CICLO DIVERSIDADESXL: O Melhor Amigo

Teixeira e Fuentes: resolvendo uma atração do passado. 

Em 2013 o cearense Allan Deberton lançou o curta O Melhor Amigo e ganhou alguma projeção em festivais e principalmente no Youtube com seu humor queer. Depois de realizar outro curta, um filme para televisão e Pacarrete (2019), um longa elogiado pelo público e pela crítica, Deberton resolveu ampliar as ideias de seu curta celebrado e investir em uma comédia romântica rasgada. Embora a história guarde semelhanças, especialmente o colorido e  o elenco (antes formado por Jesuíta Barbosa e Victor Sousa) agora conta com protagonistas menos conhecidos e várias participações especiais. A trama conta a história de Lucas (Vinicius Teixeira), que nos tempos de faculdade deu um beijo no melhor amigo Felipe (Gabriel Fuentes) e fez com que ele sumisse do mapa. Lucas se formou, foi para a cidade grande, arranjou um namorado dedicado até demais, mas... agora seu relacionamento está em crise. Acontece que Lucas é mais discreto que o parceiro e também nunca superou a história mal resolvida de seu passado. Eis que ele resolve dar um tempo no relacionamento e ir passar férias em Canoa Quebrada e ele reencontra seu crush do passado por lá. Para adaptar um curta pra um longa metragem de hora e meia, Deberton precisa ter mais a oferecer e insere números musicais com músicas conhecidas (Herva Doce, Blitz, Zizi Possi...) e uma apimentada na história, afinal, Lucas terá seus momentos com Felipe, com um casal gay que mantém um relacionamento aberto e até uma recaída com seu namorado apaixonado. Além disso os personagens frequentam um inferninho esperto chamado Sal e Pimenta, que conta com shows de drag queens e até da Gretchen!! O filme também arranja espaço para algo místico para Claudia Ohana ler cartas de tarô e uns beijos e nudez masculina aqui e ali. O resultado é um pouco desgovernado (e desavergonhado), mas consegue divertir com seus personagens perdidos em meio ao desejo e a vontade de viver um romance para a vida toda. Se for visto como uma comédia leve e despretensiosa o filme funciona, principalmente para o público que não exigir muita complexidade dos personagens que estão na tela. Confesso que achei graça de várias cenas com o protagonista comportadinho ainda aprendendo a vivenciar seus desejos sem culpa, mas é uma pena que o filme vá perdendo o pique perto do final e termina de maneira sem graça. Após uma rápida passagem pelo cinema, o filme está em cartaz na GloboPlay. 

O Melhor Amigo (Brasil/2024) de Allan Deberton com Vinicius Teixeira, Gabriel Fuentes, Leo Bahia, Claudia Ohana, Mateus Carrieri, Solange Teixeira, Marta Aurélia e Gretchen. ☻☻☻

CICLO DIVERSIDADESXL: Meu Nome é Maria

Dillon e Anamaria: traumática filmagem. 

 

Até pouco tempo Maria Schneider era um grande enigma para mim. Eu nunca entendi muito bem como uma atriz que dividiu os créditos com Marlon Brando em um filme tão falado quanto O Último Tango em Paris (1972) não havia realizado nenhum grande filme depois daquele. Ao longo do tempo li algumas coisas sobre suas história conturbada pelo uso de drogas, descobri que era lésbica e que tentou suicídio. Falecida em 2011, recentemente, com toda a repercussão do movimento #metoo seu nome trouxe de volta aos holofotes o processo de filmagem do clássico de Bernardo Bertolucci e, em uma entrevista vergonhosa, o diretor italiano confirmou que durante a filmagem da polêmica cena da manteiga a então jovem atriz de 19 anos não fazia a mínima ideia do que aconteceria naquele momento. Com isso, antigas entrevistas de Schneider foram resgatadas e muito se comentou sobre a brutalidade naquela filmagem, a situação abusiva que se instaurou para construir aquele "realismo" que de fato era real, já que o que se via em cena não estava no roteiro ou fez parte dos ensaios. Aquele não era o desespero da personagem, mas da própria atriz. A cineasta Jessica Palud trabalhou como assistente de Bertolucci em Os Sonhadores (2003) e ao descobrir os bastidores daquela cena, sentiu-se instigada em abordar a história da atriz. O roteiro foi escrito pela própria diretora, pela jornalista Vanessa Schneider (prima de Maria e autora do livro que inspira o filme) e Laurette Polmanss, o trio conta com muito cuidado um recorte tenso sobre a vida da atriz. Maria (vivida por Anamaria Vartolomei) era filha do ator Daniel Gélin (interpretado por Yvan Attal), mas ela foi criada pela mãe Marie (Marie Gillain). Quando ela se aproxima do pai, cresce seu interesse pelo cinema, mas passa a existir uma tensão no relacionamento com a mãe. Ela é expulsa de casa e investe no trabalho como atriz para conseguir se manter. Após alguns papéis discretos, ela é convidada por Bertolucci (Giuseppe Maggio) para interpretar Jeanne, uma jovem que passa a se encontrar com um desconhecido em um apartamento para momentos tórridos. Maria não entende muito bem o motivo dela ser a escolhida para o projeto, mas aceita o convite motivada por trabalhar com a lenda viva Marlon Brando (interpretado de forma estranhamente convincente por Matt Dillon). Ela não sabia que antes deles vários atores e atrizes desistiram do filme ao considerar o roteiro pornográfico. O que era para ser a grande chance de sua carreira se torna um pesadelo após aquela fatídica cena. Se no filme de 1972 o desconforto já existia, aqui ele é maior ainda, já que a diretora a reproduz de forma bastante crua, fiel ao que aconteceu nas filmagens. Muito se especula que toda aquela situação foi motivada pelo ciúme que Bertolucci sentia de Maria com Brando durante as filmagens. O filme não aprofunda esta teoria, mas demonstra um bom relacionamento entre o casal de atores, o que só amplia o sentimento de traição vivido por Maria daquele momento em diante. O filme apresenta como foi difícil para uma jovem atriz enfrentar toda a repercussão do filme na Europa e os comentários jocosos do público enquanto o ator e o diretor estavam em Hollywood enquanto ela foi abandonada à própria sorte perante todo o escândalo que a tal cena provocou (o que a fazia reviver o trauma a cada entrevista, comentário e encontro com espectadores).  Deve ter sido um processo tão doloroso que fez com que a atriz usasse heroína com cada vez mais frequência, o que atrapalhou a sua carreira e o relacionamento com Noor (Céleste Brunnquell), que recebe destaque na trama em sua convivência com a atriz em momentos difíceis de sua vida. A romena Anamaria Vartolomei defende a personagem com unhas e dentes e apresenta mais um trabalho marcante, tal e qual sua premiada performance em O Acontecimento (2022) e o tom do filme ajuda muito para que a produção funcione. Meu Nome é Maria não faz escândalo, chega a ser bastante discreto em respeito à atriz que recentemente teve uma mudança de olhar da mídia sobre a sua carreira mediante a traumática situação vivida enquanto tentava realizar o seu ofício de atuar. Vale lembrar que apesar de toda controvérsia O Último Tango em Paris foi indicado a dois Oscars: melhor ator (Marlon Brando) e melhor diretor (Bertolucci).  

 

Meu Nome é Maria (Maria / França - 2024) de Jessica Palud com Anamaria Vartolomei, Matt Dillon, Céleste Brunnquell, Giuseppe Maggio, Marie Gillain e Yvan Attal☻☻☻☻ 

CICLO DIVERSIDADESXL: Toda Terça-Feira

Tilda e Del:  conflitos entre seres em transição. 

