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sexta-feira, 7 de abril de 2017

PL►Y: É Apenas o Fim do Mundo

Ulliel na ponta da mesa: pagando a conta pelos anos de ausência. 

Há algum tempo Xavier Dolan assistiu a uma peça escrita por Jean-Luc Lagarce e a considerou insuportável. Anos depois se deparou novamente com a tal peça e percebeu qualidades que até então não havia encontrado. Portanto, não deixa de ser curioso que no ano passado a obra de Lagarce tenha chegado às telas pelas mãos do cineasta canadense, que aos 27 anos, lançava seu sexto longa no Festival de Cannes. Ironicamente, o diretor teve que ouvir alguns aplausos e muitas vaias diante de seu novo trabalho - mas, lembrando de seu primeiro contato com a jornada de Louis na conflituosa visita à família após doze anos de ausência, Dolan deve ter entendido o motivo de controvérsia (sorte que ele ganhou o Grande Prêmio do Júri para amenizar as suas dores). É Apenas o Fim do Mundo não é mesmo um filme agradável de assistir, afinal, trata-se de pouco mais de noventa minutos de relações ásperas, diálogos ofensivos, tudo temperado com ressentimentos, rancores e picuinhas que acontecem nas melhores (e piores) reuniões familiares. A diferença é que cada close, cada enquadramento, corte e silêncio tornam a experiência tão sufocante para o espectador quanto para o protagonista. O desconforto transborda da tela e poucos espectadores estão dispostos a perceber que nem sempre cinema é diversão, mas uma experiência que transcende estar sentado diante de uma tela para passar o tempo. Dolan defendeu seu filme argumentando que era o seu melhor trabalho e que achava absurdo uma pessoa dizer que qualquer obra é boa ou ruim assim que ela termina, afinal, é necessário tempo para serem digeridas. O filme serve apenas para despertar aquelas emoções na plateia e elas podem continuar por um longo tempo até serem compreendidas. Se esta era a intenção do diretor ele conseguiu alcançar o que queria! Pela primeira vez o canadense trabalha com um elenco plenamente francês, deixando de lado suas atrizes favoritas (as ótimas Anne Dorval e Suzanne Clément ficaram de fora) na construção de uma família que se ama, mas que não resiste em transformar o nobre sentimento em munição de ataque contra o outro. Quando o dramaturgo Louis viaja para visitar a família, temos uma certeza: ele precisa comunicar que morrerá em breve. Diante da mãe elétrica (Nathalie Baye, que trabalhou com Xavier em Laurence Anyways/2012), da irmã caçula que não viu crescer (Léa Seydoux), do irmão rancoroso (Vincent Cassel) e da cunhada desconhecida (a sempre ótima Marion Cotillard), o motivo da visita engasga no interior do protagonista, afinal, entre a avalanche de cobranças, ironias e incompreensões, o  momento ideal nunca chega. Existem momentos em que fica evidente o caráter teatral do texto (principalmente nos atos em dupla), mas Dolan utiliza sua câmera para explorar seus atores ao máximo em closes de pequenos momentos reveladores que se escondem entre as palavras. Um olhar, um meio sorriso, um gesto geralmente diz muito mais do que os diálogos que tentam disfarçar o quanto todos estão vulneráveis diante do visitante de poucas palavras. Além do bom trabalho com os atores, Dolan aparece mais maduro no uso da câmera, na economia dos recursos narrativos (é verdade que ele continua utilizando música pop para pontuar momentos importantes e há momentos em que a histeria contamina todo o elenco, mas quem conhece o cinema do rapaz, sabe que estes dois aspectos se mostram cada vez mais como alicerces de sua cinematografia). O cineasta ainda consegue trabalhar de forma sutil a relação mais complicada e explosiva do filme (a estabelecida entre Louis e seu irmão) tendo como contraponto a conexão pelo olhar entre Louis e a cunhada (que contempla com olhos doces todo o caos emocional daquela família). É Apenas o Fim do Mundo é uma obra difícil, onde a grande riqueza reside nas entrelinhas quase auto-biográficas de Lagarce, autor que tornou-se mais reconhecido após a morte em 1995 por consequência da AIDS. Quem gostar do texto, vale a pena a leitura de Últimos Remorsos Antes do Esquecimento que ao lado de É Apenas o Fim do Mundo faz parte do seleto grupo de obras eleitas para representar a Literatura Moderna, Literatura  Clássica e Gramática Francesa desde 2005. Já o filme foi o escolhido canadense para disputar o Oscar de filme estrangeiro deste ano, mas ficou de fora (ele teve melhor sorte no César onde foi indicado a seis prêmios, levando três: melhor ator/Gaspard Ulliel, diretor e montagem - ambos para Dolan). Para os fãs do diretor, será ainda mais interessante ver os paralelos com outras obras do cineasta, especialmente com o excelente Tom na Fazenda/2013.

É Apenas o Fim do Mundo (Juste La Fin du Monde/Canadá França-2016) de Xavier Dolan com Gaspard Ulliel, Vincent Cassel, Marion Cotillard, Nathalie Baye e Leá Seydoux. ☻☻☻☻

quarta-feira, 25 de janeiro de 2017

INDICADOS AO CÉSAR 2017

Isabelle Huppert com o diretor Paul Verhoeven: 11 indicações para Elle. 

Há quem diga que o Oscar despreza um grande sucesso do cinema francês, eu discordo, mas diante da esnobada que Elle do diretor Paul Verhoeven recebeu da academia ao ser rejeitado na categoria de filme estrangeiro (afinal, uma história de estupro que foge dos manuais de Hollywood deve ser demais para os votantes),  no entanto Isabelle Huppert segue firme e forte no páreo de melhor atriz (após uma gloriosa vitória no Globo de Ouro). Eis que o César, a maior premiação do cinema francês resolveu colocar Elle no posto de favorito de sua premiação com 11 indicações bastante robustas. Os franceses ainda celebraram a investida do canadense Xavier Dolan com astros franceses, concedendo à É Apenas o Fim do Mundo seis preciosas indicações, incluindo Melhor Filme Estrangeiro (do qual saiu na última peneira do Oscar) além de Aquarius, que figura na mesma categoria e encerra seu ciclo de admiração francesa, afinal, o filme de Cléber Mendonça Filho começou a carreira elogiado no Festival de Cannes e agora é aclamado mais uma vez na França. A seguir todos os indicados da premiação:

Melhor Filme
Divines
Frantz
Agnus Dei
Mistério na Costa Chanel
Mal de pierres
Victoria

Melhor diretor
Houda Benyamina | Divines
Francois Ozon | Frantz
Anne Fontaine | Agnus Dei
Bruno Dumont | Mistério na Costa Chanel
Nicole Garcia | Mal de Pierres

Melhor Atriz
Judith Chemla | Une Vie
Marion Cotillard | Mal de Pierres
Virginie Efira | Victoria
Marina Fois | Irrepreensível
Sidse Babett Knudsen | La fille de Brest

Melhor ator
Francois Cluzet | Médecin de campagne
Pierre Deladonchamps | The Son of John
Nicolas Duvauchelle | Não Sou um Canalha
Fabrice Luchini | Mistério na Costa Chanel

