em alguns deles, os membros radicais do Partido Internacional da Juventude (os yippies) Abbie Hoffman (Sacha Baron Coen) e Jerry Rubin (Jeremy Strong), os estudantes Tom Hayden (Eddie Redmayne) e Rennie Davis (Alex Sharp), além do pacifista David Dellinger (John Caroll Lynch) e o co-fundador dos Panteras Negras, Bobby Seale (Yahya Abdul Mateen II) que não faz a mínima ideia do motivo de ser incluído no mesmo processo. Defendendo o grupo está o advogado William Kunstler (Mark Rylance) e acusando está o jovem procurador Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) que não hesita em destacar os equívocos que o julgamento começa a acumular sob os cuidados do juiz Julius Hoffman (Frank Langella). Mesmo sabendo que houve algumas alterações para maior fluência narrativa e aumento de dramaticidade, o texto de Sorkin evita sutilezas para apresentar a situação como um julgamento de cartas marcadas. No entanto, as idas e vindas utilizadas para dar agilidade a um filme que passa a maior parte do tempo num tribunal deixa a direção um tanto truncada, evidenciando que em alguns momentos a narrativa poderia ser mais linear. Sorkin deixa claro que como diretor seu maior mérito é a escolha do elenco, mas se as pessoas aguardavam uma indicação ao Oscar para Sacha Baron Cohen, penso que é capaz Eddie Redmayne levar a melhor no papel do mocinho que tem lá seus momentos de ira ou Yahya Abdul Mateen II que rouba várias cenas durante o julgamento. O melhor de tudo é que Os Sete de Chicago fala muito sobre a tensão polarizada da política mundial atual, verdade que possui alguns momentos caricaturais e de puro exagero que me faz pensar se aquele tribunal realmente se tornou o circo que é apresentado aqui, mas produzido no capricho e com boas atuações, senti falta mesmo de um diretor mais cascudo teria feito um filme em que a ousadia iria além da edição picotada. 

Os Sete de Chicago (The Trial of The Chicago Seven / EUA -2020) de Aaron Sorkin com Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, Mark Rylance, Joseph Gordon Levitt, Frank Langella, Jeremy Strong, Yahya Abdul Mateen II, John Carroll Lynch e Ben Shenkman. ☻☻☻☻

KLÁSSIQO: Gosto de Sangue

Frances e John: amantes em apuros. 

Gosto de Sangue é o primeiro filme dos irmãos Coen, mas o filme ainda é da época em que Joel assinava a direção e o mano Ethan aparecia como produtor por conta de problemas com o sindicato que não permitia co-autorias na época, mas todo mundo sabia que os dois trabalhavam juntos não apenas no texto, mas também na condução da narrativa. Lançado em 1984 o filme se tornou cult e um marco no cinema independente americano. Se hoje as produções de pequenas produtoras e orçamentos modestos desfrutam de notoriedade em Hollywood, foram filmes de baixo custo e ideias arrojadas como este que mudaram o olhar sobre este outro lado da indústria cinematográfica dos Estados Unidos. A história tem um ponto de partida bastante simples no universo dos Coen: um marido que deseja se livrar da esposa. O motivo é o envolvimento dela com outro homem, no entanto, ao contratar a pessoa errada para fazer o serviço, o roteiro segue por caminhos inesperados e a esposa precisará se tornar a heroína da história se quiser continuar viva no banho de sangue que organizaram para o desfecho. Quem vive a esposa em risco é Frances McDormand, hoje duplamente oscarizada e casada com Ethan, a atriz fazia aqui sua estreia no cinema ainda distante do senso de humor peculiar que a tornou ainda mais famosa. Frances faz sua estreia com bastante desenvoltura no papel de uma personagem que a partir do segundo ato não faz a mínima ideia do que está acontecendo ao seu redor, assim como seu amante, Ray (John Getz) - que quanto mais descobre em que o marido traído (Dan Hedaya) esta envolvido, mais coloca sua vida em risco. Muito do apelo do filme está na quebra da expectativa do espectador, já que o roteiro subverte tudo aquilo que se espera dele. Não satisfeitos, os Coen ainda investem em closes inusitados e ângulos diferentes, além de trabalhos com luzes (cortesia da fotografia de Barry Sonnenfeld) e sons que compõem um suspense que cresce gradativamente. De narrativa enxuta e temperada com atmosfera noir e humor negro, Gosto de Sangue colocou o nome dos diretores entre aqueles que mereciam atenção nos anos seguintes e eles retribuíram construindo histórias que sempre fugiram do lugar comum de Hollywood - e lhe renderam mais de uma dezena de indicações ao Oscar ao longo da carreira. Vale lembrar que em 2004, em comemoração aos vinte anos de lançamento, os manos lançaram uma outra versão rotulada de "versão do diretor" em que o filme aparecia com quatro minutos a menos (fato inédito ao formato geralmente mais longo que o original) e uma trilha sonora mais elaborada. Gosto de Sangue entrou na lista dos dez melhores filmes do ano do National Board of Review, foi considerado o melhor filme do Festival de Sundance e foi indicado em cinco categorias no Independent Spirit levando os de melhor diretor e ator (M. Emmett Walsh que é o grande vilão da história), concorrendo ainda em produção, roteiro e fotografia. Com quase quarenta anos de idade o filme envelheceu muito bem e não soa nem um pouco datado. 