 

Faz algum tempo que Billie (Tilda Cobham-Hervey) vive com  a mãe (Del Herbert-Jane), no entanto, a mãe está prestes a começar seu processo de redesignação sexual, já que recentemente se percebeu como transexual e começará uma série de tratamentos e acompanhamentos para esta mudança. Com isso, Billie vai morar com pai (Beau Travis Williams) e firma um acordo de encontrar a mãe toda terça-feira. O filme da diretora Sophie Hyde passa então a estruturar sua narrativa ao longo de um ano desses encontros, num total de 52 dias organizados quase episodicamente ao longo de quase duas horas de filme. Embora a mãe, que agora passa a se reconhecer como James, tenha apoio dos outros personagens da trama, o processo de transição não é apresentado de forma didática ou fácil ao espectador, cada mudança física, no tom de voz, efeitos hormonais, cirurgias, uso de próteses convive então com as relações entre os personagens e as descobertas que fazem ao longo do caminho. Poré, estes elementos não fazem com que o foco recaia somente sobre James, mas também sobre Billie, que precisa lidar com os novos parâmetros de convivência com sua mãe e suas próprias descobertas sexuais na adolescência e sua efervescência hormonal de dezesseis anos de idade. A estrutura fragmentada do filme causa algum estranhamento no início, mas conforme a trama e os arcos das personagens avançam, o filme se torna cada vez mais robusto, principalmente por James ter que lidar com alguns efeitos colaterais de seu processo de transição e a descoberta de que o mundo não espera que ela vença seus desafios para que outros apareçam no caminho. Aos poucos o filme se torna um turbilhão de situações. A relação com a filha torna-se cada vez mais complicada, especialmente quando Billie se envolve em um triângulo amoroso com um casal de colegas da escola. Este envolvimento lhe coloca em busca de descobertas, mas também a insere em uma situação perigosa envolvendo registros em vídeo dos encontros entre eles. Estes registros em vídeos ressalta as referências documentais do filme, que apresenta um tom realista do início ao fim, especialmente pela forma como lida com os recortes semanais da vida daqueles personagens. Acontece tanta coisa durante o filme que em determinado momento me surpreendi ao notar que não havia chegado na metade de sua duração! A produção utiliza uma montagem ágil, por vezes crua e um tanto áspera na abordagem daquele ano na vida dos personagens. Alguns dias (que são enumerados) rendem cenas mais longas, outras mais curtas, algumas leves, outras densas, envolvendo o espectador em uma montanha-russa surpreendente de situações.  Em tempos de algo tão equivocado como Emília Perez (2024), Toda Terça-Feira se torna um antídoto com sua abordagem mais humanista e realista sobre a transsexulidade  (e imaginar que o filme foi lançado há mais de dez anos). Muito do mérito do filme fica por conta de Tilda e Del, respectivamente na pele de filha e mãe, ambas compõem retratos contundentes de personagens em transição em momentos distintos de suas vidas e o impacto que uma tem na realidade da outra. A complexidade com que o filme aborda suas temáticas lhe valeu um Urso de Cristal no Festival de Berlim em 2014 e elogios quando foi exibido no Festival Mix Brasil do mesmo ano. Um filme pouco conhecido, mas que merece atenção e está em cartaz no Filmicca.  

 

Toda Terça-Feira (52 Tuesdays - Austrália / 2013) de Sophie Hyde com Tilda Cobham-Hervey, Del Herbert-Jane, Imogen Archer, Sam Althuizem, Beau Travis Williams e Mario Späte. ☻☻☻☻  

CICLO DIVERSIDADESXL: A Herança

Diego e Yohan: herança macabra. 

Thomaz (Diego Montez) mora na Alemanha com o namorado Beni (Yohan Levy) e está preocupado como o visto que está prestes a expirar. Fazia tempo que ele não tinha contato com a mãe e retorna ao Brasil para o enterro dela acompanhado de Beni. No retorno, ele conhece duas tias que não tinha contato desde pequeno e os dois se hospedam na casa delas. Embora sejam muito atenciosas, as duas demonstram alguns hábitos estranhos que deixam Beni bastante preocupado, Thomaz nem imagina que sua família possui segredos e antigas tradições que deixam sua herança, digamos... complicada. Por algum motivo sua mãe sempre evitou contato com as familiares e aos poucos o protagonista e o espectador irão descobrir o motivo. A Herança é um filme de terror dirigido por João Cândido Zacharias que possui até boas ideias, mas algumas dificuldades para lidar com elas -  muito por conta de ceder à tentação dos clichês de produções americanas que acabam comprometendo a identidade do filme (e nem me refiro ao excesso de diálogos em inglês). O filme capricha na ambientação da casa com maior vocação para ser mal assombrada, peca por não desenvolver adequadamente os personagens secundários e até mesmo os protagonistas, que leram direitinho a cartilha de personagens ingênuos de filmes de terror. No entanto, cabe aos dois o ponto mais interessante da trama, já que a trama permite uma leitura interessante sobre o fato de Thomaz fugir de seu destino de perpetuar os planos de sua família. O roteiro fica bem próximo de abordar uma questão controversa como "a cura gay", mas se esquiva dela, deixando o texto um tanto vazio neste aspecto. Sexualmente falando, o filme ousa alguns pontos por ter uma cena tórrida entre os dois protagonistas, mas depois revela o horror de uma cena de abuso sexual quando o filme descamba para o trash sem pudores. Filmes de terror são realmente complicados, precisam de muito equilíbrio para não cair no ridículo, ao mesmo tempo podem tropeçar quando consideram que tudo é permitido neste tipo de produção. Quando o filme termina eu fiquei imaginando o diretor assistindo Hereditário (2018) e imaginando como tornar aquele tema macabro girando em torno de um casal gay. A Herança erra seu rumo no meio do caminho, mas provoca alguma curiosidade no espectador para ver o que irá acontecer com aqueles dois moços que aceitam a acolhida de duas senhoras estranhas que lhe oferecem um bolo azul e guardam queijos apodrecido no porão. Ainda assim, fiquei instigado com o que o diretor pode realizar se seguir a mesma linha em seus futuros projetos.

A Herança (Brasil/2024) de João Cândido Zacharias com Diego Montez, Yohan Levy, Analú Prestes, Cristina Pereira, Luiza Kozovski, Ana Carbatti, Jimmy London e Gilda Nomacce. ☻☻ 

CICLO DIVERSIDADESXL: Misericórdia

 

Félix e Durand: visitante objeto de desejo e repulsa.  

O diretor Alain Guiraudine ganhou fama mundial com Um Estranho no Lago (2013), o sexto longa metragem de sua carreira. Naquele filme, um homem frequenta um lago afastado da cidade em que um grupo de homens vão para encontros sexuais - e todas as neuroses sobre o parceiro que você pode encontrar são encarnados pela presença de um serial killer entre os frequentadores. Equilibrando erotismo e suspense, o filme caiu nas graças do público LGBTQIAPN+. Não desejando se repetir, ele lançou o horroroso Na Vertical (2016) que não alcançou um terço do apelo do filme anterior. Oito anos depois (o diretor nunca deixou uma pausa tão grande em sua carreira iniciada no ano 2000), o diretor lançou Misericórdia, um filme que mistura comédia, crime e suspense num clima em que o espectador parece ser o maior detetive da trama. O filme acompanha a chegada de Jérémie (Félix Kysyl) que volta ao seu vilarejo natal para o enterro de seu antigo patrão, o padeiro local. Na verdade o falecido era mais do que um patrão e amigo, afinal, ele é mencionado como uma espécie de mentor, com quem Jérémie teve uma ligação muito especial quando era mais jovem. Convidado para ficar hospedado na casa da família enlutada, ele é acolhido pela viúva (Catherine Frot), mas aos poucos desperta cada vez mais ciúme no filho do morto (Jean Baptiste Durand), com quem Jérémie demonstra indícios de ter um envolvimento mais do que amigável no passado. O visitante também aparenta ter grande proximidade com Walter (David Ayala), que evita as investidas do moço. No entanto, se o grande sucesso da carreira do diretor ficou conhecido por tudo que era explícito, em Misericórdia, ele faz graça com o implícito. Em momento algum é dito que Jérémie manteve relações sexuais com quaiquer daqueles personagens no passado, mas existem tantas insinuações sobre a vida sexual do rapaz que a plateia imagina que quem se envolveu (ou não) com ele, nutriu algum rancor por conta disso. Esse caldeirão de tensões emocionais/sexuais começa a ferver ainda mais quando um personagem desaparece e Jérémie precisa se virar para demonstrar inocência, sendo capaz até mesmo de fazer um acordo inusitado com um outro personagem que começa a demonstrar interesse por ele e está disposto até a lhe fornecer um álibi perante a polícia. O filme surpreende pela capacidade com que deixa as entrelinhas para a plateia preencher e faz graça ao mesmo tempo em que amplia o seu emaranhado de sentimentos contraditórios entre os personagens e, talvez, o mais contraditório de todos seja o próprio protagonista que não consegue sair daquele lugar que já abandonou (sabiamente) no passado. Trata-se de uma comédia de humor bastante singular e até incômodo, mas que não deixa de ser original pela forma com que trabalha o tempo inteiro com o poder da sugestão, ou seria da provocação? O filme está atualmente disponível no Filmicca.  