Melhor atriz coadjuvante
Valeria Bruni Tedeschi | Mistério na Costa Chanel
Melanie Thierry | La danseuse

Melhor ator coadjuvante
Gabriel Arcand | The Son of John
Vincent Lacoste | Victoria
Melvil Poupad | Victoria

Melhor atriz estreante
Oulaya Amamra | Divines
Paula Beer | Frantz
Lily-Rose Depp | La danseuse
Noemie Merlant | Le ciel attendra
Raph | Mistério na Costa Chanel

Melhor ator estrante
Damien Bonnard | Na Vertical
Corentin Fila | Quand on a 17 ans
Kacey Mottet Klein | Quand on a 17 ans
Niels Schneider | Diamant noir

Melhor filme estrangeiro
Bacalaureat
A Garota sem Nome
Eu, Daniel Blake

Melhor roteiro original
Divines
O Efeito Aquático
Agnus Dei
Mistério na Costa Chanel
Victoria

Melhor roteiro adaptado
La Fille de Brest
Frantz
Mal de pierres
Réparer les vivants

Melhor documentário
Derniers Nouvelles du Cosmos
Fogo no Mar
Thanks Boss!
Swagger
Voyage à travers le cinéma français

Melhor primeiro filme
Cigarettes et chocolat chaud
La danseuse
Diamant noir
Divines
Rosalie Blum

Melhor trilha sonora original
Dans les forêts de Sibérie
Frantz

Melhor som
Frantz
Mal de Pierres
L’odyssée

Melhor montagem
Divines
Frantz
Mal de Pierres

Melhor fotografia
Frantz
Agnus Dei
Mistério na Costa Chanel
Mal de Pierres

Melhor figurino
La danseuse
Frantz
Mal de Pierres
Mistério na Costa Chanel
Une vie

Melhor longa-metragem de animação
La jeune fille sans mains
A Tartaruga Vermelha

Melhor curta-metragem de animação
Cafe Froid
Celui Qui a Deux Ames
Journal Anime
Peripheria

Melhor curta-metragem
After Suzanne
Au Bruit des Clochettes
Chasse Royale
Mamans
Vers la Tendresse

sábado, 25 de fevereiro de 2017

Premiados César 2017

Huppert: mais um prêmio para sua coleção. 

Pertinho do Oscar foi a vez dos franceses escolherem os seus melhores do ano. O César foi entregue aos melhores do cinema francês e o sucesso Elle levou dois prêmios importantes para casa (Melhor Filme e Melhor atriz para Isabelle Huppert - que está indicada ao Oscar pela performance arrasadora). O mais premiado da noite foi É Apenas o Fim do Mundo do canadense Xavier Dolan, que pela primeira vez trabalhou com grandes nomes do cinema francês! O longa levou para a casa os prêmios de melhor ator (Gaspard Ulliel), direção e montagem (ambos para Dolan). Outros filmes conhecidos dos brasileiros que foram contemplados foram Divinas (que está disponível no Netflix), Chocolate (merecidíssimo prêmio de coadjuvante para James Thierrée), Minha Vida de Abobrinha (que também concorre ao Oscar de Melhor Animação no domingo) e Eu, Daniel Blake (que assim como no Festival de Cannes derrotou o brasileiro Aquarius na categoria em que concorria). A seguir todos os premiados

MELHOR FILME

MELHOR DIREÇÃO

MELHOR ATOR

MELHOR ATRIZ

MELHOR ATOR COADJUVANTE

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Deborah Lukumuena (Divinas)

MELHOR REVELAÇÃO MASCULINA
Niels Schneider (Diamant Noir)

MELHOR REVELAÇÃO FEMININA
Oulaya Amamra (Divinas)

MELHOR FILME DE ESTREIA
Divinas

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL
O Efeito Aquático

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
Eu, Daniel Blake

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO

MELHOR DOCUMENTÁRIO
Merci Patron!

MELHOR FOTOGRAFIA
Frantz

MELHOR TRILHA SONORA
Dans Les Forêts de Siberie

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE

MELHOR FIGURINO
La Danseuse

MELHOR SOM
L'Odyssée

MELHOR EDIÇÃO

MELHOR CURTA-METRAGEM
Maman(s)

MELHOR CURTA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO
Celui Qui a Deux Ames

domingo, 28 de maio de 2017

Na Tela: Personal Shopper

Kristen: para ser ruim, ela ainda tem que melhorar muito...

Dia desses eu conversava com alguns amigos sobre os filmes que receberam vaias na atual edição do Festival de Cannes e lembramos de tantos outros longas que passaram por essa manifestação (deselegante) do público e no fim receberam algum prêmio no Festival de cinema mais influente do mundo. O primeiro que me veio à cabeça foi Xavier Dolan - por É Apenas o Fim do Mundo/2016 que terminou recebendo o prêmio especial do júri - e o segundo foi Olivier Assayas por este Personal Shopper, que lhe rendeu o prêmio de melhor direção no ano passado. Antes de falar sobre o filme em si, devo dizer que as vaias são mais do que compreensíveis, não apenas pelo sabor de decepção inevitável após o sucesso de Acima das Nuvens (2014), filme anterior do cineasta também estrelado por Kristen Stewart - mas sem uma atriz do porte de Juliette Binoche este consegue ser apenas fraco. A impressão constante é que Assayas tentou fazer muita coisa com as ideias que tinha (especialmente sobre o mundo abstrato que nos rodeia pelos celulares, computadores, mídia e até relacionamentos apenas físicos e sem amor), mas faltou escrever um roteiro que prestasse. O filme mistura drama sobrenatural, suspense, terror, lacunas e cenas que não servem para nada. Kristen vive a profissional do título, encarregada de comprar roupas para uma celebridade que ela quase não encontra e, apesar do filme carregar o nome da profissão, não há profundidade na abordagem sobre a carreira. Personal Shopper está mais preocupado na mediunidade da personagem que insiste em ter contato com o irmão gêmeo falecido - mas sempre parece assombrada por outros fantasmas. São nas cenas de susto que Assayas consegue render alguns bons momentos, mas, como é intelectual demais para fazer um filme de gênero, prefere passar a maior parte do tempo tentando fazer Kristen ser expressiva, já que a atriz sempre está desconfortável diante da câmera. Podem dizer que isso tem relação com a personagem, que sente-se deslocada por sua capacidade de se comunicar com os mortos, mas não é, Kristen exibe aqui, pela enésima vez, toda sua apatia cênica que a tornou famosa (e não adianta cena com capacete, cena de nudez, de masturbação, ela não decola...). Sempre com o mesmo olhar desviado, as costas arcadas, a voz sem emoção, a cabeça inclinada, os tiques labiais... a verdade é que Kristen é uma atriz sofrível que quando consegue ter alguma cena inspirada pensam que ela é uma boa atriz. Não é. Aqui ela se revela mais uma péssima escolha para um roteiro que já é bastante problemático. Se ela mal consegue demonstrar emoção contracenando com os atores do filme, imagine passando a maior parte do tempo conversando com "um fantasma" pelo celular? Desculpem fãs, mas ela não convence nem na cena em que está dormindo no trem (e houve quem considerasse que ela levaria o prêmio de melhor atriz em Cannes... antes de ver o filme, é claro).  Cheio de toques sobrenaturais o filme naufraga também pela superficialidade do roteiro ao lidar com o assunto - aquele papo de "sinto a presença dele" gera risadas quase sempre. Acredito que Assayas e Kristen poderiam até fazer um bom filme de terror juntos, mas Personal Shopper é apenas um conjunto de ideias mal organizadas e que servem para demonstrar o quanto a sua estrela é limitada - e a cena em que ela contracena com o ótimo Lars Eidinger (o favorito de Assayas) fica evidente o amadorismo da estrela (e acho que por conta disso o diretor até evita colocar os dois juntos naquela cena esperada perto do final). Ao final a pergunta se existe vida após a morte ecoa na mente menos do que os motivos que levaram o diretor a ser premiado em Cannes - ou por que Kristen não faz um bom curso de interpretação.