Gosto de Sangue (Blood Simple / EUA - 1984) de Ethan Coen com Frances McDormand, Dan Hedaya, John Gets, M Emmett Walsh e Samm-Art Williams. ☻☻☻☻

PL►Y: The Boys in The Band

O elenco: assumidos dentro e fora da tela.

Escrita pela dramaturgo Mart Crowley, a peça The Boys in the Band causou certo estranhamento ao ser lançada em 1968. Ainda que fosse um musical encenado aos redores da Broadway, a série que retratava o encontro de um grupo de amigos homossexuais numa espécie de universo à parte da sociedade conservadora, no entanto, ainda lidando com o discurso repressor. A peça ainda ganhou notoriedade por contar com um elenco de atores gays assumidos numa época em que era raro sair do armário sem prejudicar sua carreira. Ao retratar uma comunidade específica em tempos que o discurso de representatividade não tinha a potência de hoje, The Boys in the Band marcou época. Com o tempo, os diálogos e contornos de alguns personagens a deixaram fora de moda e vista como um tanto antiquada. Quando o produtor Ryan Murphy (que volta suas  lentes cada vez mais para personagens GLBTQI+) resolveu produzir a versão cinematográfica da peça, a expectativa foi alta, especialmente por escalar o elenco que resgatou a peça que andava esquecida dos palcos. Sendo assim, o que vemos na produção em cartaz na Netflix desde 30 de setembro é um grupo de atores que conhecem bem os seus personagens, tem familiaridade com o texto e que ainda se tornaram conhecidos por saírem do armário em uma indústria que ainda tem muito a superar em matéria de preconceitos. A ideia de ter atores gays representando gays na tela é um avanço que até pouco tempo atrás ainda era um tabu (basta lembrar das especulações de que Ian McKellen perder o Oscar por Deuses e Monstros/1998 por ser gay dentro e fora da tela - o que "diminuiria" seu trabalho na composição do personagem [sic]). Dirigido por Joe Mantello, o filme tem uma narrativa bastante fluente, que não deixa aquela sensação de teatro filmado. Com praticamente um cenário e diálogos carregados, Matello e o elenco não tem dificuldades em dar à produção um aspecto cinematográfico. Oscilando entre a comédia e o drama, o filme consegue aumentar gradativamente a tensão daquele encontro na casa de Michael (Jim Parsons) para celebrar o aniversário do amigo Harold (Zachary Quinto). Neste encontro ainda está o conquistador Donald (Matt Bomer), o casal em crise formado por Larry (Andrew Rannells) e Harold (Tuc Watkins), o extravagante Emory (Robin de Jesus), o emotivo Bernard (Michael Benjamin Washington), um garoto de programa (Charlie Carver) e o colega de trabalho de Michael, Alan (Brian Hutchinson), um heterossexual casado que funciona como contraponto aos demais personagens. Se no início o anfitrião pede para que seus convidados sejam discretos em frente ao hétero presente, aos poucos o próprio Michael vai mais lonte, perde as estribeiras e se revela cheio de conflitos e um bocado de crueldade. Das brincadeiras inofensivas, a trama avança para alguns momentos melancólicos e ofensivos em que os personagens revelam suas camadas. Neste aspecto vale ressaltar o trabalho de Jim Parsons, ator que ficou famoso mundialmente como o Sheldon da série Big Bang Theory (2001-2019) e seu trabalho aqui foi aguardado com especulações de que poderia ser até indicado ao Oscar pelo trabalho. Não é para tanto. Parsons ainda repete vários trejeitos de seu famoso personagem e por vezes fica difícil não pensar que estamos diante de uma variação de Sheldon em algum episódio da famosa série. Mais interessante é ver Zachary Quinto em um raro personagem cômico sem medo de ser desagradável ao dizer algumas verdades para quem está por perto. Embora perca o ritmo naquela brincadeira do telefonema, o filme consegue ser um retrato interessante daqueles personagens em um tempo em que o conservadorismo e o preconceito era ainda mais forte do que hoje. Com figurinos, trilha sonora e cenários caprichados o filme destaca como  a alegria do encontro esconde algumas mágoas, ressentimentos e possibilidades perdidas, mas termina com a sensação de que o importante é ninguém soltar a mão de ninguém. 