Misericórdia  (Miséricorde / França - Espanha - Portugal / 2024) de Alain Guiraudie com Félix Kysyl, Catherine Frot, Jean-Baptiste Durand, Jacques Develay, David Ayala e Serge Richard. ☻☻☻☻ 

CICLO DIVERSIDADESXL: Maré Alta

 

Pigossi: sujeito de coragem.  

Confesso que admiro muito a coragem do ator Marco Pigossi. Ele tinha tudo para ser um dos grandes galãs de sua geração e fazer um trabalho depois do outro na televisão, mas optou por se arriscar. Assumiu ser homossexual no final de 2021 e tornou público seu relacionamento com o cineasta italiano Marco Calvani. O ator já havia se aventurado por produções estrangeiras e aproveitava o sucesso da série Cidade Invisível na Netflix ao redor do mundo. Recentemente, o ator então se aventurou por uma produção dos Estados Unidos dirigida por seu parceiro e colheu elogios da crítica. Pigossi não poderia ser mais fiel à sua nova fase em seu projeto cinematográfico, ele vive Lourenço, um rapaz do interior de São Paulo que mentiu para a família dizendo que iria estudar nos Estados Unidos (em Harvard, é claro), mas na verdade foi viver com um gringo que sumiu sem dar maiores informações. O rapaz passou a ganhar a vida limpando casas de veraneio enquanto espera seu namorado desaparecido mandar notícias enquanto seu visto não expira. De início Lourenço não sabe muito bem o que fazer e em alguns momentos, ganha até contornos sombrios ao nadar em uma praia que é conhecida pela presença de tubarões e praticar sexo sem preservativos. O roteiro do próprio Marco Calvani insere um personagem em um universo atual em que frases do Grindr são usadas em conversas, em que o uso de Prep se tornou indispensável e também em que o desconforto de estar vulnerável em uma relação amorosa pode deixar tudo a perder. Este último ponto refere-se ao seu relacionamento inesperado com o enfermeiro Maurice (James Bland), que está prestes a ir para Angola após passar a vida imaginando não pertencer ao país em que nasceu. Esta sensação de inadequação também é latente no protagonista que mesmo perdido em uma terra estrangeira, não demonstra vontade de voltar para casa e fingir ser alguém em uma vida que não lhe pertence junto à mãe religiosa e o trabalho de contador. Ao lado de Maurice a vida de Lourenço ganha contornos mais interessantes, mas alguns fantasmas do seu passado insistem em atrapalhar. Vale destacar que Pigossi está competente em cena, embora em alguns momentos seu personagem pareça um tanto ingênuo demais, o ator consegue deixar a plateia aflita pelos caminhos que surgem na jornada à deriva do protagonista. Além disso, o ator está bastante desinibido em cenas que deixarão os mais conservadores irritados... Por sua vez, Calvani filma bem, sem pressa e sabe a hora de usar closes muito próximos de seus atores e planos mais abertos para apresentar aquela praia deserta como se fosse um universo paralelo. Interessante notar que o texto atraiu um elenco de apoio bastante interessante, com a oscarizada Marisa Tomei, a premiada Mya Taylor (de Tangerine/2015) e Bryan Batt (famoso por sua participação na série Mad Men). Ainda que o filme não seja inovador em sua proposta, funciona muito bem como carta de apresentação da parceria profissional do casal. Que sejam felizes. 

Maré Alta (High Tide / EUA - 2024) de Marco Calvani com Marco Pigossi, James Bland, Bill Irwin, Mya Taylor, Sean Mahon, Bryan Batt, Todd Flaherty, Karl Gregory, Mark Meeham e Stephen Walker. ☻☻☻ 

HIGH FI✌E: Abril / Maio

 Cinco filmes assistidos que merecem destaque:

 

"A Cura" de Kiyoshi Kurosawa

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"Homem com H" de Esmir Filho

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"Love(Sex Dreams)" de Dag Johan Haugerud

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"Superstar: A História de Karen Carpenter" de Todd Haynes

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"Um Homem Diferente" de Adam Schimberg

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PL►Y: Tudo que Imaginamos Como Luz

 

Kani e Divya: exemplar diferente do cinema indiano.  

Confesso que assisti Tudo que Imaginamos Feito Luz assim que estreou o TeleCine, mas demorei muito para escrever sobre ele. Pensei que fosse bom até revê-lo, já sabendo do tipo de filme que se trata, mas não cheguei a fazê-lo. Comecei a escrever sobre ele algumas vezes desde então, mas sempre apagava o texto. Recomeçava. Desistia. Nas últimas semanas resolvi que ele seria um daqueles longas a que assisto e que não escrevo no blog, ou por não merecer muito comentário ou porque simplesmente não consigo escrever o texto certo para falar sobre ele (e isso acontece mais do que você imagina, tanto que somente recentemente, ao comentar Baby descobri que nunca terminei e publiquei meu texto sobre Corpo Elétrico). Mas por que eu devo escrever sobre este filme? Simplesmente por muitos considerarem que a Índia fez uma baita mancada quando não o indicou para uma vaga ao Oscar de Filme Internacional no ano passado, mesmo com o sucesso do filme em festivais, a começar por seu lançamento no Festival de Cannes - de onde saiu com o Grande Prêmio do Júri (espécie de medalha de prata). A Índia preferiu indicar Laapataa Ladies, que ficou de fora das peneiras iniciais o Oscar, mas ao assistir ao filme de Payal Kapatia fica fácil entender o motivo do país não o escolher. Famoso pelas características de Bollywood, Tudo que Imaginamos como Luz é o oposto do que lembramos quando vemos um filme indiano. Não existe aquele visual multicolorido, as danças e os sorrisos fartos, talvez por isso o país não o tenha considerado um representante digno do seu cinema (o considerou europeu demais?), no entanto, muita gente gotou da sensação de ver um cinema indiano diferente, mais contido, introspectivo – o que não deixa de ser uma ousadia. O filme opta por apresentar Bombaim por outra ótica, mais noturna e diversa. A cidade serve de cenário para duas enfermeiras, Prabha (Kani Kusruti) e Anu (Divya Prabha), que trabalham juntas e dividem o mesmo apartamento. O roteiro tem a preocupação de apresenta-las como mulheres antenadas, que  defendem anticoncepcionais e rejeitam casamentos arranjados pela família, trocam mensagens de celular, usam metrô, escutam músicas, são apresentadas como tantas mulheres que vivem em uma grande metrópole para depois o roteiro aprofundar os dilemas das personagens com raízes bastante culturais. O marido de Prabha foi para a Alemanha e faz tempo que não manda notícias, colocando a personagem em um conflito de sentimentos entre o casamento e a ideia de abandono, enquanto isso, Anu se apaixona por um muçulmano a contragosto da  família deseja que se case com outro rapaz. Apesar de todas as possibilidades melodramáticas perante a vida amorosa das personagens, o filme segue por uma linha diferente, o diretor estica o tempo, a narrativa não acelera e lida com o drama de forma bastante discreta até que a narrativa muda de cenário para aprofundar as metáforas do texto, mesclando o que é real com a imaginação das personagens e do espectador.  A forma como o filme lida com o amor e a sexualidade das personagens, assim como  a cultura local, fazem com que o filme destoe da vasta produção de seu país. A fotografia pode parecer mais sombria que o habitual e os diálogos mais simples do que o esperado, mas isso reforça o realismo do diretor em abordar o cotidiano de seus personagens. Acredito que para muita gente o filme não traz nenhuma novidade, mas o mérito do longa está justamente nisso: ser um filme indiano que consegue apresentar suas personagens como se pudessem viver em qualquer lugar do mundo.