Eidinger: cinco minutos para roubar um filme inteiro. 

Personal Shopper (França/Alemanha-2016) de Olivier Assayas com Kristen Stewart, Lars Eidinger, Ty Olwin e Sigrid Bouaziz.☻

segunda-feira, 2 de abril de 2012

FILMED+: Apenas o Fim

Mader e Duvivier: A solidão da vida de um sem o outro.  

Se Woody Allen tivessem um filho jovem e carioca, provavelmente seus filmes não seriam muito diferentes de Apenas o Fim, o elogiado primogênito realizado por alunos do curso de cinema da PUC-Rio. Feito no esquema independente, ou da colegagem, como preferir, a história é simples - e o grande trunfo do longa é o cuidado com os diálogos, lapidados com referências da cultura pop. O resultado é divertido e de fácil identificação para todos os públicos. O humor atira para todos os lados, de pesadelos com ursos de pelúcia, passando por Niemeyer (a paisagem natural do Rio foi projetada pelo arquiteto Oscar Niemeyer pouco depois do descobrimento do Brasil) até Chico Buarque e Johny Depp (o mundo é dividido entre mulheres que acham Chico bonito e as que acham Johny Depp bonito) numa verdadeira metralhadora de referências que tentam camuflar a tristeza que se esconde na despedida de Antônio (o ótimo Gregório Duvivier) e sua namorada , Adriana (Érika Mader). O título já entrega o que acontece logo no início: num belo dia de aula na faculdade, ela decide comunicar ao namorado que irá embora por quatro meses e que é melhor terminarem. Ela não diz para onde vai e nem os motivos da mudança repentina, mas tem certeza que não pode continuar naquele relacionamento. Ele não entende nada e, assim como o público, acha que tudo não passa de um trote da namorada. Mas o anúncio da separação gera uma bem humorada lavagem de roupa suja com toda a leveza que um jovem casal que se ama é capaz de exalar. O diretor Matheus Souza ainda intercala as discussões do presente com momentos do passado onde a fotografia em preto e branco busca momentos de intimidade onde perguntam sobre a cor favorita de um ou qual Cavaleiro do Zodíaco o outro seria. Existem diferenças entre o casal, enquanto ela é desencanada, ele parece ser um típico nerd (ou seria cabeça?), usando camisas de listras e óculos (herdados do avô) - e os atores sabem fazer com que essas diferenças gerem uma química perfeita capaz de segurar o filme do início ao fim. Existem momentos em que o casal encontra amigos pelo caminho, o resultado gera cenas de ciúme e alguns desconfortos - e se o efeito é expressar como um sem o outro não tem tanta graça eles conseguiram. Não há grandes movimentos de câmera ou edição mirabolante, coisas que seriam utilizadas em qualquer filme voltado para o público com a faixa etária dos personagens, na maioria das vezes a câmera parece escondida, distante dos personagens e diversas vezes se rende a planos sequências (o melhor é aquele em que Antônio caminha em busca dela enquanto um bando de garotas fantasiadas de contos de fada caminham no sentido oposto ao dele). Essa simplicidade estética é alvo até de brincadeiras entre os personagens, seja na sua base cênica (a certa altura ela diz que o primeiro roteiro de le parecia um teatro filmado com duas pessoas falando e nada acontecendo), nas locações ao ar livre (ele até comenta que o clima vive mudando de uma hora para outra) ou por haver uma filmagem no campus (que pode muito bem reproduzir o que aconteceu realmente).  Com sua estética radicalmente independente, Apenas o Fim prova que uma boa ideia na cabeça vale mais do que qualquer recurso que possa desviar a atenção do espectador do prato principal: os personagens. E não se trata de personagens quaisquer, trata-se de um casal cheio de alma que busca retratar toda uma geração de jovens brasileiros e suas referências pop. Nesse espaço que separa a adolescência da vida adulta entre as paredes da facul, Matheus Souza constrói uma das comédias românticas mais bem escritas que já assisti. Esta sim é para ter vontade de se apaixonar e rir um bocado ao lado de quem se ama.   Dá até vontade de voltar para a faculdade!

Apenas o Fim (Brasil/2009) de Matheus Souza com Gregório Duvivier, Érika Mader, Álamo Facó, Nathalia Dill, Marcelo Adnet e Julia Gorman. ☻☻☻☻☻

domingo, 6 de janeiro de 2013

CATÁLOGO: A Casa no Fim do Mundo

Robin e Colin: contaminados pelo vírus da comédia romântica. 