The Boys in The Band (EUA-2020) de Joe Mantello com Jim Parsons, Zachary Quinto, Matt Bomer,  Robin de Jesus, Andrew Rannells, Brian Hutchinson, Tuc Watkins, Michael Benjamin Washington e Brian Dole. ☻☻☻☻

NªTV: The Boys

Os Sete: Só desfalques...

Criada por Garth Ennis e Darick Robertson a HQ The Boys se tornou um grande sucesso na Amazon Prime Video tão logo sua primeira temporada foi lançada. No entanto, o programa passa longe da fórmula Marvel de sucesso e mais ainda das séries juvenis dos heróis da DC Comics na TV. The Boys está mais para os personagens instáveis psicologicamente de Watchmen (tanto que frequentemente é comparada à ela), mas com menos pretensão e temperados com muito mais ironia, deboche e espírito sanguinário. O estilo hardcore dos quadrinhos foi preservado na série que faz chacota não apenas do culto aos super-herói, mas imagina como seria a presença destes seres no mundo real. Se dizem que para conhecer realmente uma pessoa é preciso dar poder a ela, imaginar se ela recebe super-poderes é uma ideia mais do que interessante. Se na primeira temporada nos apresentaram o grupo Os Sete, liderados por Capitão Pátria (Anthony Starr) ao lado de Rainha Maeve (Dominique McElligott), Profundo (Chace Crawford), Trem-Bala (Jessie T. Usher), Black Noir (Nathan Mitchell), Translúcido (Alex Hassell) sob o prisma da chegada da novata Luz Estrela (Erin Moriarty), enquanto um grupo de rapazes (os The Boys do título formado por Karl Urban, Jack Quaid,Tomer Capon, Laz Alonso e Karen Fukuhara) tenta desmascará-los, a segunda enfatiza ainda mais as atrocidades destes heróis sem escrúpulos. No entanto se a primeira temporada apresenta estes heróis dignos de culto num mundo de celebridades, a segunda enfatiza ainda mais a forma como se constrói a aura de mitos em torno de seres de moral e ética questionáveis a partir da noção de que são verdadeiros exemplos, aspecto enfatizado ainda mais com a chegada de uma nova personagem: Tempesta (Aya Cash), que é mais experiente do que imaginam e faz com que a crise de popularidade do Capitão Pátria (cada vez mais psicótico) se depare com a eficiência dos memes regados à discurso de ódio nas redes sociais. Tempesta ainda torna o discurso do fascínio incontrolável pelo poder ainda mais incisivo, já que conforme a trama avança, nos deparamos com ideias perigosas atemporais que se adaptam ao público de diferentes épocas sob novo formato e ideias que ainda buscam seu lugar no Século XXI. Para além de Tempesta e seu envolvimento com Capitão Pátria, a segunda temporada mantem o destaque nos mesmos personagens da anterior (o romance de Luz Estrela com ... e o ódio de Bruto pelos Sete), no entanto, explorar a sexualidade de Rainha Maeve (e uma crise de consciência por uma atrocidade do passado), assim como uma "redenção" de Profundo através da religião e a iminente saída de Trem Bala não lhe garantes muito destaque no geral da trama (além do misterioso Black Noir continuar na mesma). Bom mesmo é a promessa de que qualquer um poderá ser um herói se tomar um tal Composto V e ajudar a deter os supervilões que estão por aí (o que serve como clara analogia para os tempos que vivemos), se Capitão Pátria e seu bando provam que poderes não tornam uma pessoa melhor, talvez a ideia não seja tão boa quanto parece. The Boys termina sua nova temporada com pique para emendar várias outras, torna-se o raro caso de adaptação em que os fãs não ligam muito para as alterações na trama (Tempesta por exemplo era um homem nos quadrinhos), além de ter a esperteza de saber afinar o que se assiste com o que acontece no mundo hoje. No meio de tudo isso, os fãs criaram mais problemas pelo lançamento semanal de episódios. O que era para evitar spoilers gerou uma revolta generalizada nas redes sociais, o que só me faz pensar se o público entende as alfinetadas que a própria série proporciona.