Tudo que Imaginamos Com Luz (All We Imagine As Light / França - Índia - Itália - EUA - Suíça / 2024) de Payal Kapatia com Kani Kusruti, Divya Prabham, Hridhu Haroon, Chhaya Kadam, Azees Nedumangad, Anand Sami e Madhu Raja. ☻☻☻

MOMENTO ROB GORDON: Personagens icônicos de Harrison Ford

 Nascido na cidade de Ilinois em Chicago em 13 de julho de 1942, Harrison Ford começou sua carreira como ator nos anos 1960 e na década seguinte já estava participando de sucessos na telona. Ford ajudou a escrever a história do cinema desde então e poucos atores coleciona tantos papéis icônicos no cinema. Alguns dos trabalhos do ator se tornaram verdadeiras referências ao longo do tempo e este Momento Rob Gordon serve para lembrar cinco de seus trabalhos mais marcantes:

#05 John Book (A Testemunha)

 

 

 John quem? Eu sei que é exatamente isso que você disse ao ver o início dessa lista, no entanto trata-se do único personagem que valeu ao ator uma indicação ao Oscar. No papel do policial que se esconde em uma comunidade Amish para proteger um menino que testemunhou um crime, Ford consegue inserir nuances que surpreenderam a crítica sob a direção do renomado Peter Weir. O filme foi indicado em outras sete categorias no Oscar (incluindo filme e direção), mas levou para casa somente os prêmios de roteiro original e montagem. Embora seja pouco lembrado, é uma das produções de maior prestígio do ator. Também estão no elenco Kelly McGillis, Lukas Haas, Pati LuPone e Danny Glover. 

 

 

#04 Richard Kimble (O Fugitivo)

 

Todo mundo sabe que a Academia tem preconceito com filmes de ação, mas em 1993, Ford ao lado do diretor Andrew Davis provou que um filme de ação pode ser levado a sério. Foram sete indicações ao Oscar, incluindo melhor filme, mas faltou uma indicação para o ator por viver o doutor Richard Kimble que é acusado de matar a esposa - já que todas as evidências apontam para ele. Começa então sua fuga com intenção de provar a inocência. Esta versão de uma série de TV dos anos 1960 supera todas as expectativas e gera torcida na plateia, especialmente pela destreza com que Ford constrói um personagem acima de qualquer suspeita. A prova de que Ford merecia uma indicação ao Oscar foi a estatueta de ator coadjuvante que Tommy Lee Jones levou para casa por persegui-lo o filme inteiro. 

 

#03 Deckard (Blade Runner)

Fosse para escolher meu filme favorito da lista, este aqui estaria em primeiro lugar, mas como não é sobre isso, o personagem fica em terceiro lugar - muito por conta do filme não ter encontrado seu público na estreia em 1982 e ter ganho reconhecimento somente com o passar do tempo se tornando cult e um clássico da ficção científica. Em Blade Runner, Deckard é um caçador de replicantes que em um clima noir ciberpunk começa a duvidar de sua própria humanidade (além de se apaixonar por uma replicante, a Rachel). Por muito tempo falou-se de uma continuação e ela veio somente em 2017 com Blade Runner2049, filme excepcional que também não encontrou seu público (embora seja um sucesso de crítica). 

 

 

#02 Han Solo (Star Wars)

 

Difícil escolher os dois primeiros lugares desta lista, mas acho que a medalha de prata fica bem no pescoço do aventureiro mercenário de charme irresistível Han Solo. O personagem surgiu no filme que iniciou a saga de Star Wars em 1977 pilotando a antológica Millenium Falcon e tendo como amigo fiel o co-piloto wookie Chewbacca. Seu crush pela Princesa Leia rendeu um dos romances mais falados das galáxias e perdurou por outros três filmes até que o personagem recebeu seu desfecho em O Despertar da Força (2015). Vale lembrar que a origem do personagem foi abordada em Solo (2018) em que o personagem é vivido por Alden Ehrenreich, mas não alcançou o sucesso desejado. 

 

 

#01 Indiana Jones (O próprio)

 

Apesar de suas duas últimas aventuras não serem tão empolgantes e não honrarem o legado de Henry Jones Junior, o fato é que Indiana Jones é um dos heróis de filmes de ação mais queridos de todos os tempos. O personagem foi concebido por Steven Spielberg em homenagem aos heróis de ação da década e 1930. Lançado em Os Caçadores da Arca Perdida (1981), o personagem conquistou fãs e apareceu em mais duas aventuras lendárias: O Templo da Perdição (1984) e A Última Cruzada (1989). Nelas perdemos o fôlego com o pacato professor que se aventura atrás de relíquias pelo mundo como se tivesse uma dupla personalidade. Em Reino da Caveira de Cristal (2008) e A Relíquia do Destino (2023) a coisa de perde. Fique com a trilogia original e pronto. 

PL►Y: Capitão América - Admirável Mundo Novo

Mackie: pagando os pecados na pele do Capitão América.

  

Se Thunderbolts animou parte do público, mas não o suficiente para alcançar a bilheteria esperada, considero que teve alguma relação com Capitão América: Admirável Mundo Novo (2025). Ouvi poucos comentários quando o filme estreou nos cinemas e, em sua maioria, não foram muito empolgados. Esse desânimo tem relação não apenas com o histórico recente do estúdio, mas também com a trama empolada, cheia de ideias para articular, mas sem esperteza para tanto. O triste é saber que o Falcão, Sam Wilson (Anthony Mackie) merecia mais dedicação em sua estreia como protagonista de um longa metragem com o escudo do Capitão. A Marvel estava cansada de saber de toda a desconfiança em torno do personagem herdar o título, mas colocar um projeto arriscado desses nas mãos de um cineasta como Julius Onah mostra-se um problema. Julius assinou o controverso O Paradoxo Cloverfield (2018) e fez bonito no ambíguo Luce (2019), mas não faço a mínima ideia de onde imaginaram que ele daria conta de um filme de super-herói. As cena de ação não empolgam e o clima de conspiração não engrena - e este seria o aspecto principal para que o filme funcionasse. O vilão também é um baita problema e as referências ao primeiro filme do estúdio (O Incrível Hulk/2008 aquele com Edward Norton correndo em uma favela brasileira) e (finalmente) citar alguma razão para Os Eternos (2021) ter existido, só demonstra o desespero da Marvel voltar a construir uma unidade em seu universo depois de atirar para todos os lados e pagar o preço de perder o público fiel. O filme segue alguns dos acontecimentos da série Falcão e o Soldado Invernal (2021), com Sam assumindo de vez o título de Capitão América e tendo que lidar com o pedido do presidente Thaddeus Ross (papel que era do falecido William Hurt no filme do Hulk e agora é interpretado por Harrison Ford) para criar os Novos Vingadores enquanto o presidente está muito interessado na descoberta de um metal indestrutível: o Adamantium, encontrado mediante as explorações da Ilha Celestial (aquele deus que nasceria no final de Eternos e acabaria com o planeta Terra). Acontece que enquanto o novo presidente dos EUA pretende convencer seus aliados de suas nobres intenções, ele sofre um atentado que aos poucos desencadeia a descoberta de segredos obscuros do seu passado. O filme inventa tantas pontas para amarrar, tantos segredos a descobrir, que o resultado fica mais confuso do que interessante. Eu só não fico com mais pena do Anthony Mackie tentando tirar leite de pedra de um texto tão insosso, porque no meio do caminho tem Tim Blake Nelson vivendo um vilão risível e Harrison Ford exercendo seu profissionalismo ao levar a sério um personagem tão mal desenvolvido. Quando o filme terminou eu fiquei imaginando o dia em que a Marvel decidiu que Guerras Secretas (2027) dará um reboot em seu universo cinematográfico que anda capengando em reencontrar o rumo. 