Em 1998 Michael Cunningham ganhou o prêmio Pulitzer pelo trabalho em seu livro As Horas que em 2002 recebeu uma elogiada adaptação cinematográfica (dando à Nicole Kidman o Oscar, o Globo de Ouro e o prêmio em Berlim de melhor atriz por sua atuação como Virginia Woolf). Era de se esperar que com esse sucesso os outros livros do escritor começassem a chamar atenção dos estúdios. Foi assim que em 2004 seu segundo romance Uma Casa no Fim do Mundo (1990) virou filme. Pena que o longa não consegue alcançar um terço da carga emocional de seu irmão mais badalado. O livro duas décadas na vida de dois amigos, Bobby e Johnatan, que se conhecem na adolescência na interiorana Cleveland até chegar à efervescente Nova York da década de 1980. É fácil notar que entre a dupla  existe algo mais do que amizade - e se é interessante ao ponto de alguém achar que a trama viraria um filme que preste, a versão cinematográfica deve ser pior que o livro. Os melhores momentos ficam por conta de Bobby pequeno vendo seu irmão morrer após um acidente em meio a uma festa. Quando Bobby é um menino tentando entender as coisas que acontecem ao seu redor o filme consegue despertar o nosso interesse, mas minutos depois começa a desandar. Passa alguns anos e ele mora somente com o pai, ele conhece Johnatan na escola e quando o pai morre ele passa a morar na casa do amigo. Falta sutileza ao diretor Michael Mayer na abordagem da atração que começa a existir entre os dois jovenzinhos. O tom cômico dado a primeira vez em que se tocam debaixo das cobertas é de um gosto duvidoso, da mesma forma ele nunca consegue explicar bem o que a mãe de Johnatan (vivida pela escolada Sissy Spacek) pensa daquela amizade. A interação da figura materna sempre fica no meio do caminho ao ver a homossexualidade do filho, mesmo quando o encontra na idade adulta. Se a coisa já é meio desengonçada até essa parte, a coisa degringola de vez quando Colin Farrell assume o papel de Bobby na vida adulta. É a década de 1980 e sua cabeleira parece com a do personagem de Michael Miyers em Quando mais Idiota Melhor (1992). Para compor um tipo sensível, Farrell confunde tudo deixando o personagem perdido entre trejeitos e tiques que caem quase sempre no exagero. Depois de anos morando com os pais do amigo, ele resolve procurar Johnatan (agora vivido pelo não muito bom Dallas Roberts) e o que poderia ser um recomeço para os dois na cidade de Nova York é marcado por uma mulher no caminho, no caso Clare (Robin Wright Penn) - e por mais que Robin Wright se esforce, sua personagem está sobrando no filme. Para soar como uma personagem moderninha lhe colocaram roupas coloridas e um cabelo ruivo de mechas azuis! Mas não se engane, ela é apenas mais uma coitada que espera o príncipe encantado e padece do clichê de ser apaixonada por Johnatan, o gay com quem divide o apartamento. A coisa poderia melhorar quando ela e Bobby engatam um romance, mas a coisa fica mais aguada. O que poderia ser um triângulo amoroso cheio de conflitos vira um filme episódico, com situações mal amarradas e com personagens que se perdem na construção malfadada do roteiro. Johnatan é apaixonado por Bobby, mas prefere ir para cama com qualquer cara que demonstre interesse por ele na rua. Clare se diz moderninha mas só quer arranjar um homem para lhe dar um filho e Bobby, bem esse é ainda mais complicado. Talvez as perdas que sofreu tenha ajudado o personagem a tornar-se distante, mas no filme Farrell só consegue deixá-lo oco, injetando uma passividade que beira a irritação. No fim das contas, o problema deve ter sido o diretor querer ganhar o público com o tom forçado de comédia romântica. Tudo soa leve e superficial, mesmo quando tem vemos um texto que gira ao redor de temas densos como morte, homossexualismo e AIDS. Desengonçado, o filme perde a chance de ser um retrato da época em que o HIV era um fantasma que começava a assombrar as relações sexualmente livres herdadas da década anterior. 

A Casa no Fim do Mundo (A Home At The End of The World/EUA-2004) de Michael Mayer com Colin Farrell, Dallas Roberts, Robin Wright Penn e Sissy Spacek. ☻☻

sábado, 29 de dezembro de 2018

Na Tela: A Casa que Jack Construiu

Riley e Matt: as ideias de um psicopata vista por dentro. 

Em seus primeiros trabalhos como cineasta nos anos 1980, o dinamarquês Lars Von Trier já dizia que um filme deve ser uma pedra no sapato. Isso foi bem antes dele cair no radar do Oscar quando Emily Watson foi revelada no seu Ondas do Destino/1996 ou ficar famoso como um dos fundadores do movimento Dogma95 - assinado junto com outros cineastas conterrâneos (Trier fez apenas um filme seguindo aqueles fundamentos: Os Idiotas/1998). Logo em seguida ganhou a Palma de Ouro em Cannes por um trabalho contrário a tudo o que o movimento pregava, o musical deprimente Dançando no Escuro/2000 estrelado pela cantora islandesa Björk (que falou horrores de seu trabalho com o dinamarquês). Lars quase levou outra Palma novamente com o antológico Dogville/2003, talvez a sua verdadeira obra-prima - mas ele ficou tão decepcionado com a recepção da sequência, Manderlay/2005, que a terceira parte daquela trilogia (Wasington) nunca saiu do mundo das ideias. O mundo percebeu que Lars era um grande provocador, avesso a qualquer bem estar na sala escura, mesmo quando fazia comédia (O Grande Chefe/2006, o maior fracasso de sua carreira) o resultado era desagradável. Quem não o conhecia estranhou ainda mais quando ele radicalizou conciliando terror e pornografia em O Anticristo/2009, que rendeu para sua protagonista (Charlotte Gainsbourg) o prêmio de interpretação feminina em Cannes. O passo seguinte foi Kirsten Dunst alcançar o mesmo reconhecimento com Melancolia (2011), onde o fim do mundo é a menor das preocupações de uma noiva deprimida. Foi com o lançamento deste filme que Lars foi expulso do Festival de Cannes após fazer comentários sobre o nazismo - pouco depois de anunciar que seu sonho era fazer um filme erótico com Dunst (o que rendeu risadas na coletiva de imprensa). Não era piada (e Dunst pulou fora). Com pouco mais de quatro horas de duração, Ninfomaníaca/2013 foi lançado em duas partes e deixou claro que para o diretor um filme continuava sendo uma (enorme) pedra no sapato. Depois de fazer um filme onde sexo explícito é a ordem (ainda que com reflexões pretensamente filosóficas), me parece um tanto óbvio que Lars se rendesse a um filme em que um serial killer é o protagonista. A Casa que Jack Construiu provocou protestos, enjoos e debandada das salas de cinema em sua primeira exibição (e eu realmente não entendo o que as pessoas esperavam ver de um filme do diretor com este ponto de partida). Hesitei muito para ver o filme e quando o fiz sabia que ele estaria na minha lista pessoal de filmes mais desagradáveis que já assisti (e antes dele era Irreversível/2002 que contava com a medalha de ouro). Estranho, desconfortável e bizarro, Jack é um desafio aos nervos do espectador que acompanhar em seu ritmo lento e arrastado, a mente doentia de um assassino em série. Existem trocentos filmes sobre este tipo de personagem, mas nenhum deles tentou reproduzir as ideias eles da forma como vemos aqui. O fio condutor não é uma investigação policial para capturar o assassino, pelo contrário, a condução fica por conta dos vários assassinatos de mulheres, homens e crianças pela mão de Jack (Matt Dillon), um engenheiro que queria ser arquiteto e que conversa com o poeta alegórico romano Virgílio (Bruno Ganz) para nos fazer acreditar que seus crimes são uma verdadeira obra de arte. Há quem considere que Jack é o alter-ego de Trier, que já está cansado das pancadas que recebe dos críticos, mas acho esta interpretação bem menos interessante do que um diretor ousado desconstruindo este subgênero. As mortes não são estilosas ou sedutoras, são cruas, toscas, cruéis e difíceis de assistir e -  mesmo com vários filmes apresentando mortes às pencas todos os anos, fica difícil olhar para telona. A diferença é justamente Jack matando e dizendo que o que ele faz é arte - esta é de fato a grande provocação do filme (e que Trier paga o preço de quase sucumbir na dicotomia entre criticar ou endossar). Para além das crueldades, o roteiro é cheio de ironias e sarcasmos, tendo em Matt Dillon um porto seguro, dado o seu destemor na pele do personagem. A idade fez Dillon se tornar uma ator interessantíssimo e seu trabalho é um primor na transição do personagem que começa um tanto patético em seu transtorno obsessivo compulsivo e mania de limpeza, mas que aos poucos se torna cada vez mais desleixado e indiferente ao que está ao seu redor (lendo assim parece até que matar é também o seu tratamento). Sua expressão muda, sua voz se transforma e sua postura se torna cada vez mais segura, mesmo que o filme se torne bastante exaustivo quando se aproxima de sua segunda hora de projeção.  Haja paciência (e estômago) para ver algumas cenas.  Ao final, Trier se rende de vez às alegorias de sua narrativa e leva seu personagem diretamente para o inferno, rendendo um dos desfechos mais interessantes da obra do cineasta. O resultado é um verdadeiro pesadelo. Pontuado várias vezes com o hit Fame de David Bowie (que ao final cede espaço para outro clássico, que só confirma como o humor de Trier é tóxico), A Casa que Jack Construiu não é uma pedra no sapato, é um punhal mesmo. 