The Boys: os heróis antagonistas. 

The Boys (EUA, 2019-2020) de Eric Kripke com Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr, Erin Moriarty, Chace Crawford, Tomer Capon, Jessie T. Usher, Aya Cash e Karen Fukuhara. ☻☻☻☻

PL►Y: Três Verões

Casé: mais uma doméstica no currículo. 

Se a pandemia afetou Hollywood, imagina o cinema brasileiro. Veja o que aconteceu com Três Verões de Sandra Kogut, o filme precisou estrear em cinemas drive-ins por norma contratual, mas sabia que o dinheiro viria mesmo era do streaming (em que foi lançado pouco mais de dez dias depois). Lançado a nacionalmente pelo TelecinePlay, o filme parte de uma história envolvendo corrupção, no entanto, ao invés de explorar aquela pessoa que vemos todo dia nos telejornais mudando apenas de nome, o filme se concentra nos empregados dela. Assim, a centralidade da trama está em Madá (Regina Casé), a animada caseira de uma casa em Angra dos Reis que vê a rotina da família para qual trabalha ser alterada por uma visita da polícia. Madá vê seu nome metido em esquemas de corrupção e preocupada com que acontecerá dali para frente não sabe o que fazer. Neste período de crise, ela acaba se aproximando de Seu Lira (Rogério Fróes) que acaba ficando aos seus cuidados quando o chefe Edgar (Otávio Müller) e familiares tem... problemas para resolver. A cineasta Sandra Kogut tem como ponto mais interessante de seu filme voltar a câmera para os personagens que gravitam em torno da elite envolvida em esquemas de corrupção. Se existe uma rotina de festas no início, nos quais os empregados ficam nos bastidores, depois a casa de torna vazia e um território a ser desfrutado por estes personagens. Regina Casé vive mais uma empregada em sua carreira e, embora a memória ainda guarde com carinho sua performance em Que Horas Ela Volta? (2015) ela constrói uma personagem diferente, acompanhada por um elenco de apoio carismático que nunca recebe muito destaque e neste ponto o roteiro é um problema. Embora tenha a boa intenção de acompanhar um grupo de personagens que atua por trás de uma família endinheirada, tenho a impressão que o texto não faz muita ideia de como construí-los. A própria Madá, passa mais tempo ouvindo Seu Lira e preocupada com uma filmagem (que acaba revelando um pouco mais de sua história) do que propriamente se desenvolvendo ao longo da trama. O fato do filme ter uma conjunto de situações soltas como se houvesse um câmera escondida também não ajuda a perceber o desenvolvimento da trama. Três Verões parece ser uma ideia de curta-metragem que foi anabolizada para criar um longa-metragem – talvez se fosse um verão fosse mais envolvente. Além disso, investe em uma leveza que drena bastante a dramaticidade e apresenta seus personagens não muito distante da caricatura. Se a ideia era ter um olhar diferente sobre aquele universo o resultado ficou pelo meio do caminho.

Três Verões (Brasil- 2020) de Sandra Kogut com Regina Casé, Rogério Fróes, Otávio Müller, Gisele Fróes, Jéssica Ellen, Daniel Rangel e Carla Ribas e Saulo Arcoverde. ☻☻

NªTV: Breaking Bad + El Camino

Walter White e o a família Breaking Bad: diluindo a moral. 