 

Capitão América - Admirável Mundo Novo (Captain America - Brave New World / EUA - 2025) de Julius Onah com Anthony Mackie, Harrison Ford, Danny Ramirez, Shira Haas, Carl Lumbly, Tim Blake Nelson, Giancarlo Esposito e Liv Tyler. ☻☻  

PL►Y: Herege

Grant: labirinto retórico que funciona.

 

Duas jovens mórmons (Sophie Tatcher e Chloe East) batem de porta na busca novos fiéis para sua religião. Entre ridicularizações que parecem testar a fé das duas, elas costumam conversar nas visitas que realizam afim de esclarecer dúvidas que possam ter sobre a religião da qual são devotas. Elas nem imaginam no início de uma terrível tempestade elas baterão na porta de Mr. Reed (Hugh Grant). Ele mostra-se bastante simpático e receptivo, até menciona que a esposa fez uma torta para receber as meninas. Conversa vai, conversa vem, a mulher do homem nunca aparece. As perguntas parecem cada vez mais provocativas e algumas mentiras, do antes simpático Mr. Reed, começam a ser reveladas. Durante a melhor parte de Herege, o que temos é uma interessante discussão sobre religião e fé. O trio principal deixa a conversa sempre estimulante e constrói um elaborado labirinto retórico aos olhos e ouvidos do espectador. Os diretores Bryan Woods e Scott Beck conseguem manter o interesse do espectador em uma tensão crescente que desperta aquela curiosidade por onde aquela situação irá chegar. Os dois têm o crédito por participarem da elaboração de Um Lugar Silencioso (2018), mas também possuem culpa no cartório por estrearem na direção com aquela bomba Ameaça Pré-Histórica (2023) estrelada por Adam Driver. Isso diz um pouco sobre a estrutura do filme, que vai muito bem até um pouco além da metade, mas se perde quando começa a delirar demais, deixando o suspense e a bela retórica de lado e descamba para um terror de apelo trash. Deixa a impressão de que os dois não acreditavam que o filme daria conta do recado somente com as reflexões que provocam nas duas devotas (e na plateia) que se veem prisioneiras do jogo doentio de um homem misterioso. É verdade que os jovens talentos de Sophie Tatcher e Chloe East tem papel importante em nosso envolvimento com a história, afinal, nos importamos com as duas desde a primeira cena. No entanto, os maiores elogios foram para Hugh Grant. Muitos críticos consideraram que a melhor interpretação da carreira do veterano está neste filme. Indicado a vários prêmios por sua performance (incluindo o BAFTA, o Critic's Choice e Globo de Ouro) é interessante ver como o ator, que figurou entre os maiores galãs da Inglaterra dos anos 1990 soube assumir as rugas e os cabelos brancos, sabendo reconfigurar seu sorriso e expressões para dar vida a um tipo tão ameaçador. Obviamente que o ator utiliza seu charme de sempre para convencer aquelas meninas de que não é um mal sujeito, para logo depois, mostra-se um completamente insano. Essas oscilações do personagem faz até a plateia esquecer das escorregadas que o filme possui para criar um desfecho tão elaborado quanto insatisfatório. Herege seria um filme muito melhor se mantivesse sua discussão sobre a escolha de uma religião e a fé envolvida nisso.

 Herege (Heretic / EUA - Canadá / 2024) de Bryan Woods e Scott Beck com Hugh Grant, Sophie Tatcher, Chloe East, Topher Grace, Elle Young e Elle McKinnon. ☻☻☻

PL►Y: Here

Liyo e Stefan: de humanos e musgos.

 

Confesso que tenho um pouco de dificuldade em acompanhar as narrativas dos filmes do belga Bas Devos. Sei que ele tem fãs ao redor do mundo e realmente os admiro por enxergar atrativos em suas narrativa quando, na maioria das vezes, o que geram é minha desatenção. Tenho um amigo que é muito fã do cinema de Devos e vê-lo falar tão entusiasmado do último filme do cineasta (que acabou de chegar no Filmicca), tornou assistir Here uma verdadeira questão de honra. O curioso foi que se tornou o primeiro longa do diretor que consegui assistir completo (como ele possui apenas quatro longas no currículo, talvez eu possa dar uma segunda chance aos outros). Se não fosse o comentário do tal amigo, mais uma vez, eu não veria nada demais na história que temos aqui: Stefan (Stefan Gota) é um trabalhador da construção civil que está prestes a sair de férias e ir visitar à família na Romênia. Paralelo a isso conhecemos Shuxiu (Liyo Gong), que leciona microbiologia na faculdade de manhã e ajuda a tia em um restaurante chinês à noite. Se ele habita um ambiente urbano, com muitos prédios e concreto (ampliado pelos planos abertos utilizados pelo diretor), Shuxiu volta-se cada vez mais para o micro, um universo tão pequeno em comparação aos arranha-céus que passa desapercebido pela grande maioria das pessoas. O encontro dos personagens faz com que a narratia estabeleça uma espécie de zoom, que vai da construção de um prédio na cidade, passando para os núcleos familiares de seus personagens até chegar ao estudos de Shuxiu sobre musgos. Não é por acaso que o roteiro explora o encontro de um rapaz que está de férias e volta às suas origens e uma microbiologista de origem estrangeira. Existe entre os dois uma busca por conexão com os lugares que habitam (e com o mundo em si) e o diretor estabelece um quase romance entre os dois personagens de forma bastante discreta e singela, mas que não deixa de ter uma certa sensualidade ao explorar o sorriso irresistível de Shuxiu ou as pernas sempre à mostra de Stefan (a quem a personagem se refere como "o rapaz de short"). Bas Devos sempre mostrou-se um diretor que gosta de criar belas imagens, muitas vezes estando mais preocupado com a estética dos filmes do que com seus roteiros. Aqui ele consegue conciliar isso de forma quase terapêutica, estabelecendo uma viagem do macro ao micro da vida na Terra, seja da vida dos seres humanos em seus encontros, idas e vindas ou da presença de musgos que irão herdar o mundo quando as pessoas partirem. Essa sensação de respiro que o filme proporciona rendeu no Festival de Berlim o prêmio de melhor longa na mostra Encounters, do qual saiu também com o prêmio da crítica. 

Here (Bélgica - 2024) de Bas Devos com Stefan Gota, Liyo Gong, Cédric Luvuezo, Teodor Corban, Saadia Bentaïeb, Alina Constantin e ShuHuan Wang. ☻☻☻

PREMIADOS FESTIVAL DE CANNES2025

Um Simples Acidente: Palma de Ouro em Cannes 2025.