A Casa que Jack Construiu (The House That Jack Built/Dinamarca, França, Alemanha, Suécia - 2018) de Lars Von Trier com Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Jeremy Davies, Sioban Fallon Hogan e Sofie Gråbøl. ☻☻☻

segunda-feira, 23 de maio de 2011

10+ Cannes 2011

O Festival de Cannes sempre aponta filmes que prometem dar o que falar durante o ano e geralmente lhes dá fôlego até a temporada de Ouro do cinema. Em 2010 foi no Festival que os críticos colocaram primeiro os olhos em Blue Valentine, Biutiful e Trabalho Interno que conseguiram figurar entre as apostas para a cerimônia do Oscar de 2011. Dentre tantos filmes exibidos destaquei dez que devem fazer cinéfilos de todo mundo salivar e ainda dar conta de figurar entre os mais premiados do ano:

10 O Abismo Prateado Podem me chamar de patriota ou cinéfilo tupiniquim deslumbrado, mas fiquei extremamente feliz quando um bando de críticos começou a se perguntar por que o novo filme de Karim Aïnouz (Madame Satã/2002) não foi selecionado para a Mostra Competitiva de Cannes. Muitos consideraram a atuação de Alessandra Negrini irrepreensível e digna de ser lembrada pelo júri. Para nós o filme baseado na canção Olhos nos Olhos de Chico Buarque promete ter um poder ainda mais devastador. O longa conta a história de um casal que chega ao fim da vida a dois. No meio do caminho está o filho de 14 anos do casal e a vontade dela entender o que aconteceu. Tudo é muito marcado pelo não dito, pelas entrelinhas e emoções da personagem. O filme promete fazer bonito quando passar por aqui e - quem sabe - ganhar fôlego em terras estrangeiras.

9 Era uma vez em Anatolia O filme teve uma campanha boca à boca tão poderosa que acabou empatando no Grande Prêmio do Festival (uma espécie de segundo lugar) com o novo trabalho dos badalados irmãos Dardenne (O Menino da Bicicleta não figura na lista por me soar como os outros da dupla). Assinado pelo cineasta turco Nuri Bilge Ceylano filme é baseado em um fato real e opta por um estilo que lembra as narrativas de Tchekov. A trama gira em torno da investigação sobre o aparecimento de um corpo em uma tranquila cidade turca - o que pode ser o indício de um crime. Nada é muito claro para os policiais, o médico e o promotor que acompanham o caso. Por meio do filme o diretor procura provocar uma reflexão muito bem vinda sobre a burocracia, a civilização e a barbárie. Apesar de difícil para a maioria do público, o potencial de um filme assim não deve ser subestimado.

8 We need to talk about Kevin Tilda Swinton era uma das mais cotadas para o prêmio de Melhor Atriz do Festival, mas com as críticas negativas ao filme de Lynne Ramsey sua força foi se perdendo. O filme conta a história de uma família que precisa lidar com o massacre ministrado pelo filho na escola em que estuda. A voltagem da atuação de Swinton e a verve estilística diretora foram muito elogiadas, mas uma pedra no ano de We need é o novo filme de Roman Polanski (Carnage, que deve estrear por aqui com o nome horroroso de O Senhor da Carnificina) que dever ser exibido em Veneza e que também trata de pais com filhos em... conflito com seus coleguinhas. Parece haver um duelo para este ano (e no filme de Polanski, Swinton ainda terá dois pesos pesados para derrotar na disputa por uma vaga em premiações: Jodie Foster e Kate Winslet). Curiosamente o ator John C. Reilly atua nas duas obras!

7 This Must Be the Place O filme do italiano Paolo Sorrentino era um dos favoritos aos maiores prêmios do Festival, mas acabou levando o prêmio de consolação ecumênico do Festival. Apesar de todas as críticas positivas, isso revela mais do que se imagina. O fato de ter Sean Penn com visual de roqueiro vocalista do The Cure deve ter ofuscado os outros predicados do filme sobre um roqueiro judeu cinquentão que resolve se vigar do oficial nazista que maltratou seu pai (com quem não falava há décadas). A pergunta que ficou o ar é se as platéias mais conservadoras vão engolir o filme de temática pesada e apelo pop. Se o pessoal entrar no clima o filme pode ser um sucesso, senão o filme deve virar cult e render indicações apenas para o seu astro nas futuras premiações.

6 Driver O dinamarquês Nicolas Winding Refn já havia chamado atenção em Cannes com sua trilogia Pusher (disponível em DVD por aqui), mas nada se compara ao que o destino preparado para Driver. Pra começar, a trama sobre um motorista (Ryan Gosling) que faz bicos de dublê e serviços para marginais criou uma grande repercussão por se tratar de um filme de ação que mostra uma cadência autoral como há muito não se via no gênero - e o prêmio para o diretor só comprova ainda mais essa sensação. O filme promete fazer bonito entre a crítica e nas bilheterias (o que pode lhe dar fôlego para figurar na memória dos votantes nas premiações). A presença da queridinha Carey Mulligan também deve ajudar.

5 Melancolia Lars Von Trier mostrou que não sabe mesmo controlar a própria língua após as brincadeiras sobre nazismo na coletiva de seu filme. Sorte que o júri do festival era sereno o suficiente para perceber que Melancholia foi uma das raras unanimidades do Festival. A força narrativa da história sobre o fim do mundo anunciado pela colisão de um planeta com a Terra é o motor para um conflito instigante entre o ceticismo, os sentimentos e a ciência. Impossível não se identificar com as angústias de a noiva protagonista que vê os rumos de seus planos alterados pela catástrofe eminente. Por este papel Kirsten Dunst foi lembrada pela atuação precisa (que saiu ilesa das polêmicas de Lars). O elenco conta ainda com Charlote Grainsburg e Kiefer Sutherland e se as pessoas se prenderem às qualidades do filme ele deve ser um dos destaques do ano.