Sabe aquela série que você sabe que é boa mas você sempre deixa para ver depois. Assim foi meu relacionamento com Breaking Bad. Eu assisti ao primeiro episódio na televisão e depois eu acabava esquecendo do horário e das reprises até que larguei de mão. Quando vi que a série estava na Netflix eu sempre adiei para ver. Ela acumulava tantas recomendações de amigos quanto prêmios (só no EMMY acumulou dezesseis) e eu sempre adiava. Quando ano passado lançaram o filme El Camino na Netflix eu sabia que deveria tomar vergonha na cara e testemunhar as peripécias de Walter White, um professor de pacato de Química que se torna um criminoso procurado pela polícia. Foi durante os meses de agosto e setembro que mergulhei neste reluzente universo criado por Vince Gilligan, com pausas estratégias entre as temporadas para não cansar (ou seja, via primeira e a segunda e dei uma pausa de mais de um mês para ver as outras três). Acho que seria muita pretensão imaginar que eu escreveria algo novo sobre o programa, então me resta apenas elogiar a narrativa mais que envolvente que as cinco temporadas (quatro de treze episódios e a última com dezesseis) desenvolveram. Episódios bem amarrados, temporadas redondinhas... um deleite. Misturando tensão policial com dramas e toques de humor, Breaking Bad se tornou um verdadeiro marco na TV enquanto ela começava a disputar atenção com as plataformas de streaming. Se no início, Walter (Bryan Cranston no papel de sua vida) começa a fabricar metanfetamina para pagar seu tratamento contra o câncer e amparar sua família caso o pior aconteça, ao longo dos episódios as desventuras envolvem diferentes chefões e carteis - além de planos mirabolantes para driblar o cunhado policial Hank (Dean Norris) - enquanto o ego do protagonista infla sem parar. A atuação de Cranston deixa visível como nem mesmo Walt sabia do que era capaz - e estamos falando de mais do que cozinhar a droga, mas de crimes variados que diluem sua moral aos poucos até que na quinta temporada ele admita que faz o que faz por gosto mesmo, seja por dinheiro, vaidade ou sensação de poder (ou seria uma junção dos três?).

El Camino: reencontrando Walt e Jesse. 

Some isso à uma coleção invejável de personagens coadjuvantes inesquecíveis, seja sua esposa Skyler (Anna Gunn), o ex-aluno Jesse Pinkman (Aaron Paul), o advogado Saul (Bob Odenkirk que ganhou sua própria série spin-off que vai para sua sexta e derradeira temporada), o chefão Gus Fring (Giancarlo Esposito), o capanga Mike (Jonathan Banks)... a cada temporada, cada um deles se aprofundava e tornava o programa mais complexo e interessante pelos laços (ou seriam nós?) que se estabeleciam. Vale lembrar que a série estreou na era de ouro do canal AMC, que era pouco conhecido, mas chamou atenção por uma ótima safra de séries, além de Breaking Bad (2008-2014), o canal ainda tinha Mad Men (2007-2015) e Halt and Catch Fire (2014-2017) e vou até contar as primeiras temporadas de Walking Dead (2010 até só Deus sabe quando). Eis que cinco anos depois do fim de Breaking Bad, os criadores junto à Netflix resolveram contar o que acontece com Jesse Pinkman a partir do desfecho dado à série. O resultado é um reencontro com alguns personagens para criar um episódio anabolizado de duas horas de duração. Embora conte um pouco mais de como foi a vida de Jesse depois que foi levado pelo tio de Todd (Jesse Plemons que ganhou muito peso após o fim da série e destoa da imagem que guardei do personagem, já que emendei o último episódio com o filme) para o cativeiro, o filme é um acerto de contas de um personagem que quer mudar de vida, mas antes precisa lidar com seus fantasmas. É um presente para os fãs, mas também um grato reencontro com um universo que parece se expandir ao infinito em nosso imaginário. O filme concorreu no EMMY a melhor filme para TV e outras três categorias técnicas. Como fã, gostaria que vários que a família White também ganhasse seu próprio filme (ainda mais que me rendeu alguma desidratação na última temporada), sobretudo pelo ótimo trabalho de Anna Gunn nas mudanças da esposa zelosa que aos poucos se percebe no pesadelo em que se meteu. Skyler também tem suas dores a exorcizar e adoraria ver como aproveitariam isso. Enquanto não se confirma um novo filme, a minha próxima etapa é assistir Better Call Saul, que  deve chegar ao fim em um ano pós-pandemia! Que seja 2021, por favor. 

Plemons e Paul: quilinhos cinco anos depois. 

Breaking Bad (EUA / 2008-2014) de Vince Gilligan com Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul,  RJ Mitte, Dean Norris, Betsy Brandt, Bob Odenkirk, Jonathan Banks, Jesse Plemons, Giancarlo Esposito e Krysten Ritter. ☻☻☻☻☻

El Camino: A Breaking Bad Movie (EUA-2019) de Vince Gilligan com Aaron Paul, Jesse Plemons, Jonathan Banks, Kristen Ritter, Matt Jones, Charles Baker e Robert Foster ☻☻☻☻