Parece que o páreo da 78ª Edição do Festival de Cannes foi acirrado! Ouvi tantos comentários entusiasmados da crítica sobre os filmes exibidos que foi difícil prever quem seria o ganhador. No fim das contas, o apelo do cinema iraniano clandestino de Jafar Panahi prevaleceu. Com isso, Panahi se tornou o raro tipo de diretor que conquista os principais prêmios dos maiores festivais de cinema do mundo (antes, ele já recebeu o Leão de Ouro por Taxi Teerã/2015 no Festival de Berlim e o Leão de Ouro no Festival de Veneza por O Círculo/2000). Se muitos apontavam o novo de Joachin Trier como o favorito, ele ficou com um honrado segundo lugar com o Grande Prêmio do Júri (que este ano foi presidido por Juliette Binoche e contava ainda com nomes como Halle Berry, Alba Rohrwacher e Jeremy Strong). O representante brasileiro não levou o prêmio principal mas não fez feio, levando três prêmio importantes que selam seu passaporte no início de sua repercussão na temporada. Abaixo todos os premiados do maior Festival de Cinema no mundo... (e já podemos começar a campanha do Wagner para melhor ator no Oscar do ano que vem?):

    Palma de Ouro | "It Was Just an Accident" de Jafar Panahi

    Grand Prix | "Sentimental Value" de Joachim Trier 

    Prêmio do Júri | "Sirât" de Olivier Laxe 

Prêmio da Crítica | "O Agente Secreto" de Kleber Mendonça Filho

    Melhor Diretor | Kleber Mendonça Filho (O Agente Secreto)
    Melhor Atriz | Nadia Melitti (The Little Sister)
    Melhor Ator | Wagner Moura (O Agente Secreto)
    Melhor Roteiro | "Young Mothers" de Luc e Jean-Pierre Dardenne

    Prêmio Especial do Júri | "Ressurection" de Bi Gan
    Câmera de Ouro | "The President's Cake" de Hasan Hadi

 

Wagner e Kléber: melhor ator, melhor diretor e prêmio da crítica. 

PL►Y: A Cura

 

Yakusho, Ujiki e Hajiwara: e se serial killer tiver super-poderes?

Muitos consideram o cineasta Kiyoshi Kurosawa um mestre do terror japonês. Dirigindo desde a década de 1970, ele acumula vários títulos que são dignos de culto pelos fãs. Um deles é este intrigante A Cura, que foi lançado em uma época em que os serial killers cinematográficos estavam em alta em produções de Hollywood - e se David Fincher soube fazer a diferença com Se7en (1995), dois anos depois, Kurosawa (que não tem nenhum parentesco com o Akira Kurosawa) também soube deixar a plateia hipnotizada com o suspense de sua trama. O filme conta a busca do detetive Kenichi Takabe (Kôji Yakusho) pela relação que existe entre uma série de crimes cometidos por pessoas diferentes em circunstâncias semelhantes. No entanto, alguns elementos demonstram que os crimes possam ter uma relação entre si. Seus autores eram pessoas inofensivas que, subitamente, sem maiores explicações, assassinaram pessoas próximas. O interessante é que a trama conta esta história de uma forma diferente, ao invés de manter o foco somente no detetive, a narrativa parece um tanto dispersa no início, apresentando vários personagens e, aos poucos, nos damos conta do painel traçado como se fosse um mapa das pistas que levarão até o provável responsável pelas atrocidades. Quando ele aparece (um ótimo trabalho de Masato Hagiwara), esquecido, perdido, sem identidade, somos incapazes de dizer do que aquele jovem é capaz de fazer - mas não demora para que possamos perceber o quanto aquela figura difusa é ameaçadora. Em determinados momentos o detetive parece até mais ameaçador do que o rapaz de fala macia e conversas enigmáticas. Colocando o vilão emaranhado na mente de seus "cúmplices", o filme assume riscos que o torna ainda mais estimulante e surpreendente, deixando os caminhos do detetive tão imprevisíveis quanto os crimes cometidos. Não por acaso, o final lembraria o filme de Davi Fincher se o roteiro não se esticasse mais um pouco e apresentasse que ameaça pode estar em qualquer lugar. Vendo o filme lembrei de uma conversa sobre Longlegs/2024 em que dois alunos (que curtem muito cinema) me recomendaram este filme que não estava disponível em streaming algum (agora está fresquinho no Filmicca). Kiyoshi Kurosawa faz um filme seco e até elegante perante a atmosfera psicológica que emana desde os momentos iniciais. 

A Cura (Cure/Kyua - Japão/1997) de Kiyoshi Kurosawa com Kôji Yakusho, Masato Hagiwara, Tsuyoshi Ujiki, Anna Nakagawa, Yoriko Dōguchi, Yukijirō Hotaru e Ren Osugi. ☻☻☻☻

4EVER: Sebastião Salgado

 

08 de fevereiro de 1944  ✰   23 de maio de 2025

Sebastião Ribeiro Salgado Júnior nasceu na cidade de Aimorés em Minas Gerais. Graduou-se em Economia na Universidade do Espírito Santo, realizou mestrado na Universidade de São Paulo e doutorado na Universidade de Paris. Economista de formação, inicialmente trabalhou como secretário para a Organização Internacional do Café (OIC). Sua primeira sessão de fotos foi nos anos 1970 e o inspirou a ser fotojornalista independente. Depois de passagens por agências de fotografia renomadas, passou a ser ainda mais reconhecido por seus livros de fotojornalismo que se tornaram referências mundiais. O seu olhar crítico social fez de obras como Êxodos (sobre os movimentos migratórios) sucessos editoriais. Salgado contribuiu ao longo dos anos com causas humanitárias, trabalhando ao lado da UNICEF, ACNUR, OMS, Médicos sem Fronteiras e Anistia Internacional. Junto à esposa, Lélia Wanick, apoiaram o Instituto Terra em causas de reflorestamento. O engajamento do fotojornalista gerou o documentário O Sal da Terra (2014) dirigido pelo alemão Win Wenders que ganhou o César de Melhor Documentário e foi indicado ao Oscar de Melhor Filme Internacional.

PL►Y: Babygirl

Nicole e Harris: o sexo subvertendo hierarquias. 

Ano passado houve um verdadeiro congestionamento de estrelas na disputa por uma vaga ao Oscar de melhor atriz. Alguns deles estavam no páreo do Globo de Ouro de melhor atriz em filme de drama, dentre elas, quatro ganharam os holofotes da mídia no Festival de Veneza do ano passado: Angelina Jolie, Tilda Swinton, Fernanda Torres e Nicole Kidman. Dentre elas, a premiada foi a brasileira que se tornou a única do páreo a cravar uma indicação ao Oscar na temporada. No entanto, perante o júri de Veneza foi Kidman a ser considerada a melhor interpretação feminina. Era para tanto? A atriz interpreta Romy, uma executiva poderosa de uma empresa conceituada, ela vive uma vida confortável ao lado do esposo (Antonio Banderas) e das filhas (Esther McGregor e Vaughan Reilly). Ela fica surpresa ao descobrir que foi inscrita em um programa de monitoria para estagiários. Para piorar (ou melhorar, depende...), ela se depara com Samuel (Harris Dickinson), um jovem, digamos, insolente. Não demora muito para que se instaure um jogo de sedução entre os dois, nele o rapaz subverte a estrutura de poder da empresa. Fica claro desde o início que ele ditará as regras nos encontros e nas relações sexuais estabelecidas entre eles. A parte mais curiosa do filme dirigido e escrito pela holandesa Halina Reijn é que Romy embarca naquele jogo sem paraquedas, explorando aspectos de sua sexualidade que preferiu manter em segredo até mesmo de seu marido. Conforme ela se envolve cada vez mais com o jovem amante, algumas surpresas aparecem pelo caminho. O filme sabe utilizar bem a plasticidade de Nicole para explorar o que se esconde por baixo da aparência gélida da personagem, de certa forma, mas o mesmo com a aparência "certinha" de Dickinson, que constrói um personagem imprevisível justamente por não ter o que perder. No entanto, quem espera cenas de sexo explícito irá se frustrar, já que Reijn opta por uma abordagem mais sutil da relação tórrida entre os personagens. O filme escorrega aqui e ali em vários clichês do gênero, especialmente na parte em que outros personagens começam a perceber o que acontece entre a executiva e seu estagiário. Diante disso, Nicole carrega o filme nas costas com uma personagem em constante conflito com seus desejos. Para quem conhece a filmografia da diretora Halina Reijn é inevitável não lembrar de seu primeiro longa-metragem, Instinto (2019), em que explorava a atração de uma psicóloga com um detento da penitenciária em que trabalha. Mudando as características e um tanto da posição de seus personagens em meio às relações profissionais, Babygirl soa quase como o passo seguinte à estreia da diretora. Embora seja menos impactante que seu antecessor,  o resultado ainda é uma obra interessante para tempos tão conservadores. 