4 Le Havre O filme do finlandês Aki Kaurismaki foi consagrado pela Federação Internacional dos Críticos de Cinema e com isso garantiu uma plataforma de admiradores respeitável para seu filme. Considerado por muitos como uma obra hilariante, o filme retrata a vida de um engraxate que ajuda um menino africano que é imigrante ilegal na região  da Normandia. Além da apreciação da crítica o filme possui outros fatores que devem ajudar em sua carreira mundial: o tom bem humorado numa história comovente, a presença de uma criança no centro da narrativa, um protagonista de trabalho humilde e principalmente retratar uma situação que merece cada vez mais a atenção num mundo globalizado: o tratamento dado aos imigrantes. Vendo essas características em perspectiva acho que La Havre merecia estar até no pódio desta lista!

3 Meia-Noite em Paris Fazia tempo que Woody Allen não era tão celebrado por um filme. Foi em Cannes que Match Point (2005) e Vicky Christina Barcelona (2008) foram predestinados ao sucesso. Algo em maior escala foi anunciado para seu novo longa, uma alegoria sobre o efeito de Paris sobre um escritor vivido por Owen Wilson. Misturando realidade e fantasia o diretor retoma o clima bem humorado e otimista que parecia ter perdido nos últimos anos. Além disso, o filme tem no elenco a primeira dama francesa Carla Bruni e a estrela Marion Cotillard (o que chama ainda mais a atenção dos marmanjos). O longa ainda promete um pouco de ouro na vida de Rachel McAdams (já era mais do que na hora) no papel da namorada de Wilson.

2 A Pele que Habito Filme de Pedro Almodóvar e sempre filme de Almodóvar, né não? Se seus fãs ao redor do mundo já garantem a bilheteria o que dizer do apelo gigantesco de depois de quase vinte anos ele se reencontrar com um de seus astros favoritos: Antonio Banderas. Banderas ainda deve seguir o mesmo caminho de Penélope Cruz (que ganhou o status que tem hoje ao voltar às suas origens almodovarianas em Volver/2006) e reencontrar o rumo de sua carreira no papel de um cirurgião com sede de vingança. Não empolgou? Agora imagina que se trata de um filme de terror! Pelo que se viu em Cannes a maioria amou e poucos odiaram essa investida do diretor. Mesmo assim, o Prêmio da Juventude o considerou o melhor da competição.

1  Árvore da Vida Eu não queria ser óbvio, mas tem como? Pra começar o lançamento de um filme de Terrence Mallick (que em quarenta anos de profissão está apenas em seu quinto filme!!!) já é um evento! Levando em consideração que no elenco existe Brad Pitt sedento de reconhecimento (como o pai dominador) e Sean Penn (como seu filho perdido em indagações no deserto da vida) o interesse cresce ainda mais! Adicione a isso a Palma de Ouro em Cannes, os elogios e as expectativas sobre um filme que não tem medo de falar sobre o sentido a vida e o equilíbrio do universo que e a coisa beira o assustador! Agora, para ficar assustado mesmo, quantas vezes um ganhador da Palma de Ouro estreou por aqui duas semanas depois de ser premiado no Festival? Merece ou não o topo da lista? 

domingo, 3 de agosto de 2025

PL►Y: O Ano de 1985

Cory: fantasmas dos anos 1980. 

Ao final de 1985, Adrian Lester (Cory Michael Smith) resolve passar as festas de fim de ano ao lado da família que não visita há algum tempo. Obviamente que o retorno ao lugar que o viu crescer o fará reencontrar questões que fizeram parte de sua história e construção como indivíduo. Estão no mesmo lugar a religiosidade da família, a rigidez do pai (Michael Chiklis), a submissão da mãe (Virginia Madsen), a versão adulta do garoto que o perseguia na escola (Ryan Piers Williams), a amiga de infância (Jamie Chung) que não conversa com ele faz tempo... se tem alguma coisa que mudou naquele cenário é o irmão caçula, Andrew (Aidan Langford), que está prestes a entrar na adolescência e desenvolver seu próprio gosto pessoal - ainda que isso inclua gostar de ouvir Madonna para o horror de seu pai conservador. Apesar de toda educação e desenvoltura, Adrian está visivelmente desconfortável e nos momentos em que que está afastado da família, demonstra que tem algumas questões que ainda não consegue conversar com eles. Não é por acaso que o filme é ambientado em 1985, também não é ao acaso que toda hora alguém menciona um amigo chamado Leo que vive em Nova York, o fato é que O ano de 1985 é mais um filme que aborda as dificuldades em lidar com o surgimento da AIDS. Só que do macrouniverso que vimos em outras produções, este aqui parte para o microuniverso e a dificuldade de ser você, mesmo diante das pessoas que mais deveriam te amar num mundo cheio de preconceitos. Dirigido pelo malaio Yen Tan, O ano de 1985 é uma espécie de versão mais contida de É Apenas o Fim do Mundo, peça de Jean-Luc Lagarce que se tornou filme pelas mãos de Xavier Dolan em 2016, dois anos antes do lançamento desta produção independente pouco conhecida, mas que figurou em várias listas de melhores filmes daquele ano. Muito se deve  ao tom discreto da narrativa bastante sugestiva impressa pelo diretor, que ficou ainda mais mais valorizada com a fotografia em preto e branco que ao remete mais ainda à ideia de luto em um mundo em que as cores foram banidas. No entanto, o maior mérito da produção é Cory Michael Smith, um excelente ator que ficou conhecido pelo seu trabalho como o Charada da série Gotham, mas que já entregou performances memoráveis em sua carreira (sempre lembro dele como o aluno depressivo de Olive Kitteridge/2014 e recentemente ele encarnou Chevy Chase em Saturday Night/2024). O moço é um destes atores que impressionam sem precisar fazer muito e que mereciam mais atenção do público e da crítica. Sem a sensibilidade impressa por ele no personagem, o filme perderia vários degraus da intensidade que evoca. Vale destacar também o trabalho de Virginia Madsen no papel da mãe que é mais esperta do que pensam (aquela cena de despedida no carro é uma das coisas mais lindas e singelas que já vi). Disponível no Filmicca, o filme merece ser descoberto. 

O Ano de 1985 (1985 / EUA - 2018) de Yen Tan com Cory Michael Smith, Virginia Madsen, Michael Chiklis, Jamie Chung, Aidan Langford e Michael Darby. ☻☻☻☻

sexta-feira, 7 de dezembro de 2012

CATÁLOGO: Na Cama com Madonna

Madonna: interpretando seu melhor papel - ela mesma. 