Instinto (Países Baixos - EUA / 2025) de Halina Reijn com Nicole Kidman, Harris Dickinson, Antonio Banderas, Sophie Wilde, Esther McGregor, Victor Slezak, Leslie Silva e Robert Farrior. ☻☻☻

PL►Y: Como Ganhar Milhões Antes que a Vovó Morra

Putthipong e Usha: herança familiar.

M (Putthipong Assaratanakul) é um jovem tailandês que  acaba de deixar a faculdade e não parece interessado em nada além de videogames. No início do filme ele participa com a família do que seria uma espécie de Dia de Finados do seu país. Naquele dia, sua avó, Mengju (Usha Seamkhum) contou para a família que gostaria de ser enterrada em um grande terreno que custa uma fortuna fora de seu alcance. Ninguém imaginava que naquele mesmo dia ela seria levada ao hospital por conta de uma queda e que, apesar de não ter sofrido nada demais com o tombo, através dos exames irão descobrir que ela está com câncer em fase terminal. A família resolve manter em segredo o diagnóstico, mas M percebe ali a oportunidade de cuidar da avó e ganhar algo de uma herança iminente. O rapaz começa então sua jornada para conquistar a exigente avó para receber algo em troca. No entanto, o que era para ser um jogo de interesses, recebe outras camadas conforme os laços entre os dois voltam a se estreitar depois de tanto tempo. Na convivência com a avó, M começa a mudar seu olhar sobre a dinâmica da família e percebe outras nuances na relação entre seus tios e a avó, além da própria dinâmica entre sua mãe e a matriarca. Se a dinâmica entre avó e o neto já deixa o filme gradativamente mais interessante, a produção se torna ainda mais rica quando envolve as relações entre os outro personagens e questões sobre envelhecimento e solidão. Por conta disso, nem precisa dizer que o filme se torna cada vez mais emocionante e ainda reserva algumas surpresas ao longo da sessão. Todos estão ótimos em cena, mas o destaque mesmo fica por conta de Putthipong Assaratanakul e Usha Seamkhum na pele de neto e avó que estabelecem uma dinâmica de sensibilidade crescente entre os personagens, da primeira até a última cena. Embora seja dirigido pelo estreante Pat Boonnitipat (que sabe o momento exato de utilizar momentos melodramáticos na trama), o filme demonstra bastante equilíbrio em conciliar drama com um tempero cômico ao longo da narrativa. Em cartaz na Netflix, o filme se tornou o longa tailandês de maior bilheteria mundial e foi selecionado pelo país para concorrer à uma vaga na última edição do Oscar na categoria de Filme Internacional, chegando à avançar nas pré-listas, mas ficou de fora dos cinco escolhidos. 

Como Ganhar Milhões Antes que a Vovó Morra (Lahn Mah / Tailândia - 2024) de Pat Boonnitipat com Putthipong Assaratanakul, Usha Seamkhum, Sanya Kunakorn, Pongsatorn Jongwilas, Jear Sarinrat Thomas, Tontawan Tantivejakul e Duangporn Oapirat. ☻☻☻☻

KLÁSSIQO: Onde Fica a Casa do Meu Amigo?

Babak: um clássico do cinema iraniano.

Pode se dizer que Onde Fica a Casa do Meu Amigo de Abbas Kiarostami desencadeou uma onda de interesse pelos filmes iranianos. Nos anos seguintes vários filmes feitos no país receberam destaque mundial e seu tornaram cults com suas histórias singelas e realistas executadas para abordar temáticas amplas sobre aquele país. É a ideia do micro, falando do macro. Durante todo o longa o que vemos é a inocência e a amizade de duas crianças em confronto com o mundo dos adultos em suas asperezas. É assim que acompanhamos a jornada de Ahmed (Babak Ahmadpoor), um menino que desde a primeira cena sofre ao ver o amigo levar uma bronca do severo professor por não ter usado o caderno para fazer a lição. Kiarostami parece nos colocar no meio da agitação daquela sala de aula e nos deixa aflitos diante da situação, compartilhamos assim a mesma indignação do pequeno protagonista naquele contato com aquela personificação da autoridade e da disciplina. Acontece que na saída da escola naquele dia, Ahmed leva o caderno do amigo para casa por engano e ficara angustiado para entregá-lo. Se a mãe considera que aquela história é só uma desculpa pra os dois brincarem o dia todo, o garoto irá partir em uma verdadeira odisseia para encontrar a casa do amigo e entregar o caderno a tempo dele fazer a lição para o dia seguinte. A cada pessoa que o menino encontra, a cada situação que enfrenta, o que vemos é uma espécie de um denso encontro de gerações. O filme segue carregado da tensão de Ahmed (valorizada ainda mais pelos olhos reluzentes do menino que o interpreta) e a certa altura ficamos aflitos não apenas sobre a entrega do bendito caderno, mas também sobre seu paradeiro e seu retorno para a casa. A ideia de construir uma espécie de suspense a partir dos dramas de seus personagens se tornou uma marca do cinema iraniano e um dos motivos para se tornar tão envolvente, mesmo que os acontecimentos aqui soem dispersos, a tensão permanece até o fim. Teóricos e críticos de cinemas consideraram esta a primeira parte de uma trilogia na cinematografia de Kiarostami, que ficou conhecida como Trilogia Koker (o nome do vilarejo em que a trama acontece). No filme seguinte (E A Vida Continua/1992) vemos a busca dos meninos protagonistas de Onde Fica a Casa do Meu Amigo sob o receio de terem falecido no terremoto que aconteceu em 1990 que vitimou 50.000 pessoas ao norte do Irã e Através das Oliveiras retoma uma cena do segundo filme para construir uma narrativa em destaque. Kiarostami se tornou um os diretores mais importantes do cinema desde então. 

Onde Fica a Casa do Meu Amigo (Khane-ye doust kodjast? / Irã - 1987) de Abas Kiarostami com Babak Ahmadpour, Ahmed Amadpour, Iran Outari, Khodabaksh Defai, Ayat Ansari e Teba Soleimani. ☻☻☻☻

PL►Y: Sex (Love Dreams)

Jan Gunnar Røise: relacionamento em conflito.

Avdelingsleder (Thorbjørn Harr) é o chefe de Feier (Jan Gunnar Røise) no trabalho de limpeza de chaminés. Entre um trabalho e outro os dois começam a conversar sobre um sonho que deixou Avde intrigado. Ele sonhou que David Bowie o observava como se apreciasse uma mulher. Ainda que fosse um sonho, a sensação vivenciada por ele foi muito real e o deixou pensativo. Ele não imaginava que após relatar o sonho, o colega iria lhe confidenciar que transou com um homem pela primeira vez no dia anterior. Vale ressaltar que ambos se consideram heterossexuais, são casados com mulheres e possuem filhos numa estrutura familiar bastante convencional e sem maiores conflitos, pelo menos até aquele momento. Feier conta com bastante naturalidade sobre o ocorrido, da mesma forma que contou para a esposa sobre a experiência e acreditou estar tudo bem, afinal, para ele traição seria manter um relacionamento afetivo com alguém fora do casamento, o que não é o caso. Porém, Feier não imaginava que  sua esposa, Lege (Anne Marie Ottersen), começaria a questionar um casamento que aparentava total estabilidade. O primeiro filme da trilogia Sex Love Dreams de Dag Johan Haugerud já demonstra que o diretor quer fazer a plateia embarcar em uma reflexão sobre os temas que dão título aos filmes do projeto. Não quer apontar respostas, dizer quem está certo ou errado, mas fazer a cabeça do espectador fermentar perante as ações dos personagens. Ao longo do filme Feier, que parecia tão confiante com sua primeira experiência sexual com outro homem, começa a perceber como isso afeta seu relacionamento com a esposa - além disso, um certo temor começa a se instaurar sobre a percepção que as pessoas possuem dele. Embora ele repita o tempo inteiro que não é gay (da mesma forma que ressalta que beber cerveja não o torna um alcoólico) suas interações com a esposa se tornam cada vez mais difíceis em conversas sobre ciúme, desejo e fidelidade. O ator Jan Gunnar consegue dar conta do personagem em conflito por um viés inusitado, seu rosto de certinho, sua expressão sempre acanhada e uma certa ausência de sex appeal nos desperta uma sensação diferente ao tentar julgá-lo e por vezes gera risos nervosos, como naquele momento em que a esposa pede para que conte (em detalhes) como foi fazer sexo com outro homem. Aos poucos a dinâmica entre os dois se torna uma tortura psicológica, ela cada vez mais cortante e ele cada vez mais esquivo, dando a impressão que somente a demonstração de alguma culpa (algo que ele não apresenta no início) será capaz de amenizar a tensão instaurada. Fosse só a trama de Feier em crise o filme já seria interessante, mas o texto escorrega ao ter de lidar com os sonhos do outro homem da trama. Sem saber muito para onde ir com Avdelingsleder (que nome difícil para um personagem), o que poderia ser uma discussão interessante sobre gênero e religiosidade (este um tema que rende um dos diálogos mais inusitados do filme) fica pelo meio o caminho. Duas curiosidades sobre o filme: ele não possui cenas de sexo e conta com uma pequena participação de Bjorn (Lars Jacob Holm), que recebe mais destaque em Love, o segundo filme da trilogia.  O fato é que o longa me deixou ainda mais curioso para ver a terceira parte da trilogia, Dreams, que ainda não tem previsão de estreia por aqui. 

Sex (Sex / Noruega - 2024) de Dag Johan Haugerud com Thorbjørn Harr, Jan Gunnar Røise, Siri Forberg, Anne Marie Ottersen e Birgitte Larsen. ☻☻☻☻

NaTela: Thunderbolts*

 

Florence e seus amigos: heroísmo e saúde mental. 

 

Concebido para ser uma espécie de Esquadrão Suicida da Marvel, o filme que tinha a missão de juntar um grupo de personagens renegados do estúdio recebeu uma missão extra ao longo do tempo: empolgar a plateia saturada de produções de super-heróis que apresentam mais do mesmo. A Marvel cometeu tantas variadas bobagens desde o seu auge com o evento que foi Vingadores: Ultimato (2019) que ela mesma ficou perdida em meio a todos os projetos e personagens que deixou ao longo do caminho (a lista gigantesca inclui desde o filme dos Eternos, passando por SheHulk, Shang Chi, Echo e a lista segue...). O próprio MCU percebeu que a coisa estava degringolando e viu que estava na hora de puxar o freio de mão e elaborar melhor seus projetos (talvez As Marvels/2023 seja o ponto mais baixo do estúdio, já que reuniu três personagens importantes só para criar um pastiche sem graça do universo em que estão inseridas). Ano passado a Marvel resolveu nos agraciar com Deadpool e Wolverine (2024) para aprofundar o clima de galhofa que se tornou o multiverso no objetivo de capitalizar sucessos passados embalado pela nostalgia dos fãs ainda dispostos a gastar dinheiro para ver seus heróis na telona (e o filme se tornou o segundo mais visto de 2024 com quase um bilhão e meio nos caixas). Não sei vocês, mas no lançamento de Capitão América: Admirável Mundo Novo (2024) senti um climão de ressaca e ninguém se empolgou muito com o filme (e não posso falar muito porque ainda não o assisti). Diante de tudo isso, Thunderbolts* tem o objetivo de voltar a nos empolgar com o universo Marvel nas telonas e, o melhor de tudo, ele consegue. Saí do cinema com a esperança de que o MCU pode voltar aos trilhos depois de tantos projetos mal planejados em sua conturbada Fase5. Devemos agradecer muito ao diretor Jake Schreier que torceu o nariz para a ideia inicial do filme e com os roteiristas Eric Pearson e Joanna Calo conseguiu dar um coração para a trama. Assim, a história começa com uma crise existencial vivida por Yelena (Florence Pugh, ótima como sempre), que após tantos acontecimentos complicados em sua vida de mercenária percebe que precisa fazer algo mais na vida. Essa crise a leva a conversar com a patroa, a diretora da CIA, Valentina Alegra (Julia Louis-Dreyfus, vivendo a versão mais sombria de Celina Meyer de Veep) em busca de um trabalho menos clandestino. Não demora muito para ela se ver junto com os personagens Fantasma (Hannah John-Kamen), Treinadora (Olga Kurylenko), Agente Americano Wyatt Russell e o desconhecido Bob (Lewis Pulman) em uma missão que parece cada vez mais uma queima de arquivo. Eles nem imaginam que aquele é só o início de grandes problemas que lidam diretamente com as ambições de Valentina (que responde por um processo de impeachment que pode sepultar de vez sua carreira) e o resultado de uma experiência que pode sair do controle. Jake Schreier (que antes dirigiu Frank e o Robô/2012 e a série Treta/2023 ) conduz seus personagens em uma sintonia perfeita em uma trama que se beneficia pelo sabor do imprevisível, finalmente aqui, nós tememos pelos personagens, com a sensação de que algo muito ruim pode acontecer - especialmente quando somos apresentados ao vilão da história que ganha ainda mais força quando o filme revela tratar-se de saúde mental (e adorei a referência com Quero Ser John Malkovich/1999 quando os personagens pulam de uma lembrança para outra como se passeassem por cômodos do inconsciente). A ideia de tratar um assunto sério, e em constante debate nos dias atuais, não oferece ao filme um viés oportunista, pelo contrário, cria uma base sólida para a construção da história que a torna mais coerente desde o seu ponto de partida. Obviamente que não posso deixar de mencionar a presença do Soldado Invernal (Sebastian Stan) e o Guardião Vermelho (David Harbour) ao longo da trama, mas quem brilha mesmo é Florence Pugh, mais uma vez se reafirmando como um dos grandes nomes de sua geração. Thunderbolts* ganha pontos por trazer uma trama conectada ao gigantesco universo Marvel, mas que consegue ser redondinho e independente, Quarteto Fantástico deve seguir pelo mesmo caminho e, se for assim, já podemos comemorar. 

 

Thunderbolts* (EUA-2025) de Jake Schreier com Florence Pugh, David Harbour, Sebastian Stan, Julia Louis-Dreyfuss, Wyatt Russell, Lewis Pullman, Hannah John-Kamen, Olgua Kurylenko e Geraldine Viswanathan. ☻☻☻☻