Aproveitando o fim da temporada de shows de Madonna no Brasil, não custa nada lembrar o filme que a marcou de vez como a rainha do palco no mundo pop - enquanto definia sua personalidade no inconsciente do mundo inteiro. Até o ano de seus lançamento, Na Cama com Madonna foi o documentário de maior bilheteria de todos os tempos. É fácil entender o motivo. Se hoje muita gente ainda compra DVDs por conta dos bastidores, há vinte anos, Madonna mesclou as cenas de bastidores aos seus shows numa espécie de híbrido do que vemos hoje nesse tipo de produto. Dizem que a ideia partiu do cineasta Alek Keshishian que tinha a curiosidade de conhecer a cantora nos bastidores da turnê que se tornou um marco na cultura pop: a Blonde Ambition. Era um projeto tão ambicioso com sua parafernália sonora, cenários grandiloquentes, figurinos de Jean Paul Gaultier e, claro, coreografias sexualmente insinuantes que a ideia arrastaria multidões para assistir. Foi esta turnê que marcou a fase mais glamourosa da cantora e fixou referências como o rabo de cavalo postiço, o microfone Headset e os sutiãs cônicos. O filme até sugere a preocupação de quem participava da turnês se Madonna realmente conseguirira cumprir todos os contratos estabelecidos ao redor do mundo - incluindo Warren Beatty, namorado de Madonna na época que achava tudo (inclusive uma câmera filmando tudo nos bastidores) uma grande sandice. Apesar de vários momentos soarem artificiais (o encontro de Madonna com uma amiga de infância, a visita da cantora ao túmulo da mãe e até a tentativa de censurarem seu show no Canadá) existem outros que conseguem penetrar a casca da cantora e exibir um pouco mais de sua persona. Madonna mostra-se profundamente profissional quando está sobre o palco, não tem pudores em reclamar quando o som não está bom e não reclama de ter que dormir cedo depois de um show exaustivo - nem poderia, afinal fica bem claro que ela é a chefe do pedaço. Não existe produtores pegando em seu pé ou reclamando disso ou daquilo. Ela é a dona da bola. Keshishian optou por colorir somente as cenas de palco (e para os fãs as coreografias de Express Yourself e Vogue devem empolgar até hoje como há vinte anos atrás, graças à percepção de palco notável que a a cantora apresenta) e ajudou a construir a imagem de Rainha do Pop que a cantora proclama até hoje. As cenas de bastidores são em preto e branco granulado, como os documentários jornalísticos mais antigos e sérios - talvez para tentar construir uma atmosfera de que o que vemos é real. Foi muito comentado o envolvimento afetivo de Madonna com seus bailarinos, como se ela fosse uma grande mãe para a sua trupe de marmanjos negros e latinos, mas, por outro lado, houve quem criticasse sua postura, já que para uma pessoa que defende tanto o fim do preconceito, por várias vezes ela trata esse grupo como um bando de subordinados aos devaneios de uma diva caucasiana. Existem alguma brincadeiras que servem apenas para fixar a imagem de transgressora da estrela (como a famigerada cena da garrafa simulando o que muitos filmes preferem usar bananas... ou a cena em que falam abobrinhas em cima da cama - o que acabou gerando o nome do filme que a própria Madonna considera estúpido). O que torna o filme mais interessante são momentos como o momento em que vemos Madonna confessando seu amor pelo ex-marido Sean Penn, ou quando ela ainda parece uma garotinha buscando a aprovação do pai - ou até quando faz orações antes de subir ao palco. Isso, sem falar nas inúmeras participações especiais como Kevin Costner (que é apresentado como chato e é alvo do deboche), Antonio Banderas (pelo qual Madonna tinha um declarado fetiche) e Warren Beatty (que deixa claro que o namoro estava chegando ao fim). A ideia deu tão certo desde o seu badalado lançamento em Cannes que Madonna tentou reeditar a ideia em 2005 com I'm Gonna Tell You A Secret filmado na turnê Re-Invention, mas não repetiu o sucesso deste aqui. Apesar do sucesso, trata-se de um projeto de puro narcisismo marketeiro - mas que pode soar divertido se você entrar no clima (que gera situações como o bullying sofrido pelo único dançarino hetero num grupo de gays). Se todos parecem compor uma família feliz, vale lembra que em 1992, três bailarinos da turnê abriram um processo contra Madonna alegando que haviam invadido sua privacidade e cobraram idenização por fraude, deturpação intencional, supressão da verdade e "inflição intencional de sofrimento intencional" depois que o filme faturou milhões o redor do mundo e eles não receberam um centavo a mais no cachê de dançarinos. 

Na Cama com Madonna (In Bed With Madonna/Truth or Dare - EUA/1991) de Ale Keshishian com Madonna, Christopher Ciccone, Martin Ciccone, Warren Beatty, Antonio Banderas e Kevin Costner. ☻☻☻ 


sábado, 14 de dezembro de 2024

PL►Y: Coringa - Folie a Deux

Gaga e Phoenix: o filme mais odiado do ano.

Se  Coringa2 não for o maior fracasso de bilheteria de 2024, ele com certeza merece o título de filme mais odiado do ano. Muito por conta do fenômeno cultural que foi o primeiro filme (um filme baseado em HQ que foi Premiado no Festival de Veneza e rompeu a barreira do bilhão nas bilheterias com um drama sombrio e pessimista). O primeiro Coringa fez tanto sucesso que rendeu todos os prêmios daquela temporada para o colosso Joaquin Phoenix e levou ainda o Oscar de trilha sonora enquanto disputava outras nove categorias no maior prêmio do cinema americano - incluindo filme e direção para Todd Phillips. Ao que parece todo mundo gostou do sucesso de Coringa, menos o diretor. Phillips ficou famoso com a comédia Se Beber Não Case (2009) e disse em entrevistas ter feito seu Joker pensando em como dar risada pode ser considerado ofensivo nos dias atuais. Acontece que a interpretação que muita gente teve de seu vilão foi diferente do que ele imaginava e viu o personage ser considerado por muitos um herói incompreendido num mundo excludente - por mais que Phillips ressaltasse que seu protagonista era um assassino perigoso. Assim como Joker se tornou uma figura cultuada na trama por conta dos crimes que cometeu, o cineasta viu o mesmo acontecer na vida real. Diante do sucesso inesperado do primeiro filme, Todd foi convidado a realizar uma inevitável sequência, mas disse que faria apenas se fosse do seu jeito, sem que os produtores se metessem. Foi assim que ele torrou quatro vezes mais para desconstruir tudo o que muita gente venera no filme anterior. Pista de que isso aconteceria aconteceu quando divulgou que seria um musical e que teria Lady Gaga como a mítica Arlequina. Devo dizer que nenhum desses pontos me desagradou, ainda que os considerasse um bocado arriscados. Pista porque o musical deve ser o gênero menos apreciado ao redor do mundo, mas ainda assim temos ao menos um exemplo brilhante de como podem ser sombrios e assustadores (Sweeney Todd/2007 de Tim Burton, filme que eu adoro), por outro lado, por mais que Lady Gaga seja uma atriz competente, seu fã-clube é proporcional ao número de haters de olho em tudo o que ela faz. No fim das contas, tudo dependeria do roteiro assinado pelo diretor e Scott Silver. A bomba já se denunciava no Festival de Veneza em que o filme era um dos mais aguardados e recebeu críticas mornas. Aqui, Arthur Fleck (Phoenix) está internado no Asilo Arkham aguardando julgamento pelos cinco assassinatos que cometeu. Medicado, calado e controlado, ele mal faz ideia que fora dali tem uma legião de seguidores enquanto serve de chacota para os guardas do local. As coisas parecem melhorar quando ele conhece Harley Quinzel, mais conhecida como Lee (Lady Gaga), que idolatra a imagem insana daquele sujeito e o motiva a ser novamente o imprevisível Coringa. Aos poucos, Fleck volta a encarnar seu alterego e o filme segue em um julgamento que revisita situações e personagens do filme anterior. Com isso Folie a Deux (nome em francês para transtorno delirante induzido) se torna dependente demais do primeiro longa, com uma série de explicações que ninguém pediu. O filme se torna repetitivo em um roteiro que anda em círculos para terminar de forma bastante decepcionante. Todo o teor robusto de Joker não aparece aqui. A culpa nem é das músicas (logo no início o diretor já anuncia sua proposta em um programa de TV: quer provar como o musical pode servir ao drama dos personagens), também não me incomoda o fato de Joaquin não cantar bemm o que incomoda é que para um filme com mais de duas horas, o roteiro soa improvisado, com ideias inventivas que não foram bem desenvolvidas. Meu momento favorito do filme é aquele em que Puddles (Leigh Gill, perfeito!) vai depor e expõe todo horror de perceber que um amigo se transformou em um monstro (ou será que ele sempre foi?). Esta é a intenção de Todd Phillips, mostrar que o vilanesco Coringa não é digno de admiração e acho que este é o grande motivo de ódio perante o filme. De certa forma, ao ver Coringa2 a plateia sente-se tão decepcionada quanto Lee (e Lady Gaga que aparece pouco e subaproveitada com o potencial da personagem) e restou apenas reclamar do filme, que está longe de ser um desastre, mas também não é tão interessante quanto poderia ter sido. Acho que, no fundo, faltou ao diretor a ousadia de radicalizar suas ideias (algo que vimos recentemente em A Substância), distante de toda emulação scorsesiana, Todd deixou o filmeem cima do muro. Resta apenas apelar para o fanservice do desfecho para que se criem teorias a respeito do que acontece depois. Que aconteça nada, por favor. 

Coringa: Folie a Deux (EUA-2024) de Todd Phillips com Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz, Leigh Gill, Harry Lawtey e Steve Coogan. ☻☻  

quinta-feira, 28 de outubro de 2021

Na Tela: Duna

 
Thimothée e Rebecca: mãe e filho num deserto grandiloquente. 

Duna, o livro de Frank Herbert, é uma obra-prima da ficção científica e, por conta disso, coleciona milhares de fãs desde o seu lançamento em 1965. Alguns deles resolveram fazer uma versão para o cinema em 1984 com direção de David Lynch, mas o filme foi um fracasso de bilheteria, se tornou motivo de piada por suas bizarrices e até recebeu o desprezo do seu próprio diretor. Afinal, reza a lenda que Lynch filmou uma versão de quatro horas para contar a história do herói Paul Atreides, mas que os produtores exigiram um corte de duas horas e ainda começaram a vetar as solicitações feitas por Lynch.  Dito isso, não é surpresa que o filme foi um fiasco (como fã de Lynch eu tentei assistir, mas desisti antes da primeira meia-hora. Agora que o longa está em cartaz na Netflix, tentarei assistir novamente). Eis que passado o trauma, resolveram criar outra versão. Quase quatro décadas depois, convidaram o canadense Denis Villeneuve para a empreitada. Denis também tinha lá seus traumas quando a produção começou, já que depois do fracasso comercial do ambicioso Blade Runner 2049 (2017) chegou a considerar que não seria convidado para trabalhar novamente. Sorte que quem entende de cinema sabe que a sequência do filme de Ridley Scott é tão obra-prima quanto o primeiro filme e que o diretor merecia novas chances de construir mundos para a telona. Interessante que antes do sucesso de A Chegada (2016), era difícil imaginar que o diretor se tornaria o grande nome da ficção científica cinematográfica do século XXI (embora já demonstre sinais de saturação). Chegado a dramas intimistas na fase inicial de sua carreira, este deve ser o diferencial para dar alma ao corpo de efeitos especiais de suas obras no gênero. No fim das contas, parece que Duna curou os traumas de todo mundo. Tornou-se a maior bilheteria mundial desde a reabertura dos cinemas em tempos de pandemia e recentemente teve a sua sequência garantida - o que é muito importante para a apreciação do filme. Lembra do que houve com a versão de David Lynch? Pois é. Villeneuve também criou uma adaptação pensada para mais de um filme (na verdade pensou numa trilogia) e esta acaba se tornando a grande restrição do filme que, visivelmente, serve como espécie de introdução à trama. Falando em introdução, demora um bocado para o filme engrenar com toda a preocupação de tornar compreensível aquele universo construído por Frank Herbert. Haja nomes e palavras estranhas em torno da história do planeta Arrakis, que é constantemente explorado por conta da substância conhecida como "especiaria", uma espécie de droga alucinógena benéfica para  quem a consome. Por ela as guerras são travadas, assim como jogos de poder e traições que movimentam a trama. O engraçado é que Villeneuve opta por ser bastante conciso em alguns momentos (como a introdução na voz de Zendaya que resume a história do planeta em poucas frases) e bastante moroso em outros. Em vários momentos Duna se arrasta em pura contemplação à grandiloquência do mundo construído para o filme. Dos imensos desertos habitados por vermes gigantescos, passando pelas naves impressionantes e os veículos que parecem libélulas mecânicas, a atenção a estes elementos parecem ter tanto peso quanto os personagens da trama. A história é centrada na família do Duque Atreides (Oscar Isaac), que casou com uma mulher ligada à bruxaria (Rebeca Ferguson) e tiveram um filho, Paul (Thimothé Chalamet), que parece predestinado a algo grandioso. No entanto, tão logo a família chega à Arrakis, existe um clima de conspiração no ar, já que o planeta e seus habitantes calejados rejeitam a ideia de um novo explorador. No entanto, existe outras figuras imponentes de olho na extração das especiarias... é estranho que dada a alardeada complexidade da obra literária, o filme pareça carregar uma história tão simples. Levando em consideração o didatismo do roteiro na apresentação daquele universo, personagens e ações (que às vezes transborda em exageros como os momentos como um personagem dizendo "vamos decolar" para no minuto seguinte a nave decolar ou de Jason Momoa trancando uma porta para no minuto seguinte uma personagem dizer que "ele trancou a porta") e ter tudo no lugar certo (atuações convincentes, efeitos especiais competentes, trilha sonora excelente e cenas de ação grandiosas para espantar o sono quando ele aparece), Duna termina com a sensação de ser uma longa introdução e, não é por acaso, que a personagem de Zendaya diga que "isso é apenas o começo" quando esta primeira parte está em seus minutos finais - pouco depois do franzino Paul de Chalamet demonstrar que está disposto a crescer e assumir seu papel neste conflito instaurado por outras instâncias. Não vou tecer muitos comentários sobre o trabalho do mocinho até que a sequência saia em 2023. Se o objetivo é apresentar a ideia ao espectador para que ele compre esta nova versão, o filme funciona, mas depende muito da segunda parte para justificar sua existência. 

Duna - Primeira Parte (Dune/Estados Unidos - Canadá - Hungria - Noruega - Ìndia /2021)  de Denis Villeneuve com Thimothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Jason Momoa, Zendaya, Javier Bardem, Dave Bautista, Josh Brolin, Charlotte Rampling, Stellan Skarsgård eDavid Dastmalchian. ☻☻☻